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  Arte Abstracto Argentino
     
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Carmelo ARDEN QUIN

Carmelo Heriberto Alves nació el 16 de marzo de 1913 en Rivera (Uruguay). Se acercó a las artes plásticas a través del escritor catalán Emilio Sans, amigo de su familia.

En 1935 conoció a Joaquín Torres García en una conferencia en la sede de la Sociedad Teosófica. Si bien en un primer momento adoptó los lineamientos estéticos de Torres García, en 1936 realizó sus primeras pinturas no ortogonales, transgrediendo los límites tradicionales del rectángulo. Expuso estos trabajos en la Casa de España en Montevideo, en el marco de una manifestación en apoyo a la República Española.

Desde finales de 1937 se instaló en Buenos Aires, frecuentó a los artistas de vanguardia y estudió filosofía y literatura en la Universidad. En esta ciudad compartió el taller con el artista chileno Miguel Martínez, quien le presentó a Gyula Kosice, por entonces un adolescente que se dedicaba a la marroquinería.

En 1941 fue cofundador del diario bimestral El Universitario, donde publicaba sus ideas políticas y estéticas. Participó en el Grupo Arturo junto a Kosice, Rhod Rothfuss y Tomás Maldonado, entre otros, quienes en 1944 publicaron el único número de la revista Arturo. En esta publicación colaboraron Murilo Mendes, Vieira da Silva, Vicente Huidobro y Torres García, con quienes había tomado contacto en 1942.

En 1946 la agrupación se dividió, una parte formó la Asociación Arte Concreto Invención y otra el Grupo Madí. Dentro de este último, Arden Quin participó en las cuatro exposiciones que se presentaron durante la segunda mitad de ese mismo año en la Galería Van Riel y en la Escuela Libre de Artes Plásticas “Altamira”, realizadas en Buenos Aires, así como en la primera exposición Madista Internacional, organizada en el Ateneo de Montevideo. En este período realizó obras de marco poligonal, estructuras móviles, coplanales, cuadros objeto y obras cóncavas, que denominó Formes Galbées.

Hacia 1948 se trasladó a París, donde frecuentó a Michel Seuphor, Marcelle Cahn, Auguste Herbin, Jean Arp, Georges Braque y Francis Picabia, entre otros artistas de vanguardia. Allí realizó numerosas exposiciones, participó en el Salon des Realités Nouvelles y, en 1956, contrajo matrimonio. En este período introdujo en su obra el collage y el découpage, recurso que utilizó hasta 1971.

En Buenos Aires, cofundó la agrupación Arte Nuevo, integrada por artistas de diferentes tendencias no figurativas, que realizó su primera exhibición en la Galería Van Riel (1954). En París dirigió la revista Ailleurs y, durante los años ’60, participó en el movimiento de Poesía Concreta. Luego de quince años, en 1971, retornó a la pintura.

Entre las últimas exposiciones individuales merecen citarse las realizadas en la Galerie Charley Chevalier, París (1973); Galerie Quincampoix, París (1977); Exposición Homenaje a sus sesenta años, Espace Latino-Americain, París (1983); Galería Niza, Brescia (1986); Galerie Down Town, París (1987); Galería el Patio Bremen, Alemania (1988) y Fundación Arte y Tecnología, Madrid (1997). Asimismo participó en importantes exposiciones colectivas, tales como Art in Latin America. The Modern Era (1820-1990), en la Hayward Gallery, Londres (1989), Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York (1990), Arte Madí, Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (1997) y, recientemente, Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York (2001). Actualmente vive y trabaja en París.


 

 

Carmelo Heriberto Alves was born on March 16th, 1913 in Rivera, Uruguay. He came to the visual arts through a family friend, the Catalan writer Emilio Sans.

In 1935, he met Joaquín Torres-García at a conference held at the Theosophic Society. Though at first he adhered to Torres-García´s aesthetics, in 1936 he produced his first non-orthogonal paintings, defying the traditional constraints of the rectangle. He exhibited these paintings with Casa de España in Montevideo, as part of a demonstration supporting the Spanish Republic.

At the end of the year 1937, he settled in Buenos Aires, saw much of the avant-garde artists and attended university where he studied philosophy and literature. In Buenos Aires, he shared a studio with Miguel Martínez, who introduced him to Gyula Kosice, by then a teenager devoted to leather craft.

In 1941 he co-founded the bimonthly publication El Universitario, with which he spread his political and aesthetic ideas. He published the only issue of the Arturo art magazine with a group of artists that included Kosice, Rhod Rothfuss and Tomás Maldonado, among others. Murillo Mendes, Vieira da Silva, Vicente Huidobro and Torres-García, whom he had contacted in 1942, reckoned among its contributors.

In 1945, this group divided into two groups, the Asociación Arte Concreto-Invención and the Grupo Madí. With the latter Ardén Quin took part in four exhibitions held during the second half of 1945 at the Van Riel Gallery and at the Escuela Libre de Artes Plásicas “Altamira”, in Buenos Aires, and also in the first International Madí exhibition held at the Ateneo in Montevideo. From this period are his polygonal frames, mobiles, articulated planes, object frames and concave surfaces which he dubbed Formes Galbées.

In 1948, he moved to Paris where he frequently contacted Michel Seuphor, Marcelle Cahn, Auguste Herbin, Jean Arp, Georges Braque and Francis Picabia, among other avant-garde artists. In Paris he took part in many exhibitions, with the Salon des Realités Nouvelles and, in 1956, he got married. In this period he introduced the collage and the découpage techniques which he used until 1971.

Back in Buenos Aires, he co-founded Arte Nuevo (New Art) a group encompassing artists of different non-figurative trends who showed for the first time at Galería Van Riel (1954). In Paris he directed Ailleurs and during the sixties he took part in the movement called Concrete Poetry. After 15 years, in 1971, he returned to painting.

Among his latest exhibitions are Galerie Charley Chevalier, Paris (1973); Galerie Quincampoix, Paris (1977); Exposición Homenaje (celebrating his sixty years); Espace Latino-Americain, Paris (1983); Galeria Niza, Brescia (1986); Galerie Down Town, Paris (1987); Patio Bremen Gallery, Germany (1988) and Fundación Arte y Tecnología, Madrid (1997). He took part in group exhibitions as well, such “Art in Latin America. The Modern Era” (1820-1990), at the Hayward Gallery, London (1989); “Argentina. Arte Concreto-Invención 1945. Grupo Madí 1946” (Argentina. Concrete Invention Art) 1945. Madi Group 1946) at the Rachel Adler Gallery, New York (1990); “Arte Madí” (Madi Art) at the Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (1997); and recently, “Abstract Art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53” at The Americas Society, New York (2001). Nowadays he lives and works in Paris.

Juan BAY

Nació en Trenque Lauquen, provincia de Buenos Aires, en 1892. Residió en Italia por muchos años. Entre 1908 y 1914 estudió dibujo y pintura en Milán y en 1911 participó en una muestra libre futurista realizada en la Umanitaria de Milán.

Después de ejercer la docencia en la Argentina, reanudó su actividad artística en Milán, exponiendo en las galerías Bardi, Polígono, Casa d’Artisti, Il Milione y Mascioni, entre otras. Participó con los artistas no figurativos italianos en la muestra de Brera organizada en 1938 y en la exposición realizada en 1936 en la Galería Moody, de Buenos Aires.

En 1942 expuso en la Galería Mascioni con el grupo no figurativo de Como y con los Futuristas en la Bienal de Venecia y en la Quadriennale de Roma. En 1949 regresó a la Argentina y exhibió sus obras en las galerías Van Riel, La Máscara y Antú.

En 1951 se realizó una importante exposición de la colección de Ugo Bernasconi que presentó dos óleos no figurativos de su autoría. Se sumó a la agrupación Madí, integrando las muestras grupales realizadas en la Galería Kray, Galería Número de Florencia, galerías Van Riel y Bonino de Buenos Aires y en la Galería Denise René de París, entre otras. Participó en la I Muestra Internacional del Museo de Arte Moderno realizada en noviembre de 1960.

En 1976 integró la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo, en Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori (1980) y en Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York (1990).

Sus obras integran importantes colecciones europeas, entre ellas la del Museo del Castello Sforzesco y la del Museo de Arte Moderno, ambas de Milán. En 1978, año en el que falleció, se realizó una exposición retrospectiva de su obra en la Galería de la Salle, Saint Paul de Vence.

 

 

Born in 1892 in Trenque Lauquen, province of Buenos Aires, he lived in Italy for many years. Between 1908 and 1914, he studied drawing and painting in Milan and in 1911 took part in a free futurist exhibition held at the Umanitaria, in Milan.

After some teaching in Argentina, he returned to painting in Milan, exhibiting with the galleries Bardi, Poligono, Casa d´Artisti, Il Milione and Mascioni, among others. He took part in the Italian non-figurative artists´show at Brera, organised in 1938 and in the exhibition held in 1936 at the Galeria Moody in Buenos Aires.

In 1942, he exhibited at the Galeria Mascioni as part of the non-figurative group of Como and together with the futurists at the Venice Biennale and at the Quadriennale of Rome. In 1949, he returned to Argentina and showed his works at the Galeria Van Riel, at La Máscara and at Antú.

In 1951, two non-figurative oils of Bay´s could be seen in an important exhibition of Ugo Bernasconi´s collection. He joined the Madí artists and took part in the group exhibitions held at Galeria Kray, and Galeria Numero, in Florence, at Galeria Van Riel and Galeria Bonino in Buenos Aires and at the Galerie Denise René, in Paris, among others. He took part in the First International Show of the Museo de Arte Moderno held in November, 1960.

In 1976 he was also part of the exhibitions Homenaje a la Vanguardia Argentina de la Década del 40, (Celebrating the Argentine Vanguard of the 40’s) held at the Galería Arte Nuevo, Vanguardia de la Década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo (Vanguard of the 40’s. Concrete Invention Art) Madí Art. Perceptism), held at the Museo Sivori (1980) and Argentina. Arte Concreto-Invención 1945. Grupo Madí 1946 (Argentina. Concrete Invention Art 1945. Madí Group 1946), held at Rachel Adler Gallery, in New York (1990).

Bay’s paintings form part of important European collections, such as the collection of the Museo del Castello Sforzesco and of the Museo de Arte Moderno, both in Milan. In 1978, the year he died, a retrospective show was held at the Galeria de la Salle, Saint Paul de Vence.


Aníbal J. BIEDMA

Nació en la República Argentina en 1924. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Adhirió, desde sus comienzos, al Movimiento Madí.

En 1949 expuso en el Salón Argentino de Arte no-Figurativo y en la Galería Van Riel, de esa misma ciudad. Asimismo participó en la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, en la Galería Arte Nuevo (1976), en la muestra Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori, Buenos Aires (1980) y en Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, (1997), entre otras.

 

 

 

Born in Argentina in 1924 he studied at the Academia Nacional de Bellas Artes of Buenos Aires. He adhered, since its early stages, to the Madí movement.

In 1949 he exhibited at Salón Argentino de Arte No-Figurativo and at Galeria Van Riel, in Buenos Aires. He also took part in the exhibitions Homenaje a la Vanguardia Argentina de la Década del 40, (Celebrating the Argentine Vanguard of the 1940s) held at Galería Arte Nuevo, Vanguardia de la Década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism), held at the Museo Sivori (1980) and Arte Madí held at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997) among others.

 

Martín BLASZKO

Nació el 12 de diciembre de 1920 en Berlín (Alemania). En 1933 abandonó ese país, instalándose en Polonia, donde estudió dibujo con Henryk Barczynsky y con Jankel Adler.

En 1938 visitó París y se vinculó a Marc Chagall. Al año siguiente se estableció en la Argentina. Hacia 1945 conoció a Carmelo Arden Quin, con quien participó en el Grupo Madí desde 1946.

Durante la década de los cuarenta produjo pinturas de marco recortado y formas tridimensionales que, más tarde, tomaron un impulso ascensional transformándose en monolitos, torres y columnas.

En 1952 realizó un proyecto para el Monumento al Prisionero Político Desconocido, expuesto en la Tate Gallery de Londres y fue premiado por el Institute of Contemporary Art, de esa ciudad. Integró la representación argentina en la II Bienal Internacional de São Paulo y en 1960 fue incluido en el envío argentino realizado a la Bienal de Venecia. Asimismo, en 1958 fue seleccionado para participar en la Exposición Universal de Bruselas, en la que obtuvo la Medalla de Bronce.

Este artista de origen berlinés –que desde 1959 adoptó la nacionalidad argentina– sumó la producción teórica a su trabajo creativo. En 1961 la Galería Lirolay presentó la exposición Quince años de escultura, con selección y prólogo de Germaine Derbecq. Entre sus escritos cabe mencionar: La escultura y el principio de la bipolaridad, revista Leonardo, Oxford (1968); Nace una escultura, revista Sculpture International, Oxford (1970) y La realización de una escultura, revista Leonardo, Oxford (1971).

En la Novena Conferencia Internacional de Escultura, realizada en 1976 en Nueva Orleans, planteó su posición en la disertación Monumental Sculpture and Society. Obtuvo importantes reconocimientos, entre ellos, el Premio Adquisición, Salón de Mar del Plata (1959), Gran Premio de Honor, Salón Manuel Belgrano (1960); Primer Premio, Salón de Córdoba (1960); Premio Cámara de Representantes de la Nación (1973) y el Premio Open-Air Museum, Hakone, Japón (1991).

Su obra Júbilo (1986) realizada en aluminio pintado se encuentra en el Parque Centenario de la ciudad de Buenos Aires, y El canto del pájaro que vuela, está emplazada en Utsugushi-Ga-Hara, Japón.

Entre las exposiciones recientes merecen destacarse la realizada en el Bank of Interamerican Development (BID), Washington (1984); Latin American Artists of the XX Century, Museum of Modern Art, Nueva York (1990); Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York, (1990), Exposición de Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1997) y Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York (2001). Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

Born Martín Blaszkowski on December 12th, 1920, in Berlin, Germany, he left his country in 1933 and settled in Poland where he studied drawing under Henryk Barczynsky and Jankel Adler.

In 1938, he visited Paris and contacted Marc Chagall. One year later, he returned to settle in Argentina. In 1945 he met Carmelo Ardén Quin and joined the Madi Group in 1946.

During the 1940s he produced frameless canvases and three-dimensional figures which later showed an ascending progression that changed them into monoliths, towers and columns.

In 1952, he did a project for the Monument to Unknown Political Prisoner which was shown at the Tate Gallery in London and for which he received the award of the Institute of Contemporary Art in the same city. He was a member of the Argentine representation to the II Sao Paulo International Biennale, Brazil, and in 1960 was included as Argentine representative to the Venice Biennale. In 1958, he was chosen to take part in the Universal Exhibition of Brussels at which he was awarded the Bronze Medal.

This artist from Berlin —Argentinean by adoption since 1959— added his theoretical work to his art making; in 1961 Galeria Lirolay presented his exposition Fifteen years of Sculpture, selected and prologued by Germain Derbeck. Among his writings the following deserve mentioning: “Sculpture and the Bipolarity Principle”, published in the magazine Leonardo, in Oxford (1968); “A sculpture is born”, published in the magazine Sculpture International, Oxford (1970) and “The making of a Sculpture” published in Leonardo, Oxford (1971).

At the Ninth International Conference on Sculpture held in 1976 in New Orleans he posed his standpoint in his lecture “Monumental Sculpture and Society”. He has won important prizes such as Premio Aquisición, at the exhibition held in Mar del Plata, in 1959; Gran Premio de Honor, at the Manuel Belgrano Exhibition, in 1960; First Prize, at the exhibition held in Córdoba, in 1960; Premio Cámara de Representates de la Nación (Chamber of Representatives of the Nation) in1973 and the Open-Air Museum award, in Hakone, Japan, in 1991.

His sculpture “Júbilo” (Joy) made of painted aluminium stands in Parque Centenario in the city of Buenos Aires, and “El Canto del Pájaro que Vuela” (Flying Bird’s song) is located in Utsugushi-Ga-Hara, Japan.

Among his recent exhibitions are the one held at the Bank of Interamerican Development (BID), Washington (1984); Latin American Artists of the XX Century, Museum of Modern Art, New York (1990); Argentina. Arte Concreto-Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, New York, (1990); Exposición de Arte Madí, ( Exhibition of Madi Art), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1997); and Abstract art from Río de la Plata, Buenos Aires and Montevideo 1933/53; The Americas Society, New York (2001). Nowadays he lives and works in Buenos Aires.

 

Antonio CARADUJE

Nació en España, se radicó definitivamente en la Argentina en 1924 y a fines de los años cincuenta se naturalizó argentino. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. Suscribió el Manifiesto Invencionista y participó en la exposición del grupo presentada en el Salón Peuser en marzo de 1946.

Luego de su actuación en la Asociación Arte Concreto Invención a mediados de los años cuarenta, se dedicó a la restauración de obras de arte y a la docencia. En 1976 participó en la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo, y en 1980 en Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires. Actualmente vive en la provincia de Buenos Aires.

 

 

 

Born in Spain, he settled in Argentina in 1924 and at the end of the 1950s he adopted the Argentine nationality. He studied in the Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, subscribed to the Inventionist Manifesto and took part in the group’s exhibition held at Salón Peuser in March, 1946.

After working at the Asociación Arte Concreto- Invención in the middle of the 1940s he turned to restoring art-works and teaching. In 1976, he took part in the exhibition Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40 (Celebrating the Argentine vanguard of the 1940s) held at the Galeria Arte Nuevo, and in Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo. (Vanguard of the1940s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism) held at Museo Sívori in Buenos Aires. Nowadays he lives in the Province of Buenos Aires.

Eugenia CRENOVICH (Yente)

Nació en Buenos Aires el 6 de noviembre de 1905. Estudió en la Facultad de Filosofía y Letras, en la Academia de Bellas Artes de Santiago de Chile y en Buenos Aires fue discípula de Vicente Puig y de Juan del Prete, artista con el que contrajo matrimonio.

En 1935 expuso en Amigos del Arte y luego presentó sus abstracciones, relieves y pinturas no figurativas en la Galería Müller, de Buenos Aires. Su poética orientada hacia un vocabulario abstracto combinó relieves coloreados de estructura ortogonal con búsquedas sensibles de texturas y materia, si bien desde 1946 trabajó simultáneamente obra abstracta y pinturas figurativas.

En 1945 comenzó a realizar relieves y objetos constructivos en celotex, material blando que le permitía modelar sin dificultad. Participó en numerosos salones, entre ellos en el Salón de Nuevas Realidades de 1948/49, en el de Arte no-Figurativo de 1958 a 1960 y en la Bienal de São Paulo de 1957.

Expuso sus collages realizados en Italia empleando fósforos quemados y papeles de envases en Galería Witcomb (1964). Exhibió varias series en la Galería Van Riel de Buenos Aires, entre ellas: los collages Ciudades de Italia (1965), los de la serie del Antiguo Testamento (1966), los realizados con papeles alquitranados bajo el título El jardín del Edén (1967), los fotomontajes Turistas en Italia (1967) y una retrospectiva de obras no figurativas realizadas entre 1937 y 1963. Entre las distinciones, recibió el Premio de Dibujo en el Salón Viña del Mar (Chile 1934/6), en el del Centenario de Valparaíso (Chile, 1937); en el Salón de Acuarelistas (Buenos Aires, 1940 y 1950) y Medalla en la Exposición Internacional de Bruselas (1958). Integró la Muestra de Argentinos en Río de Janeiro (1958) y 50 Años de pintura argentina 1930/1980, realizada en el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino de Rosario. El 28 de noviembre de 1990 falleció en Buenos Aires, a los 85 años de edad.

 

 

She was born on November 6th, 1905 in Buenos Aires, attended the School of Philosophy and Literature Letras, the Academy of Fine Arts in Santiago, Chile and in Buenos Aires she studied under Vicente Puig first, and under Juan del Prete whom she married.

In 1935, she exhibited at Amigos del Arte and then she showed her abstractions, reliefs and non-figurative paintings at Galería Müller, in Buenos Aires. Her aesthetics, with a trend towards an abstract vocabulary, combined coloured reliefs of orthogonal structure with sensitive findings of texture and materials, though since 1946, she simultaneously produced abstract and figurative paintings.

In 1945, she began making reliefs and constructions in celotex, a material that is soft and can be easily shaped. She participated in many exhibitions such as Nuevas Realidades (New Realities) in 1948/49, Arte No-Figurativo (Non-Figurative Art) in 1958/1960 and the Sao Paulo Biennial Exhibition in 1957.

Her collages made in Italy, from used matches and packaging paper, were seen at Galería Wicomb in 1964. He exhibited several series in the Van Riel Gallery of Buenos Aires, such as the collages “Ciudades de Italia” (Italian towns) (1965), and “Antiguo Testamento” (Old Testament) (1966); the collages made from tarred paper under the title “El Jardín del Edén” (The Garden of Eden) (1967); the photomontages “Turistas en Italia” (Tourists in Italy) (1967) and a retrospective exhibition of non-figurative works produced between 1937 and 1963. She was awarded the first prize for drawing in Viña del Mar, Chile (1934/36), in Centenario de Valparaíso, Chile (1937), in the Salón de Acuarelistas (Watercolour Exhibition) of Buenos Aires (1940 and 1950) and she won the Medal awarded at the International Exhibition of Brussels (1958). She was among the Argentine artists exhibiting in Rio de Janeiro (1958) and at the show “50 years of Argentine Painting 1930/1980” held at the Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, in Rosario. She died on November 28, 1990 in Buenos Aires, at 85.

 

Pablo CURATELLA MANES

Nació el 14 de febrero de 1891 en La Plata, provincia de Buenos Aires (Argentina). En 1906 su familia se trasladó a Buenos Aires. Comenzó su formación plástica en el taller de Arturo Dresco y asistió a la Academia Nacional de Bellas Artes, donde fue alumno de Lucio Correa Morales. Impulsado por cierto rechazo a los cánones académicos, Curatella Manes fue proclive a participar en las reuniones de Walter de Navazio, Ramón de Silva y Valentín Thibón de Libian, entre otros.

En 1911 obtuvo una beca otorgada por el gobierno de la provincia de Buenos Aires, mediante la cual continuó estudiando en Europa. Inicialmente en Florencia y, luego, en Roma, frecuentó las obras del Renacimiento. Posteriormente, recorrió Italia, Alemania, Holanda, Inglaterra, Bélgica, Francia y Suiza.

En 1914 se estableció en París, donde trabajó bajo la dirección de A. Maillol, Antoine Bourdelle e, inclusive, pasó fugazmente por el taller de André Lhote. Se vinculó con el ambiente vanguardista parisino y, en 1922, se casó con la artista y crítica de arte francesa Germaine Derbecq. Trabó amistad con Juan Gris, cuyas figulinas de metal recortadas y plegadas le inspiraron obras en las que los volúmenes se fragmentan en grandes planos de luz y de sombra.

En 1926 fue designado embajador argentino en París. Fue asesor del Comisario General del Pabellón Argentino en la Exposición Internacional y Universal de París (1937). Frente al estallido de la guerra debió encargarse de la repatriación de los argentinos residentes en Francia. Durante ese período realizó dibujos y maquetas que ejecutó diez años más tarde en Buenos Aires; entre ellas Estructura Madre, tema que desarrolló en ocho esculturas más, según las exigencias de los materiales.

Participó en la Bienal de Venecia (1952) y en la Bienal de São Paulo (1957). Fue Comisario General en la Bienal de París de 1961 y, al año siguiente, luego de la exposición Pablo Manes et Trente Argentin de la Nouvelle Génération realizada en la Galerie Kreuze, París, sus esculturas partieron hacia Buenos Aires. Curatella Manes falleció en esta ciudad el 16 de noviembre de 1962, antes de que arribaran las obras donadas al Museo Nacional de Bellas Artes.

 

 

 

was born on February 14th, 1891 in La Plata, province of Buenos Aires (Argentina). In 1906 his family moved to Buenos Aires. He began his education in arts at Arturo Dresco’s studio, and attended the Academia Nacional de Bellas Artes where he learned under Lucio Correa Morales. His disdain for certain academic criteria inclined him to take part in the meetings held by Walter de Navazio, Ramón de Silva and Valentín Thibón de Libian, among others.

In 1911 he was awarded, Government of the Province of Buenos Aires, a scholarship on which he continued studying in Europe. First in Florence, then in Rome he saw much of the Renaissance artworks. Later he travelled through Italy, Germany, Holland, England, Belgium, France and Switzerland.

In 1914, he settled in Paris where he worked under the direction of A. Maillol, Antoine Bourdelle and he even passed quickly through André Lhote’s studio. He came into contact with the Parisian avant-garde artists and in 1922 she married the French artist and critic Germaine Derbeck. He made friends with Juan Gris, whose cut out, folded metal figures inspired works in which volumes are fragmented into large planes of light and shadow.

In 1926 he was appointed Ambassador in Paris. He acted as Consultant to the Organiser of the Argentine Pavilion in the International and Universal Exhibition of Paris (1937). When war broke out he was in charge of the repatriation of Argentine residents in France. During this period he did drafts and models which he would execute ten years later in Buenos Aires, such as “Estructura Madre” (Mother Structure), theme which he developed in eight other sculptures meeting the requirements of different materials.

His works were exhibited at the Venice Biennale of 1952 and at the Biennale of São Paulo in 1957. He was Organiser of the Biennale of Paris in 1961 and a year later, after being shown in the exhibition Pablo Manes et Trente Argentin de la Nouvelle Génération held at the Galerie Kreuze in Paris, his sculptures left for Buenos Aires. Curatella Manes died in this city on November 16, 1962, before his works —donated to the Museo Nacional de Bellas Artes— had arrived in Buenos Aires.

Diyi LAAÑ

Nació en Buenos Aires en 1927. Comenzó sus estudios en la Universidad de Buenos Aires y pronto los abandonó para dedicarse a la literatura.

En 1946 integró el Movimiento Madí, participando en la primera exposición. Sus trabajos integraron la representación del grupo Madí de Argentina que participó en el Salon des Réalités Nouvelles de 1948. Colaboró con poesías, cuentos y pinturas en la revista Arte Madí Universal.

Su obra estuvo representada en las principales exposiciones antológicas del grupo, especialmente Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires (1980) y Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, (1997), entre otras. Asimismo integró la exposición itinerante Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art, Oxford (1994) y presentada en el Sudwestdeutsche Landesbank, la Royal Academy of Art Galleries, Londres, la Fundação Descobertas en el Centro Cultural de Bellem, Lisboa, y en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995). Actualmente vive en Buenos Aires.

 

 

Born in 1927 in Buenos Aires, he began his studies at Buenos Aires University, which he soon abandoned to take up writing.

In 1946 he joined the Madí Group and took part in the group’s first exhibition. His works were included among the Madí works exhibited at the Salon des Réalités Nouvelles in 1948. He contributed poems, narratives and paintings to the art magazine Arte Madí Universal.

His work was also included in the major representative exhibitions of the group, especially, “Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism) held at the Museo Sívori in Buenos Aires (1980) and “Arte Madi” at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997), among others. He also took part in the travelling exhibition “Art from Argentina 1920/1994” opened at the Museum of Modern Art, Oxford (1994), and presented in the Sudwestdeutsche Landesbank, the Royal Academy of Art Galleries, London, the Fundação Descobertas at the Centro Cultural de Belem, Lisbon and in the Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995). Nowadays he lives in Buenos Aires.

 

Juan Pedro DELMONTE

Participó en las exposiciones del grupo Madí. Integró la exposición permanente Madí inaugurada en Buenos Aires en 1948 y, desde ese año hasta 1954, su obra apareció reproducida en la revista Madí.

En julio de 1953 participó en la muestra Madí, organizada en el Ateneo del Chaco, en Buenos Aires, y en 1954 en la exposición presentada en la Casa del Escritor, de la misma ciudad. Sus trabajos también estuvieron representados en las principales exposiciones antológicas del grupo, especialmente Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires (1980) y Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, (1997).

 

 

was also among the artists shown at the permanent exhibition of Madí art opened in 1984 in Buenos Aires and his work was published in the magazine of Madí art as from 1984 until 1954.

In July, 1953 he took part in the Madí exhibition organised at the Ateneo del Chaco, in Buenos Aires and in 1954 he was an exhibitor at the Casa del Escritor, in the same city. His works were also exhibited at the group’s major representative exhibitions especially, “Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo “ (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism) held at the Museo Sívori in Buenos Aires (1980), and “ Arte Madi” at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997), among others.

 

Juan DEL PRETE

Nació en Vasto (Chieti, Italia) en 1897. Siendo muy pequeño su familia se radicó en el barrio de La Boca, en la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

Fue un artista autodidacta que, tempranamente, reflejó su inclinación por los postulados de la modernidad. Su principal fuente expresiva fue la materia y el color, con los que dio vida a composiciones que alternaban la figuración y la no figuración. En 1925 logró gran repercusión con su envío al Salón Nacional y, al año siguiente, realizó su primera exposición individual en la Asociación Amigos del Arte.

En 1929 adoptó la ciudadanía argentina. A los 32 años, por intermedio de Amigos del Arte, obtuvo una beca para viajar a París, donde pudo admirar a los maestros de la tradición y, a su vez, relacionarse con los círculos de vanguardia. En el ambiente parisino se contactó con Joaquín Torres García, Jean Arp y Enrico Prampolini, entre otros; y se sintió fuertemente atraído por el color de la obra de Henri Matisse y por el tratamiento de la forma de Pablo Picasso.

En 1932 integró el grupo Abstraction Creation Art non Figuratif y, al mismo tiempo, colaboró en la revista editada por la agrupación junto a Alexander Calder, Auguste Hervin, Georges Vantongerloo y otros. Al regresar a Buenos Aires en 1933 presentó pinturas y collages abstractos en Amigos del Arte. A esta exposición, que ha sido considerada la primera muestra de arte no figurativo realizada en el país, le siguió otra en la que presentó esculturas abstractas realizadas con alambre, planchas de hierro y yeso tallado. A pesar de no haber recibido los favores del público y de la crítica, Del Prete continuó pintando obras no figurativas, aunque sin abandonar totalmente el arte representativo.

La artista plástica Eugenia Crenovich, conocida como Yente, fue su discípula y compañera desde 1937. Hacia mediados de los años ’40 Del Prete sumó a su particular tratamiento de la materia y del color cierta geometrización. En 1954 viajó a Europa, visitando Italia, donde expuso en Génova, Milán y Como. Fue el presidente de la Agrupación de Artistas no Figurativos, grupo que intentaba humanizar la abstracción, formado por Domingo Di Stéfano, Pedro Gaeta y Eugenio Abal, entre otros.

En 1957 expuso en la IV Bienal Internacional de São Paulo y, dos años más tarde, participó en la misma bienal con veinte obras en carácter de artista invitado. Al año siguiente integró los envíos a las bienales internacionales de Venecia y México. Hacia fines de los ’50 adoptó el chorreado, las manchas y salpicaduras para trabajar grandes telas muy próximas a la estética informalista.

Entre sus trabajos escenográficos se destacan los realizados para Estrella de mar y Magia Negra, en Amigos del Arte, y para la ópera Leyenda de Urutaú, en el Teatro Colón. En Buenos Aires recibió el Primer Premio del Salón de Acuarelistas (1957), el Gran Premio del Salón Municipal (1957), el Premio Palanza (1958), el Gran Premio de Honor del Salón Nacional (1963) y, en Bruselas, obtuvo el Gran Premio Internacional (1958). Asimismo, fue distinguido en los salones de Mar del Plata, provincia de Buenos Aires y los salones de la provincia de Santa Fe. Entre sus exposiciones retrospectivas se destacan la realizada por la Secretaría de Cultura de la Nación, Buenos Aires (1950); Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (1961); Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y de Lima (1963) y Galería LAASA, Mar del Plata (1974). En 1987, falleció en Buenos Aires, a los 90 años. Recientemente su obra formó parte de la exposición Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, Nueva York, The Americas Society (2001).

 

 

 

Born in 1897 in Vasto, Chieti (Italy), when he was a small child his family settled in La Boca, Buenos Aires (Argentina).

A self-taught artist who very early in his life showed his adherence to the postulates of modernity. His major source of expression was material and color with which he created compositions which alternate figuration and non-figuration. In 1925 he obtained great sucess with his exhibition in the Salón Nacional and a year later he organised his first individual exhibition at the Asociación Amigos del Arte.

In 1929 he adopted the Argentine nationality. When he was 32 he obtained a scholarship, through Amigos del Arte, and travelled to Paris where he could admire the masters of tradition and, at the same time, come into contact with the avant-garde circles. In Paris he contacted Joaquín Torres-García, Jean Arp and Enrico Prampolini, among others and felt greatly attracted by the use of colour in Henri Matisse and by the treatment of form in Pablo Picasso.

In 1932 he joined the group Abstraction Creation Art non Figuratif and simultaneously contributed to the magazine published by the group together with Alexander Calder, Auguste Hervin, Georges Vantongerloo and others. In 1933, back in Buenos Aires, he exhibited abstract paintings and collages at Amigos del Arte. This exhibition —considered the first exhibition of non-figurative art held in Argentina— was followed by another at which he presented abstract sculptures created from wire, iron planks and carved plaster. Although it received neither the public applause nor the approval by the critics, Del Prete continued painting non-figurative works without breaking totally away from representative art.

Artist Eugenia Crenovich, also known as Yente, was his disciple and partner as from 1937. Around the middle of the 1940s, Del Prete added certain geometricalisation to his particular treatment of materials and color. In 1954 he travelled to Europe and visited Italy where he exhibited in Genoa, Milan and Como. He became president of the Agrupación de Artistas no Figurativos —group which intended to humanise abstraction— founded by Domingo Di Stéfano, Pedro Gaeta and Eugenio Abal, among others.

In 1957 he took part in the IV Sao Paulo Internacional Biennale and two years later he participated as guest artist in the same biennale with twenty works. A year later, he was included among the exhibitors in the international biennales of Venice and Mexico. Towards the end of the 1950s he adopted —approaching informalist aesthetics— the dripping, blotting and splashing techniques on large canvases.

Among his scenic works, those executed for Estrella de mar and Magia Negra, in Amigos del Arte and for the opera “Leyenda de Urutaú”, in the Teatro Colón are outstanding. In Buenos Aires he was awarded the First Prize at the Salón de Acuarelistas (1957), The First Prize of the Salón Municipal (1957), the Palanza Prize (1958), the Honor Prize of the Salón Nacional (1963) and, in Brussels, he was awarded the International Prize (1958). He was also honoured at the exhibitions of Mar del Plata, Province of Buenos Aires and at the exhibitions of the Province of Santa Fe. Among his retrospective exhibitions are the one organised by the Secretaría de Cultura de la Nación, Buenos Aires (1950); by the Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (1961); by the Museo de Arte Contemporáneo of Santiago de Chile and Lima (1963) and by the Galería LAASA, Mar del Plata (1974). In 1987, he died in Buenos Aires, at the age of 90. His oeuvre has been recently shown as part of the exhibition “Abstract art from Río de la Plata”. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, New York, The Americas Society (2001).

Manuel ESPINOSA

Nació en Buenos Aires en 1912. Asistió a la Escuela Nacional de Bellas Artes y a la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”.

Luego de un breve período surrealista, fue cofundador de la Asociación Arte Concreto Invención. Suscribió el Manifiesto Invencionista y participó en las exposiciones grupales, entre las que se destacan la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo (1976), en Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori (1980) y entre las más recientes, en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, presentada en The Americas Society, Nueva York (2001).

Su obra se mantuvo dentro de una abstracción geométrica, caracterizada por la repetición del cuadrado o del círculo sobre toda la superficie compositiva. Sobre esta disposición serial trabajó sombras, superposiciones y desplazamientos, que le permitieron incorporar las relaciones espaciales de avance y retroceso. Integró muestras colectivas tales como Del arte concreto a la nueva tendencia, Museo de Arte Moderno (1963); Más allá de la geometría, Instituto Torcuato Di Tella (1967); Salon Camparaison, París (1967); Veinticinco artistas argentinos, Museo Nacional de Bellas Artes (1970); Bienal Internacional de Cagnes-sur-Mer, Francia (1970); Proyección y dinámica, Museo de Arte Moderno de la Ville de París (1973); Tendencias actuales del arte argentino, Centro Artístico de Reencuentros Internacionales, Niza, Francia (1974), entre otras.

En la década de los ’80 participó en las exposiciones de la tendencia denominada “abstracción sensible”, entre las que se contó Geometría 81, presentada en el Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata y en la ciudad de Buenos Aires; La geometría. Homenaje a Max Bill, organizada por el Centro de Arte y Comunicación; La abstracción sensible, muestra que acompañó las Jornadas de la Crítica, ambas realizadas en 1981, y Del constructivismo a la geometría sensible, presentada en Harrods en mayo de 1992, entre otras. Actualmente vive en la ciudad de Buenos Aires.

 

 

was born in 1912 in Buenos Aires. He attended the Escuela Nacional de Bellas Artes and the Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”.

After a short surrealist period he co-founded the Asociación Arte Concreto- Invención (Concrete Invention Art Association). He subscribed the Inventionist Manifesto and participated in the group exhibitions among which are outstanding the “Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40” (Celebration of the Argentine vanguard of the 1940s) held at the Galería Arte Nuevo (1976), “Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism) held at the Museo Sívori (1980) and the more recent exhibitions such as “Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53” held at The Americas Society, New York (2001).

His work remained within geometric abstraction characterised by the repetition of the square or the circle over the whole surface of the composition. Over this serial arrangement he created shadows, overlapping and movements, which allowed him to introduce the spatial relations of movement forward and backwards. He took part in group exhibitions such as “Del arte concreto a la nueva tendencia” (From Concrete Art to the New Trend), at the Museo de Arte Moderno (1963), “Más allá de la geometría” (Beyond Geometry), at the Instituto Torcuato Di Tella (1967), and the Salon Camparaison, París (1967), “Veinticinco artistas argentinos” (Twenty-five Argentine Artists) at the Museo Nacional de Bellas Artes (1970), Bienal Internacional de Cagnes-sur-Mer (International Biennale of Cagnes-sur-Mer), Francia (1970), “Proyección y dinámica” (Dynamic Projection) at the Modern Art Museum, Ville de Paris (1973), “Tendencias actuales del arte argentino” (Current Trends in Argentine Art) at the Art Center of International Reunions, Nice, France (1974), among others.

In the 1980s he took part in exhibitions of the so called “sensitive abstration” trend such as “Geometría 81” (Geometry 81), held at the Museo Provincial de Bellas Artes of La Plata and, in Buenos Aires: “La geometría. Homenaje a Max Bill” (Geometry. Celebration of Max Bill), organised by the Centro de Arte y Comunicación, “La abstracción sensible” (Sensitive Abstraction) –exhibition held together with “Jornadas de la Crítica” (Conference on Criticism) in 1981 and “Del constructivismo a la geometría sensible” (From Constructivsm to Sensitive Geometry), held in Harrods on May, 1992, among others. Nowadays he lives in Buenos Aires.

 

Nelly ESQUIVEL

En 1948 su obra integró la exposición permanente Madí inaugurada en Buenos Aires y, luego, reproducida en la revista Madí. En julio de 1953 participó en la muestra Madí, presentada en el Ateneo del Chaco, en Buenos Aires.

Asimismo sus trabajos estuvieron representados en las principales exposiciones antológicas del grupo, especialmente Homenaje a la Vanguardia Argentina de la década del 40, realizada en la Galería Arte Nuevo (1976); Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires (1980), y Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, (1997), entre otras.

 

 

In 1948 her works were part of the permanent exhibition of Madí art opened in Buenos Aires and then they were published in the Madí magazine. In July 1953 she took part in the exibition of Madí art held at the Ateneo del Chaco, in Buenos Aires.

Her works were also seen at the major antological exhibitions of the goup, at “Homenaje a la Vanguardia Argentina década del 40” (Celebration of the Argentine Vanguard of the 1940s) held at Galería Arte Nuevo (1976), at “Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo,” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptismo) held at the Museo Sívori, Buenos Aires (1980) and at “Arte Madi” (Madí Art) held at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997), among others.

 

Lucio FONTANA

Nació el 19 de febrero de 1899 en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina. A los seis años de edad se trasladó junto a su familia a Milán, donde cursó estudios técnicos.

En 1922 regresó a la Argentina y trabajó en el taller de su padre, dedicado especialmente a la escultura funeraria. Hacia fines de la década, volvió a Italia y fue alumno de Adolfo Wildt en la Academia Brera.

En 1934 realizó experiencias con delgadas estructuras bifaciales, exhibidas en 1935 en la Primera muestra colectiva de arte abstracto italiano, presentada en Turín, junto a la que el grupo concreto milanés suscribió un Manifiesto. Ese mismo año integró el grupo Abstraction-Creation. Art non figuratif. Realizó un proyecto para el Concurso Internacional para el Monumento al Gral. Julio A. Roca y, en el mes de diciembre de 1936, formó parte del grupo abstracto lombardo que presentó dibujos y grabados abstractos en la Galería Moody, de Buenos Aires.

Durante la Segunda Guerra Mundial se radicó en Buenos Aires, donde realizó el monumento El Sembrador, para la ciudad de Rosario, y colaboró como escultor en el proyecto para el Monumento Nacional a la Bandera y para el Monumento al Gral. San Martín a emplazarse en Quilmes, provincia de Buenos Aires. Durante su estancia en la Argentina realizó exposiciones en la Galería Müller, Impulso, en el Museo Municipal de Santa Fe, participó en muestras colectivas y salones y se desempeñó como docente en la Escuela de Artes Plásticas de Rosario, en las Escuelas de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y “Manuel Belgrano”y en “Altamira. Escuela Libre de Artes Plásticas”, institución que organizó junto a Jorge Romero Brest y Jorge Larco.

Si bien su producción argentina hasta 1946 mostró un marcado acento figurativo, en contacto con los jóvenes alumnos trabajó sobre nuevas ideas, de las que en octubre-noviembre de 1946 surgió el Manifiesto Blanco, redactado por Bernardo Arias, Horacio Cazenueve y Marcos Fridman y suscripto por un grupo mayor de compañeros. Posiblemente por su vínculo con la institución oficial, Fontana no firmó este escrito, que abogaba por la “superación de la pintura y la escultura para acceder a un nuevo arte de materia, color, sonido y movimiento”.

En 1942 participó en el XXXII Salón Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, obteniendo el Primer Premio de Escultura; sin embargo en 1945 se sumó al Salón Independiente, convocado por los artistas que se oponían a dicho Salón Nacional. Al regresar a Italia se estableció en Milán, donde suscribió el I Manifiesto Espacialista con la participación de Giorgo Kaisserlian, Beniamino Joppolo y Milena Milani, en el que señalaba que “la obra de arte está sometida a la destrucción del tiempo (...). Una expresión de arte aérea de un minuto, es como si durase un milenio en la eternidad. A tal fin, con los recursos de la técnica moderna, haremos aparecer en el cielo formas artificiales, arcos iris de maravilla, señales luminosas”.

En marzo de 1948 firmó con Kaisserlian, Joppolo, Milani y Antonio Tullier el II Manifiesto del Espacialismo y presentó Escultura espacial en la Bienal Internacional de Arte de Venecia. Al año siguiente creó el “Ambiente espacial con luz negra”, en la Galleria del Navaglio y, luego –profundizando su búsqueda espacial en el ámbito pictórico– realizó los primeros “agujeros”. En 1950 firmó el III Manifiesto del arte espacial: Propuesta de un reglamento, junto a Milani, Joppolo, Roberto Crippa, Giampiero Giani y Carlo Cardozzo. Ese mismo año participó en la Muestra Internacional del Dibujo Moderno, realizada en Bérgamo, y en el concurso para la quinta puerta de la catedral de Milán. En noviembre de 1951 suscribió el IV Manifiesto de Arte Espacial. Después se sucedieron los ciclos de “Piedras” (obras con la aplicación de vidrios) “Tintas” y “Papeles”.

En 1959 expuso en la Galleria del Naviglio y en la Galerie Stadler de París el ciclo “Tajos”, en los que se propuso la ruptura física del plano pictórico. En 1964 Enrique Crispolti organizó un “Homenaje a Fontana”, en el ámbito de la reseña internacional Aspetti dell’arte contemporanea, y en 1966 el Museum of Modern Art de Nueva York organizó la muestra itinerante Alberto Burri y Lucio Fontana. En la Argentina, merecen destacarse las exhibiciones presentadas en el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires (1966), en el Museo Municipal Juan B. Castagnino de Rosario (1966), y Lucio Fontana. Obras maestras de la Colección Lucio Fontana de Milán, presentada en la Fundación Proa de Buenos Aires (1999-2000). Instalado en la vieja casa familiar de Comabbio, Fontana continuó trabajando hasta sus últimos días en óleos, agujeros y tajos. Falleció en Varese, Italia, el 7 de septiembre de 1968.

 

 

Born on February 19th, 1899 in Rosario, province of Santa Fe, when he was 6 his family moved to Milano where he studied at a technical school.

In 1922, back in Argentina he worked in his father’s studio mainly devoted to funeral sculpture. Towards the end of the decade, he went to Italy again and studied under Adolfo Wildt at the Academia Brera.

In 1934, he experimented with thin two-faced structures which were exhibited in 1935 at the first collective exhibition of Italian abstract art in Turin, where the Milano Concrete Art group subscribed a Manifesto. In that same year he joined the group Abstraction-Creation . Art non figuratif. He submitted a project to the International Contest for the Monument to General Julio A. Roca and in December 1936 he was included in Lombard group of Abstract art that exhibited drawings and engravings at the Galería Moody, in Buenos Aires.

During World War II he settled in Buenos Aires, where he executed the monument “El Sembrador” (The Sower) to be located in the city of Rosario and collaborated as sculptor on the project of the “Monumento Nacional a la Bandera” (National Monument to the Flag) and on the project of the “Monumento al Gral. San Martín” (Monument to General San Martín) to be located in Quilmes, Province of Buenos Aires. While in Argentina he exhibited at the Galería Müller, at Impulso, at the Museo Municipal of Santa Fe, took part in many collective exhibitions and was a teacher at the Escuela de Artes Plásticas, (Arts School) in Rosario, at the Fine Arts Schools “Prilidiano Pueyrredón”, “Manuel Belgrano”and at the Altamira Independent School of Arts, which institution he organised together with Jorge Romero Brest and Jorge Larco.

Until 1946 his production in Argentina showed a marked figurative accent but in contact with his young disciples he worked on new ideas which gave birth, in October-November 1946, to the White Manifesto, composed by Bernardo Arias, Horacio Cazenueve and Marcos Fridman and subscribed by a bigger group of partners. Perhaps for his links with the official institution, Fontana did not subscribe the manifesto, which promoted the “furtherance of painting and sculpture in order to access to a new art made from material, color, sound and movement”.

In 1942 he took part in the XXXII Salón Nacional de Bellas Artes (XXXII National Exhibition of Fine Arts) in Buenos Aires, winning in such event the first prize for sculpture. Nevertheless, in 1945 he participated in the Salón Independiente (Independent Exhibition) invited by the artists who objected to the above mentioned official exhibition, Back in Italy, he settled in Milano, where he subscribed, together with Giorgo Kaisserlian, Beniamino Joppolo and Milena Milani, the First Spatialist Manifesto which stated that “a work of art is subject to he destructive power of time (...). An aerial artistic expression lasting one minute lasts a millenium in eternity, as it were. For such purpose, with the resources of modern technology we will create artificial forms in the sky, marvelous rainbows, luminous signs”

In March, 1948 he signed, together with Kaisserlian, Joppolo, Milani and Antonio Tullier the Second Spatialist Manifesto and exhibited spatial sculpture at the International Venice Biennale. A year later he created “Ambiente espacial con luz negra” (Spatial environment with black light) at the Galleria del Navaglio and then —going deeper into his spatial search in painting— he created his first “holes”. In 1950 he signed the Third Manifesto of Spatial Art: Proposal for a Rule, together with Milani, Joppolo, Roberto Crippa, Giampiero Giani y Carlo Cardozzo. In that same year he took part in the Internationl Exhibition of Modern Drawing held in Bergamo and in the contest for the fifth door of cathedral of Milano. In November, 1951 he subscribed the Fourth Manifesto of Spatial Art. Then came the series “Piedras” (Rocks) —works with glass applications— “Tintas” (Inks) and “Papeles” (Papers).

In 1959 he exhibited, with the Galleria del Naviglio and with the Galerie Stadler of París, the series “Tajos” (Cuts), in which he proposed the physical rupture of the plane. In 1964 Enrique Crispolti organised a “Tribute to Fontana”, in the grounds of the international conference Aspetti dell’arte contemporanea and in 1966 the Museum of Modern Art of Nueva York organised the travelling exhibition Alberto Burri and Lucio Fontana. In Argentina, the outstanding exhibitions were those held at the Instituto Torcuato Di Tella in Buenos Aires (1966), at the Museo Municipal Juan B Castagnino in Rosario (1966) and the exhibition Lucio Fontana. Masterpieces from the Lucio Fontana collection of Milano held at the Fundación Proa in Buenos Aires (1999-2000). Settled in the old family house of Comabbio, Fontana continued producing oils, holes and cuts until his last days. He died on September 7, 1968, in Varese, Italy.

 

Claudio GIROLA

Nació en la ciudad de Rosario, provincia argentina de Santa Fe, en 1923. Siendo aún pequeño su familia se trasladó a Buenos Aires. Junto a su hermano Enio Iommi, comenzó su formación artística en el taller de escultura de su padre. Más tarde, estudió dibujo con Fornells y, en 1939, ingresó a la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano”.

Fue discípulo de Antonio Sibellino en 1941. En 1943 abandonó la institución luego de firmar un manifiesto contra los lineamientos de la enseñanza que allí se impartía. Sus primeras esculturas figurativas se fueron transformando en planos desplegados en el espacio que, en ocasiones, presentaban incisiones o adquirían direcciones oblicuas, horizontales o curvas.

En la Argentina participó en la Asociación de Arte Concreto Invención y, junto al Grupo MAC de Milán, expuso en la ciudad italiana de Como. Durante este período trabajó alternativamente entre París y Milán, donde presentó una muestra individual en la Librería Salto. Integrando el Grupo de Artistas Modernos de la Argentina expuso en la Galería Viau (1952) y en la Galería Krayd (1953). Se radicó en Chile, donde presentó sus obras en Viña del Mar y en Santiago de Chile y fue profesor en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso.

En 1963 obtuvo el Premio Braque, otorgado por la Embajada de Francia; en 1968 integró la exposición Más allá de la geometría, organizada por el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, y en 1971 participó en la 11a Bienal de Escultura de Amberes. Progresivamente fue geometrizando los volúmenes, los fracturó e integró las bases, buscando convertir a la masa del basamento en protagonista de la obra.

Desde 1970 trabajó en varias esculturas emplazadas en espacios públicos chilenos, entre ellas, Dispersa I, Trehuaco (1986) y Monumento a Athenea, Santiago de Chile (1987). Paralelamente a su labor como escultor desarrolló una importante labor poética colaborando, inclusive, con la Revue de Poésie parisina.

En 1991 la Universidad Católica de Valparaíso auspició una importante exposición retrospectiva de su obra, realizada en el Parque de las Esculturas de la Municipalidad de Providencia. Tres años más tarde falleció en la ciudad de Viña del Mar, República de Chile, país en el que produjo la mayor parte de su obra artística. Recientemente su obra participó en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53. The Americas Society, Nueva York (2001).

 

 

was born in 1923 in the city of Rosario, Province of Santa Fe. In his early childhood his family moved to Buenos Aires. He started his art education together with his brother Enio Iommi, in his father’s sculpture studio. Later, he studied drawing under Formells and, in 1939, he entered the Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” (Manuel Belgrano School of Fine Arts).

In l941 he studied under Antonio Sibellino but he left this institution in 1943 after subscribing a manifesto against the criteria taught at such school. His early figurative sculptures changed into planes expanded in space, which presented cuts or took oblique or horizontal or curved directions.

In Argentina he took part in the Asociación de Arte Concreto-Invención (Concrete Invention Art Association) and together with the MAC Group of Milano he exhibited in the Italian city of Como. During this period he worked between Paris and Milano, organising in this city an individual exhibition at the Librería Salto. Together with the Group of Argentine Modern Artists he exhibited at the Galería Viau (1952) and at the Galería Krayd (1953). He settled in Chile, where he presented his works in Viña del Mar and in Santiago de Chile and became professor at the School of Architecture in the Catholic University of Valparaíso.

In 1963 he won the Braque prize awarded by the French embassy. In 1968 he participated in the exhibition “Mas allá de la geometría” (Beyond Geometry) organised by the Instituto Torcuato Di Tella of Buenos Aires and in 1971 he took part in the 11th Sculpture Biennale of Antwerpt. Gradually he made his volumes more geometric, broke and integrated the basis in an attempt to make the mass of the base the dominating part of this work.

As from 1970 he worked in several sculptures located in public spaces in Chile, such as “DispersaI”, “Trehuaco” (1986) and Monument to Athenea, Santiago del Chile (1987). Simultaneous with his work as a sculptor was his considerable work in poetry with contributions to the Revue de Poésie of Paris.

In 1991 the Catholic University of Valparaíso organised an important retrospective exhibition of his oeuvre held at the Parque de las Esculturas (Garden of the Sculptures) of the borought of Providencia. Three years later he died in the city of Viña del Mar, Chile, being Chile the country where he produced most of his art work. Recently his production was included in the exhibition Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53 held at The Americas Society, in New York (2001).

 

Alfredo HLITO

Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1923, donde estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Sus primeros trabajos presentan una considerable influencia del uruguayo Joaquín Torres García, si bien luego de unos años se volcó hacia formas más claras e implementó un sentido de composición más abstracto.

En 1945 fue miembro cofundador de la Asociación Arte Concreto Invención y firmó el Manifiesto Invencionista en 1946. Su estilo austero y personal se mantuvo a lo largo de gran parte de su obra. Durante el período de Arte Concreto (1945-1955) escribió prolíficamente sobre los temas planteados por este tipo de abstracción, textos que fueron publicados en 1995 por la Academia Nacional de Bellas Artes.

Participó, junto a otros integrantes de la AACI, en el Salón Realités Nouvelles, París, así como en la muestra Nuevas Realidades, presentada en la Galería Van Riel de Buenos Aires, ambas realizadas en 1948. En 1951 colaboró con Tomás Maldonado en la fundación de la revista Nueva Visión. En 1954 recibió el Premio Adquisición en la II Bienal de São Paulo y, al año siguiente, participó en la XXVIII Bienal Internacional de Arte de Venecia.

En 1964 se trasladó a México, donde vivió hasta 1973. Entre las principales exhibiciones colectivas participó en Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires (1980); Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York (1990); en la exposición itinerante Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art, Oxford (1994) y presentada en el Sudwestdeutsche Landesbank, la Royal Academy of Art Galleries, Londres, la Fundação Descobertas en el Centro Cultural de Bellem, Lisboa, y en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires (1995) y, recientemente, Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York (2001). Desde 1984 fue miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes. Una importante muestra retrospectiva de su obra, bajo el título Alfredo Hlito. Obra pictórica 1945/1985, se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires en 1987. Falleció en 1993.

 

 

was born in 1923, in Buenos Aires, Argentina, where he studied at the Escuela Nacional de Bellas Artes. His early works show considerable influence from Uruguayan artist Joaquín Torres-García, though some years later he turned to clearer forms and implemented a more abstract sense of composition.

In 1945 he co-founded the Asociación Ate Concreto-Invención and in 1946 he subscribed the Inventionist Manifesto. His personal, austere style remained unchanged in most of his works. During the Concrete Art period (1945-1955) he wrote abundantly about the issues raised by this type of abstraction and his texts were published in 1995 by the Academia Nacional de Bellas Artes.

He took part, together with other members of the AACI, in the Salon Realités Nouvelles, in Paris, as well as in the exhibition Nuevas Realidades, held at the Galeria Van Riel in Buenos Aires, both of them organised in 1948. In 1951 he founded with Tomás Maldonado the magazine Nueva Visión. In 1954 he was awarded the Acquisition Prize at the Biennale of Sao Paulo, and a year later, he took part in the XXVIII International Biennale in Venice.

In 1964 he moved to Mexico where he lived until 1953. Among the major collective exhibitions in which he participated are “Vanguardia de la Década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 40’s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism), held at the Museo Sivori (1980), “Argentina. Arte Concreto-Invención 1945. Grupo Madí 1946” (Argentina. Concrete Invention Art 1945. Madí Group 1946), held at Rachel Adler Gallery, in New York (1990), the travelling exhibition “Art from Argentina 1920/1994” opened at the Museum of Modern Art, Oxford (1994), and presented in the Sudwestdeutsche Landesbank, the Royal Academy of Art Galleries, London, the Fundação Descobertas at the Centro Cultural de Belem, Lisbon and in the Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995) and recently, “Abstract Art from Rio de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/1953”, held at The Americas Society, in New York (2001). As from 1984 he was a regular member of Academia Nacional de Bellas Artes. An important retrospective exhibition of his oeuvre was held under the title “Alfredo Hlito. Obra pictórica. .1945/1985”, in 1987, at the Museo de Bellas Artes of Buenos Aires. He died in 1993.

 

Enio IOMMI

Enio Girola nació en Rosario el 20 de marzo de 1926. Su familia se trasladó a Buenos Aires cuando aún era un adolescente. Aunque no recibió enseñanza escolar, su experimentación en las artes plásticas comenzó en el taller artesanal de su padre, donde aprendió a trabajar los metales.

En 1945 realizó sus primeras esculturas concretas y, al año siguiente, fue uno de los miembros fundadores de la Asociación Arte Concreto-Invención. En 1946 firmó el Manifiesto Invencionista, junto a su hermano Claudio Girola, Lidy Prati, Tomás Maldonado, Raul Lozza, Manuel Espinosa, Edgar Bayley, Alfredo Hlito, Oscar Núñez y Jorge Souza, entre otros. A comienzos de los años ’50, en las series Esculturas direccionales, Continuidades lineales y Construcciones espaciales, inscriptas dentro de los postulados del arte concreto, empleó diversos materiales como alambre, aluminio, acero inoxidable o bronce.

En 1958 participó en la Exposición Internacional de Bruselas. En 1960, representó a la Argentina en la Exposición Internacional de Arte Concreto llevada a cabo en Kunsthaus, Zurich; al año siguiente intervino fuera de concurso en la VI Bienal Internacional de São Paulo y, en 1964, integró el envío argentino a la XXXII Bienal de Venecia. Participó en las principales exposiciones grupales, entre las que se destacan: Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York (1990) y, recientemente, en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53. Nueva York, The Americas Society (2001).

Invitado por el gobierno italiano, en 1968 recorrió Italia, Suiza, Inglaterra, Estados Unidos y Francia, oportunidad en la que realizó dos esculturas en la ciudad de Cannes En esta época, su obra inició un proceso de cambio y, en 1971, presentó un ambiente atravesado por cables tensados que generaban espacios virtuales y reales, apelando a la experiencia espacial del espectador. En 1977, bajo el título Adiós a una época, realizó una exposición en la Galería del Retiro (Buenos Aires) en la que se advertía el giro en su poética. Sus obras de esta etapa incluyeron adoquines, piedras, mármoles o metales, materiales que le permitieron aprovechar las cualidades sensoriales para plantear algunas de las contradicciones de la vida moderna.

Entre las exposiciones individuales recientes merecen citarse la Exposición retrospectiva 1945/1980, Museo Eduardo Sívori (1980); A 10 años del cambio escultórico, Galería Julia Lublin, Buenos Aires (1987) y Para no caer en toques artesanales, ICI, Buenos Aires (1994). Muchas de sus esculturas están emplazadas en importantes lugares públicos y privados, tales como la concebida para una casa proyectada por Le Corbusier, en la ciudad de La Plata (1954); la realizada para el Teatro San Martín (1960); la situada en la Facultad de Arquitectura de Valparaíso (1967), o la ubicada en el Hotel Sheraton de Buenos Aires (1972), entre otras. En 1975 fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes, cargo al que renunció en 1999. Asimismo, participó en la I Bienal de Nüremberg (1969) y en la I Bienal de Artes Visuales del Mercosur, Porto Alegre (1997). Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

He was born Enio Girola on March 20th, 1926, in Rosario. When he was an adolescent his family moved to Buenos Aires. He did not have formal education in arts but his experience began at his father’s studio where he learned to work with metal.

In 1945 he executed his early concrete sculptures and a year later he was among the founders of the Asociación Arte Concreto-Invención (Concrete Invention Art Asociation). In 1946 he subscribed the Inventionist Manifesto together with his brother, Claudio Girola, Lidy Prati, Tomás Maldonado, Raúl Lozza, Manuel Espinoza, Edgar Bayley, Alfredo Hlito, Oscar Nuñez and Jorge Souza and others. In the early 1950s, in the series Directional Sculptures, Lineal Continuities and Spatial Constructions —all of them inscribed within the postulates of concrete art— he used varied materials such as wire, aluminium, stainless steel or bronze.

In 1958, he participated in the International Exhibition of Brussels. In 1960 he represented Argentina in the International Exhibition of Concrete Art held in Kunsthaus, Zurich. A year later he took part, after the closing date, in the VI International Biennale of Sao Paulo and in 1964 he was included in the Argentine representation to the XXXII Biennale of Venice. The major collective exhibitions in which his work was included are “Argentina. Arte Concreto-Invención 1945. Grupo Madí 1946” (Argentina. Concrete Invention Art 1945. Madí Group 1946), held at Rachel Adler Gallery, in New York (1990) and recently, “Abstract Art from Rio de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/1953”, held at The Americas Society, in New York (2001).

In 1968, invited by the Italian government, he travelled through Italy, Switzerland, England, France and the United States of America. In France he executed two sculptures in the city of Cannes. In this period, his art underwent a process of change and in 1971 he exhibited a space crossed by tense cables which generated virtual and real spaces appealing to the spatial experience of the viewer. In 1977, under the title “Adiós a una época” (Farewell to an era) he organised an exhibition at the Galería del Retiro, in Buenos Aires, at which the turn in his aesthetics could be appreciated. The works of this period include paving stones, rocks, marble o metal, materials that allow him to take advantage of the senses to express some contradictions of modern lifestyle.

Among the most recent individual exhibitions are “Exposición retrospectiva 1945/1980” (Retrospective Exhibition 1945/1980) held at the Museo Eduardo Sívori (1980), “A 10 años del cambio escultórico” (10 years after the change in scupture) held at Galería Julia Lublin, Buenos Aires (1987) and “Para no caer en toques artesanales” (To avoid the craftman’s touch) held at ICI, Buenos Aires (1994). Many of this sculptures are located in major public and private places, such as the sculpture executed for a house projected by Le Corbusier, in La Plata (1954), the sculpture for the Teatro San Martín (1960), the sculpture in the School of Architecture of Valparaíso, Chile (1967) and the sculpture standing at the Sheraton Hotel in Buenos Aires (1972) . In 1975, he was made regular member of the Academia Nacional de Bellas Artes, and he resigned this position in 1999. He also participated in the I Biennale of Nüremberg (1969) and in the I Biennale of Visual Arts of the Mercosur, Porto Alegre (1997). Nowadays he lives and works in Buenos Aires.

 

Gyula KOSICE

Fernando Fallik nació en Kosice, Hungría, el 26 de abril de 1924. Llegó a la Argentina en 1928, estudió dibujo y modelado en las academias libres y asistió brevemente a la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano”.

En 1944 fue coeditor de la revista Arturo, en la que publicó diversos escritos teóricos y poemas. Integró el grupo de artistas concretos que presentó la exposición Arte Concreto Invención en la casa del psicoanalista Enrique Pichon Rivière en octubre de 1945 y también participó en la muestra del Movimiento Arte Concreto Invención, realizada en diciembre de ese mismo año en la casa de la fotógrafa Grete Stern.

En 1946, cuando el grupo se escindió, fue cofundador del Movimiento Madí. Kosice fue un infatigable impulsor de esa agrupación, organizó numerosas exposiciones, contribuyó a la difusión internacional de las actividades y dirigió la revista Arte Madí Universal.

En 1948 fue invitado a exponer obras del grupo Madí en el Salon Realités Nouvelles de París. Impulsado por el uso de nuevos materiales experimentó con plexiglás, vidrio y tubos de gas de neón. Participó en la XXVIII Bienal Internacional de Venecia (1956) y en la IV Bienal Internacional de São Paulo (1957). Más adelante, a su interés por el movimiento, le sumó el uso del agua, realizando sus esculturas Hidrocinéticas que fueron expuestas en la Galerie Denise René de París (1958).

Diez años más tarde presentó 100 obras de Kosice, un precursor, en el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires. A comienzos de los años ‘70 publicó un proyecto para una Ciudad Hidroespacial, concebida como un nuevo hábitat suspendido en el espacio. Ha publicado numerosos libros sobre diversos temas relacionados con el arte y la poesía.

En Latinoamérica participó en la VI Bienal Internacional de São Paulo (1961), III Bienal Coltejer, Medellín (1972) y en la II Bienal de La Habana (1986). También realizó varias esculturas monumentales en diversos países del mundo. Entre las exposiciones individuales merecen citarse Spatial constructions and first hydraulic sculpture, Drian Gallery, Londres (1953); La cite hydrospatial, Espace Cardin, París (1975); La ciudad hidroespacial, Planetario, Buenos Aires (1979); Kosice, Hakone Open Air Museum, Tokio (1982); Obras Monumentales de Kosice, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (1985) y la muestra retrospectiva Kosice. Obras 1944-1990, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1991). Recibió el Premio a la Trayectoria en Artes Plásticas otorgado por el Fondo Nacional de las Artes en 1994. Entre las exposiciones colectivas se destacan Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires (1980) y Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997), integró la exposición itinerante Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art, Oxford (1994) y presentada en el Sudwestdeutsche Landesbank, la Royal Academy of Art Galleries, Londres, la Fundação Descobertas en el Centro Cultural de Bellem, Lisboa, y en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995), y Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York (2001). Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

Born Fernando Fallik on April 26th, 1924. Kosice arrived in Argentina in 1928. He studied drawing and modeling at free academies and attended for a short time the Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano”.

In 1944 he was co-publisher of the Arturo magazine, to which he contributed several theoretical papers and poems. He was among the number of concrete artists who exhibitied at “Arte Concreto- Invención” (Concrete Invention Art) in the house of psycho-analist Enrique Pichon Rivière in October 1945 and he also took part in the exhibition “Movimiento Arte Concreto-Invención” (Concrete Invention Art Movement) held in December, 1945, in the house of photographer Grete Stern.

In 1946, when the group broke up into two, he was co-founder of the Movimiento Madí (Madí Movement). Kosice was the energetic leader of the group and organised many exhibitions, spread the activities of the group worldwide and was director of the Universal Madi Art magazine.

In 1948 he was invited to exhibit Madí artworks at the Salon Realités Nouvelles, in Paris. He experimented with new materials, such as plexiglass, glass and neon gas tubes. He took part in the XXVIII International Biennale of Venice (1956) and in the IV International Biennale of Sao Paulo (1957). Later, in addition to movement, he used water, executing his hydrochinetic sculptures which were exhibited at the Galierie Denise René, in Paris (1958).

Ten years later he exhibited “100 works by Kosice, a precursor”, at the Instituto Torcuato Di Tella, in Buenos Aires. At the beginning of the 1970s he published a project for a Hydrospatial City, conceived as a new human habitat suspended in space. He has published many books about art and poetry.

In Latinoamerica he participated in the VI Biennale of Sao Paulo (1961), II Coltejer Biennale, Medellin (1972) and in the II Biennale of La Habana (1986). He also executed several monumental sculptures in different countries. Among his individual exhibitions are Spatial constructions and first hydraulic sculpture, held at the Drian Gallery, London (1953), Hydrospatial City, at Espace Cardin, Paris (1975), Hydrospatial City, at the Planetario, Buenos Aires (1979), Kosice, at the Hakone Open Ai Museum, Tokio (1982), Monumental Artworks by Kosice, at Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (1985) and the retrospective exhibition Kosice. 1944-1990, at Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1991). He was awarded the prize for Best Career in Arts by the Fondo Nacional de las Artes (National Art Fund) in 1994. Among the major collective exhibitions are “Vanguardia de la Década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 40’s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism), held at the Museo Sivori (1980) and “Arte Madí” (Madí Art) held at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997). He took part in the travelling exhibition “Art from Argentina 1920/1994”, opened at the Museum of Modern Art, Oxford (1994) and presented in the Sudwestdeutsche Landesbank, the Royal Academy of Art Galleries, London, the Fundação Descobertas at the Centro Cultural de Bellem, Lisbon and in the Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995) and “Abstract Art from Rio de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/1953”, held at The Americas Society, in New York (2001). Nowadays he lives and works in Buenos Aires.

 

Antonio LLORENS

Nació en Argentina en 1920. Se naturalizó uruguayo. Estudió en la Escuela Industrial y cursó estudios en el Círculo de Bellas Artes, en Montevideo. Expuso con el grupo Madí durante los años ’40. Participó en 1952 de la muestra Arte no-figurativo llevada a cabo en la Asociación Cristiana de Jóvenes de Montevideo. En 1953 fue uno de los fundadores del grupo Arte No-Figurativo en Uruguay. Expuso en la II y III Bienal Internacional de São Paulo y, luego, en la Argentina participó en el Grupo Madí.

En 1958 integró el Salón de Arte Panamericano de Porto Alegre, Brasil, y expuso en la Galería René Denise de París. Integró el Grupo 8, con quienes expuso en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 1960. Desde su paso por el movimiento Madí, su obra se mantuvo dentro de la abstracción, atravesó un período lindante con el Op Art y otro de pinturas monocromáticas en relieve de colores brillantes.

En 1960 participó en el Premio Werthin de Pintura, realizado en la Galería Van Riel de Buenos Aires. Entre 1962 y 1972 se desempeñó como docente y como Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo.

Participó en la exposición Los primeros 15 años de Arte Madí, organizada por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1961); en Vanguardias de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, llevada a cabo en 1980 en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires; en la muestra itinerante Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art, Oxford (1994) y presentada en el Sudwestdeutsche Landesbank, la Royal Academy of Art Galleries, Londres, la Fundação Descobertas en el Centro Cultural de Bellem, Lisboa; y en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995) y recientemente en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53. Nueva York, The Americas Society (2001), entre otras. Falleció en septiembre de 1995.

 

 

was born in 1920 in Argentina and naturalized in Uruguay. He studied at the Industrial School and attended the Círculo de Buenos Artes (the Fine Arts Circle) in Montevideo. Exhibitor with the Madí group during the 1940s, in 1952 he took part in the exhibition of non-figurative art held at the Asociación Cristiana de Jóvenes (Young Men’s Christian Association) in Montevideo. A year later, co-founder of the Non-Figurative Art Group in Uruguay, he exhibited II and III International Biennale of Sao Paulo, and later, in Argentina, he was a member of the Madí Group.

In 1958 he exhibited at the Salón de Arte Panamericano, in Porto Alegre, Brazil and also at the Galería René Denise, in Paris. In 1960 he was included in the exhibition of Group 8, held at the Museo de Arte Moderno, in Buenos Aires. a member of Group 8. Since his allegiance to the Madí Group his work remained within abstraction, came near the borders of Op Art during a period and in another turned to monocromatic painting in bright coloured relief.

In 1960 he took part in the Werthin Prize for Painting, held at the Galería Van Riel, in Buenos Aires. Between 1962 and 1972 he was a teacher and headmaster at the Escuela Nacional de Bellas Artes in Montevideo.

He participated in the exhibitions “Los primeros 15 años de Arte Madí” (The first 15 years of Madi Art) organised by the Museo de Arte Moderno of Buenos Aires (1961); “Vanguardia de la Década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 40’s. Concrete Invention Art. Madí Art. Perceptism), held at the Museo Sivori (1980); the travelling exhibition “Art from Argentina 1920/1994”, opened at the Museum of Modern Art, Oxford (1994) and presented in the Sudwestdeutsche Landesbank, the Royal Academy of Art Galleries, London, the Fundação Descobertas at the Centro Cultural de Bellem, Lisbon and in the Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995) and, recently, in “Abstract Art from Rio de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/1953”, held at The Americas Society, in New York (2001) among others. He died in September 1995.

 

Jacqueline LORIN-KALDOR

En 1948 su obra integró la exposición permanente Madí inaugurada en Buenos Aires. Ese mismo año, junto a varios artistas de la Asociación Arte Concreto Invención y del grupo Madí, participó en el Salon des Realités Nouvelles de París. Asimismo, sus trabajos estuvieron representados en las principales exposiciones antológicas del grupo, especialmente Homenaje a la Vanguardia Argentina década del 40, realizada en la Galería Arte Nuevo (1976), entre otras.

 

 

In 1948, an exhibitor in the permanent Madí exhibition opened in Buenos Aires, she took part, together with serial artists from the Asociación Arte Concreto Invención (Concrete Invention Art Association) and the Madí Group, in the Salon des Realités Nouvelles in Paris. Her oeuvre was represented in the major collective exhibitions of the group, especially “Homenaje a la Vanguardia Argentina década del 40” (Cellebration of the Argentine Vanguard of the 1940x) held at the Galería Arte Nuevo (1976) among others.

 

Raúl LOZZA

Nació en Alberti, provincia de Buenos Aires, Argentina, en 1911. En la década del ‘30 difundió sus obras de contenido social a través de diarios y revistas y publicó escritos teóricos y de investigación.

En 1943 integró el grupo editor y redactor del periódico literario Contrapunto, dirigiendo la sección de artes visuales. Dos años más tarde, fue miembro fundador de la Asociación Arte Concreto Invención (AACI). Si bien suscribió el Manifiesto Invencionista y participó en las principales exposiciones de la agrupación, en 1947 se separó de la AACI para crear el Perceptismo, experiencia orientada hacia la eliminación de toda representación ilusionista, que afirmaba la fidelidad del plano.

Dentro del marco del Perceptismo elaboró una nueva teoría relacional del color, introduciendo la noción de “campo colorido”, la que reemplaza la composición tradicional por una “estructura abierta” y centrífuga. Desde 1950 hasta 1953, junto al teórico Abraham Haber y a su hermano Rembrandt, publicó la revista Perceptismo, que difundió sus teorías sobre el arte. Participó de la II Bienal Internacional de San Pablo, junto a destacados artistas abstractos. Desde entonces continúa trabajando dentro de su misma línea estética.

En 1960 organizó en su casa de Humberto 1º 1717 –en colaboración con Paulina Berlatzky, Bernardo Gravier, A. Haber y Rafael Squirru– la exposición de Arte No Figurativo, en la que participaron ciento tres artistas de todas las vertientes del arte abstracto. Entre las principales exposiciones colectivas se destacan: Del Arte concreto a la nueva tendencia, Museo de Arte Moderno (1963), Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo (1976), Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori (1980), Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York (1990), y, recientemente, Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53. The Americas Society, Nueva York (2001).

A mediados de los años ochenta, la Fundación San Telmo de Buenos Aires, hoy desaparecida, le dedicó una muestra homenaje. En 1992, la Secretaría de Cultura de la Nación le otorgó el Gran Premio Consagración Nacional, mientras que en 1997 el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires le dedicó una importante exposición retrospectiva y en 2001 en el Centro Cultural Borges se presentó la Muestra Homenaje Raúl Lozza: un museo por sesenta días. Selección de obra para un futuro museo de su pintura concreta. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

 

Born in 1911, in Alberti, Province of Buenos Aires, Argentina, in the 1930s he published his works with social content, as wells as his theoretical and research writings, in newspapers and magazines.

In 1943, co-publisher and contributor, he directed the visual arts section of the Contrapunto literary magazine. Two years later he co-founded the Asociación Arte Concreto Invencion (AACI). Though he subscribed to the Inventionis Manifesto and took part in the major exhibitions of the group, in 1947 he broke away to create the Perceptism, an experience oriented towards the utter elimination of all illusionist representation, which asserted the fidelity of the plane.

Within the theoretical framework of Perceptivismo he elaborated a new colour relational theory, introducing the idea of “coloured field” which substitutes a centrifugal, open structure for the traditional composition. From 1950 to 1953, he published, together with German theorist Abraham Haber and his brother Rembrandt, the Perceptism magazine to spread his art theory. He took part in the II International Biennale of Sao Paulo, together with outstanding abstract artists and he has not abandoned his aesthetic line.

In 1960 he organised in this own house at No. 1717, Humberto 1° street —together with Paulina Berlatzky, Bernardo Gravier, A. Haber and Rafael Squirru— the exhibition of Non-Figurative art which included a hundred and three artists from all the abstract art currents. Among the major collective exhibitions are “Del Arte Concreto a la Nueva Tendencia” (From Concrete Art to the New Trend) held at the Museo de Arte Moderno (1963), “Homenaje a la Vanguardia Argentina de la década del 40” Celebration of the Argentine Vanguard of the 1940s) held at the Galería Arte Nuevo (1976), “Vanguardia de la década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Argentine Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madi Art. Perceptism) held at the Museo Sívori (1980), “Argentina. Arte Concreto-Invención 1945. Grupo Madí 1946 “ (Argentina. Concrete Invention Art. 1945. Madi Group 1946) at the Rachel Adler Gallery, New York (1990) and, recently, “Abstract art from Rio de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/1953” at The Americas Society, New York (2001).

By the middle of the 1980s the Fundación San Telmo (San Telmo Foundation) of Buenos Aires, now extinct, organised an exhibition in his honor. In 1992, the Argentine Secretary of Culture awarded him the prize Gran Premio Consagración Nacional, and in 1997 the Museo de Arte Moderno of Buenos Aires organised an important retrospective exhibition in his honor and in 2001 his oeuvre was shown in the “Muestra Homenaje Raúl Lozza: un museo por sesenta días. Selección de obra para un futuro museo de su pintura concreta” (Celebration to Raúl Lozza: a sixty days’ exhibition. Selection of artwork for a prospective museum of his concrete painting). Nowadays he lives and works in Buenos Aires.

 

Rembrandt Van Dyck LOZZA

Nació en Alberti, provincia de Buenos Aires, en 1915. Expuso sus primeros trabajos en su ciudad natal en 1928. Dos años después viajó a Buenos Aires y estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Más tarde ingresó en el Instituto de Artes Gráficas bajo la dirección de Lino Enea Spilimbergo.

A mediados de la década de los ’40, junto a sus hermanos, integró la Asociación Arte Concreto Invención e intervino en la primera exposición del grupo en la Galería Peuser. En 1949 participó en una muestra del Taller Torres García en Uruguay. A principios de la década del ’50 formó parte, con su hermano Raúl y el teórico Abraham Haber, de la redacción de la revista Perceptismo. Desde este momento concentró su interés en la investigación estética. En 1976 participó en la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo, y en Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori (1980). Falleció en Buenos Aires.

 

 

was born in 1915 in Alberti, Province of Buenos Aires. He exhibited his early works in his home town in 1928. Two years later he moved to Buenos Aires and studied at the Escuela Nacional de Bellas Artes. Later he entered the Instituto de Artes Gráficas under the direction of Lino Enea Spilimbergo.

By the middle of the 1940s, together with his brothers, he formed the Asociación Arte Concreto-Invención and took part in the first group exhibition at Galería Peuser. In 1949 he participated in an exhibition made by Torres-Garcia’s studio in Uruguay. In the early 1950s, he was contributor, together with his brother Raúl and the theorist Abraham Haber, to the Perceptismo magazine. From then on he focused on aesthetic research. In 1976 he participated in the exhibitions “Homenaje a la vanguardia argentina de la década del 40” (Celebration of the Argentine vanguar of the 1940s) held at Galería Arte Nuevo and “Vanguardia de la década del 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madi Art. Perceptism), at the Museo Sívori (1980). He died in Buenos Aires.

 

Tomás MALDONADO

Nace en Buenos Aires, Argentina, en 1922. Inicia su formación artística en la Escuela de Bellas Artes. A principios de los años cuarenta junto a Alfredo Hlito, Claudio Girola y Jorge Brito firma un manifiesto repudiando la selección efectuada en el Salón Nacional. Colabora en el primer (y único) número de la revista Arturo (1944).

A fines de 1945, es cofundador de la Asociación Arte Concreto Invención. Redacta, junto a su hermano, el poeta Edgar Bayley, el Manifiesto Invencionista publicado en coincidencia con la primera muestra de la Asociación en agosto de 1946. Dos años más tarde viaja a Europa donde conoce a Max Bill y a Georges Vantongerloo.

En 1951, junto a Alfredo Hlito y Jorge Grisetti, funda la revista Nueva Visión, de la cual es director responsable. Poco a poco, sus ideas lo alejan de la práctica artistica en dirección al diseño y a la arquitectura y, a mediados de los años ‘50, interrumpe su actividad como pintor. En 1954, parte rumbo a Europa invitado por Max Bill a enseñar en el Hochschule für Gestaltung en Ulm, Alemania. Permanece en este instituto universitario hasta 1967, desempeñándose como profesor titular y como rector. En 1965, “Lethaby Lecturer” al Royal College of Arts de Londres.

En 1966, “Fellow” del “Council of Humanities” de la Universidad de Princeton (EE.UU.). Desde 1967 hasta 1970 ocupa la cátedra “Class of 1913” en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Princeton. La SIAD (Society of Industrial Artists and Designers) le otorga en 1968 la “Design Medal”, la más alta distinción inglesa en el campo del diseño industrial.

Desde 1976 hasta 1984, profesor titular de Diseño Ambiental en la Universidad de Bologna, Italia. Desde 1977 hasta 1981, director de la revista de arquitectura Casabella.

En 1981, es llamado como profesor titular en la Universidad Politécnica de Milán, Italia. En 1994, Doctor Honoris Causa de la Universidad de La Plata (Argentina).

En 1995, la ADI (Associazione per il Disegno Industriale) le confiere el “Compasso d’Oro alla Carriera”. En 1998 el Presidente de la República Italiana le otorga la “Medaglia d’oro e il diploma di prima classe” por su contribución a la Ciencia y a la Cultura. En 2001, Doctor Honoris Causa del Politécnico de Milán, de la Universidad de Córdoba y de la Universidad de Buenos Aires.

Entre su copiosa producción teórica se destacan La speranza progettuale (1970) (tr.esp. Ambiente humano e ideología, 1972); Avanguardia e razionalità (1974) (tr. esp. Vanguardia y racionalidad, 1977); Disegno industriale: un riesame (1976) (tr. esp. Diseño industrial revisitado, 1991); Tecnica e cultura (1979), (tr.esp. Técnica y cultura, 2002); Il futuro della modernità (1987) (tr.esp. El futuro de la modernidad, 1990); Cultura, democrazia, ambiente, (1990); Tre lezioni Americane. Three American Lectures (1992); Reale e virtuale (1992) (tr.esp. Lo real y lo virtual, 1994); Che cos’è un intellettuale. (1995) (tr.esp. ¿Qué es un intelectual?, 1995); Critica della ragione informatica (1997) (tr.esp. Crítica de la razón informática, 1998), y Hacia una Racionalidad Ecológica (1999). Sus obras pictóricas han sido expuestas en las principales muestras en Argentina y en el exterior dedicadas al arte concreto. Actualmente, vive en Italia y es profesor emérito de la Universidad Politécnica de Milán.

 

 

 

Born in 1922 in Buenos Aires, Argentina, he started his career in the arts at the Escuela de Bellas Artes. In the early 1940s, together with Alfredo Hlito, Claudio Girola and Jorge Brito, he subscribed a manifesto rejecting the selection of works made at the Salón Nacional (National Exhibition).

A contributor to the first and only issue of the Arturo magazine in 1944, at the end of 1945 he cofounded the Asociación Arte Concreto Invención (Concrete Invention Art Association) and wrote, together with his brother, the poet Edgar Bayley, the Inventionist Manifesto published simultaneously with the organisation of the first exhibition of the Association, in August 1946. Two years later he travelled to Europe where he met Max Bill and Georges Vantongerloo.

In 1951, he co-founded with Alfredo Hlito and Jorge Grisetti the Nueva Visión magazine of which he is the director. Gradually, his ideas took him away from painting and brought him nearer design and architecture, his painting ceasing altogether in the middle 1950s. In 1954, he was invited to Europe by Max Bill to teach at the Hochschule für Gestaltung en Ulm, Germany. He remains at this university institute holding a tenure as a teacher and vice-chancellor until 1967. In 1965 he was Lethaby Lecturer at the Royal College of Arts in London.

In 1966 he was Fellow of the Council of Humanities at he University of Princeton (USA). From 1967 to 1970 he held the chair “Class of 1913” at the School of Architecture of Princeton University. The SIAD (Society of Industrial Artists and Designers) awarded him the Design Medal, the highest English distinction in the field of industrial design.

From 1976 to 1984 he was professor of Environmental Design at the University of Bologne, Italy. From 1977 to 1981 he directed the Casabella magazine on architecture.

In 1981 he was appointed professor at the Technical University of Milan, Italy. In 1994, Doctor honoris causa at the University of La Plata (Argentina).

In 1995, the ADI (Associazione per il Deseñno Industriale) awarded him the “Compasso d’Oro alla Carriera” and in 1998 the President of the Italian Republic awarded him the “Medaglia d’oro e el diploma di prima classe” for his contribution to science and culture. In 2001 he was made Doctor honoris causa at the Politecnico of Milan, at the University of Cordoba and at the University of Buenos Aires.

Among his abundant theoretical production are “La speranza progettuale” (1970) translated into Spanish as “Ambiente humano e ideología” (Human habitat and ideology) (1972); “Avanguardia e razionalitá” (1974), translated into Spanish as “Vanguardia y racionalidad” (Vanguard and rationality) (1977); “Disenno industriale: un riesame” (1976), translated into Spanish as “Industrial Design revisited” (1991); “Tecnica e cultura” (1979), translated into Spanish as “Técnica y cultura” (Technology and culture) (2002); “Il futuro della modernità (1987), translated into Spanish as “El futuro de la modernidad” (The future of modernity) (1990); “Cultura, democrazia, ambiente” (Culture, Democracy and Environment)(1990); “Tre lezioni Americane” (Three American Lectures) (1992); “Reale e virtuale” (1992) translated into Spanish as “Lo real y lo virtual” (The real and the virtual) (1994); “Che cos’è un intellettuale” (1995), translated into Spanish as “¿Qué es un intelectual? (What is an intellectual?) (1995); “Critica della ragione informatica” (1997), translated into Spanish as “Crítica de la razón informática,” (Criticism of the computing reason) (1998) and “Hacia una Racionalidad Ecológica” (Towards and Ecological Rationale) (1999) His paintings have been shown at major concrete art exhibitions in Argentina and abroad. Nowadays he lives in Italy and is emeritus professor at the Technical University of Milan.

 

Juan MELE

Juan Nicolás Mele nació el 15 de octubre de 1923 en Buenos Aires (Argentina). A los 11 años comenzó sus estudios de dibujo y pintura con Enrique Rodríguez. Concurrió a la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano”, –donde fue compañero de Gregorio Vardánega y Tomás Maldonado– y a la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”.

Apenas egresado como profesor, Melé se acercó a la Asociación Arte Concreto-Invención, agrupación formada por Alfredo Hlito, Lidy Prati, Manuel Espinosa, Enio Iommi, los hermanos Lozza, Tomás Maldonado, Primaldo Mónaco, Alberto Molenberg, Claudio Girola, Jorge Souza, Antonio Caraduje, Oscar Núñez, Virgilio Villalba y Contreras, con quienes participó en la tercera exposición realizada por el grupo en octubre de 1946.

Estos artistas –desde la publicación del único número de la revista Arturo en 1944– postulaban la invención como creación pura, oponiéndose al primitivismo, el realismo y el simbolismo. Becado por el gobierno francés, entre 1948/49 estudió en L’Ecole du Louvre. Expuso en Italia, donde se relacionó con los integrantes del grupo Concreto de Milán. En Suiza se contactó con Max Bill y, en el entorno parisino, se vinculó con Michel Seuphor, Georges Vantongerloo, Sonia Delaunay, Antoine Pevsner y otros artistas e intelectuales que trabajaban dentro de la tendencia concreta. Al mismo tiempo expuso en el Salon des Réalités Nouvelles y en la Maison de l’Amerique Latine.

En 1950 regresó a la Argentina, donde continuó su producción plástica y fue profesor de Historia del Arte en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Sus obras formaron parte del envío argentino a la II Bienal de Saõ Paulo, Brasil (1953). En 1955 integró el grupo fundador de Arte Nuevo, por iniciativa de Aldo Pellegrini y Carmelo Arden Quin. Dicha agrupación, que nucleaba a los artistas geométricos independientes desde 1958, publicó el Boletín de la Asociación Arte Nuevo y, en su última exposición realizada en 1961, incluyó obras abstractas de origen informalista. Paralelamente a sus búsquedas plásticas Melé publicó artículos sobre los aspectos que inquietaban a los artistas concretos. En sus reflexiones acerca de la pintura de marco irregular tomó posición por aceptar el “contraste indispensable”, como consecuencia lógica de la composición y las leyes perceptivas.

En 1974 se radicó en Nueva York, donde continuó su trabajo y expuso en la Cayman Gallery (1978) y en la Arch Gallery (1983/5), de esa misma ciudad. En 1981 realizó una muestra en el Museo “Eduardo Sívori” de Buenos Aires y, en 1986, retornó al país, donde realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno al año siguiente.

Desde 1990 vive alternativamente en Buenos Aires y París. Entre sus últimas exposiciones se destacan Art in Latin America (1989), realizada en Londres; Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York (1990); Arte Concreto y Madí, Museo de Arte Constructivo de Zurich (1991); Arte Latinoamericano. 500 aniversario (1991), Museo de Arte Moderno de Sevilla y Art from Argentina (1994), presentada en Oxford, Stuttgartt, Lisboa y Buenos Aires y, recientemente, Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53. The Americas Society, Nueva York (2001). En 1997 recibió el Premio Alberto J. Trabucco, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes y, en 1999, editó sus memorias bajo el título La vanguardia del ’40.

 

 

Born Juan Nicolás Mele on October 15th, 1923, in Buenos Aires (Argentina). At the age of 11 he started studying drawing and painting under Enrique Rodríguez. He attended the Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” —Gregorio Vardánega and Tomás Maldonado being among his partners— and the Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”.

As a graduated teacher Melé came into contact with the Asociación Arte Concreto-Invención (Concrete Invention Art Association) formed by Alfredo Hlito, Lidy Prati, Manuel Espinosa, Enio Iommi, the Lozza brothers, Tomás Maldonado, Primaldo Mónaco, Alberto Molenberg, Claudio Girola, Jorge Souza, Antonio Caraduje, Oscar Núñez Virgilio Villalba y Contreras, with whom he took part in the third group exhibition in October, 1946.

These artists —since the publication of the only issue of the Arturo maganize in 1944— promoted invention as pure creation as opposed to primitivismo, realism and symbolism. He was awarded a scholarship by the French government on which he attended L’Ecole du Louvre between 1948 and 1949. He exhibited in Italy, where he came into contact with members of the Milan Concrete group. In Switzerland he contacted Max Bill and, in Paris, Michel Seuphor, Georges Vantongerloo, Sonia Delaunay, Antoine Pevsner and other artists and intellectuals working within the concrete trend. At the same time he exhibited at the Salon des Réalités Nouvelles and at the Maison de l’Amerique Latine.

In 1950, back in Argentina, he continued working in the arts and as a teacher of History of the Arts at the Escuela Nacional de Bellas Artes. His artwork was included in the Argentine representation at the II Biennale of Sao Paulo, Brazil (1953). In 1955 he was co-founder of Arte Nuevo (New Art) headed by Aldo Pellegrini and Carmelo Ardén Quin. This group —formed by independent geometric artists in 1958— published the New Art Association Bulletin and in his last exhibition, held in 1961, included abstract work of informalist origin. Parallel to his art experiments he published articles concerning the issues which preoccupied the concrete artists. In his writings about irregular frame painting he felt inclined to accept the “indispensable contrast” as a logical consequence of composition and the laws of perception.

In 1974 he settled in New York where he worked and exhibited at the Cayman Gallery (1978) and at the Arch Gallery (1983/5). In 1981 he exhibited at the Museo “Eduardo Sívori” in Buenos Aires and, in 1986, he returned to Argentina and a year later he organised an individual exhibition at the Museo de arte Moderno.

Since 1990 he has lived between Buenos Aires and Paris. Among his latest exhibitions are “Art in Latin America” (1989), held in London; “Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946 (Argentina. Concrete Invention Art 1945. Madi Group 1946) at the Rachel Adler Gallery, New York (1990); “Arte Concreto y Madí” (Concrete Art and Madi Art) at the Museo de Arte Constructivo of Zurich (1991); “Arte Latinoamericano. 500 aniversario” (Latinamerican Art. 500 years) (1991) at the Museo de Arte Moderno de Sevilla and “Art from Argentina “ (1994) held at Oxford, Stuttgartt, Lisbon and Buenos Aires and, lately, “Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53” held at The Americas Society, New York (2001). In 1997 he was awarded the Alberto J. Trabucco Prize by the Academia Nacional de Bellas Artes and, in 1999, he published his memoirs under the title “La vanguardia del ’40” (Vanguard of the 1940s).

 

Juan Alberto MOLENBERG

Nació en Buenos Aires en 1921. Estudió en las Escuelas de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón” y egresó como profesor de dibujo. Fue miembro fundador de la Asociación Arte Concreto Invención. Participó en las exposiciones colectivas organizadas por esta agrupación en el Salón Peuser, en la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos y en la Galería Van Riel. Por otra parte participó junto al grupo Madí en el Salón Nuevas Realidades, en 1948. A principios de los años ’50 colaboró en la revista Contemporánea.

Trabajó como dibujante y como diseñador de avisos, etiquetas y logotipos. Se ha especializado en el diseño de envases y colaboró en departamentos de arte de importantes empresas comerciales. En Buenos Aires integró la exposición Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo en 1976 y Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, organizada por el Museo Sívori (1980). Actualmente vive en _Buenos Aires.

 

 

 

was born in 1921, in Buenos Aires, studied at the Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” and the Escuela de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” and graduated as drawing teacher. Co-founder fo the Asociación Arte Concreto Invención (Concrete Invention Art Association) he took part in the collective exhibitions organised by this group at the Salón Peuser, at the Sociedad Argentina de Artistas Plásticos and at the Galería Van Riel. He also took part in the exhibitions of the Madi group at the Salón Nuevas Realidades in 1948. In the early 1950s he contributed to the Contemporánea magazine.

He worked as a commercial artist designing advertisements, labels and logotypes. His speciality is packaging design and. has contributed to many art departments of important companies. In Buenos aires he was included in the exhibition “Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40” (Celebration of the Argentine Vanguard of the 1940s) held at the Galería Arte Nuevo in 1976 and in “Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madi Art. ) held at the Museo Sívori (1980). Nowadays he lives in Buenos Aires.

Benicio Oscar NUÑEZ

Nació en Itacaabó, Provincia de Corrientes, Argentina en 1924. Fue miembro fundador de la Asociación Arte Concreto Invención. Suscribió el Manifiesto Invencionista y participó en las principales exposiciones grupales, entre ellas Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo en 1976 y Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori (1980). Junto a su obra pictórica desarrolló una importante producción como ilustrador, destacándose los trabajos realizados en 1961 para El Emperador de la China, de Marco Denevi.

 

 

Benicio Oscar NUÑEZ.

was born in 1924, in Itacaabó, Province of Corrientes, Argentina. Co-founder of the Asociación Arte Concreto Invención he subscribed to the Inventionist Manifesto and participated in the major exhibitions of the group such as “Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40 (Celebration of the Argentine Vanguard of the 1940s) held at the Galería Arte Nuevo in 1976 and “Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madi Art. ) held at the Museo Sívori (1980). Along with his pictorial work went his important production as illustrator, outstanding among its works is the one made in 1961 for “El Emperador de la China” (The Emperor of China) by Marco Denevi.

 

Manuel PAILOS

Nació en 1918 en Galicia, España, aunque su familia se estableció en Montevideo cuando apenas tenía dos años de edad. Comenzó su formación artística en el Círculo de Bellas Artes, con los maestros Guillermo Laborde y José Cúneo.

Desde 1943 integró el Taller Torres García, donde veinte años más tarde se hizo cargo de las clases de pintura, tarea que realizó hasta 1967. Al año siguiente recibió el Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Plásticas. En su obra combinó construcciones en yeso y madera, utilizó cemento poroso, polvo de ladrillo y colores naturales y también experimentó con la técnica de la encáustica.

En 1991 fue invitado por la Junta de Galicia a realizar una exposición en Santiago de Compostela y una escultura en granito para los jardines de la Facultad de Economía. Integró las principales muestras del Taller Torres García, entre las que se destacan La Escuela del Sur. El Taller Torres García y su legado, presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991), en la Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas, en 1991, en el Museo de Monterrey, México (1992), en el Art Museum of the Americas, OAS, Washington DC, Estados Unidos (1992), en The Bronx Museum of the Arts, Nueva York, Estados Unidos (1993), y en el Museo Rufino Tamayo, México DF (1993), así como en la exposición “El Taller Torres-García”, organizada por Sala Dalmau, Barcelona (1998). En la década de los ’60 realizó exposiciones en Montevideo en las salas del Jockey Club, de Amigos del Arte y del Instituto General Electric.

Entre sus exposiciones individuales más importantes se cuentan: Manuel Pailós, Galería de Arte Basifud, São Paulo, Brasil, y Museo de la Ciudad de Santa Fe, Argentina (1979), Manuel Pailós, Intendencia Municipal de Montevideo (1985), y Los Ideogramas de Manuel Pailós, Galería Bruzzone, Montevideo (1987). Actualmente vive en Montevideo.

 

 

was born in 1918 in Galizia, Spain and his family settled in Montevideo when he was not quite two years old. His education in the arts started at the Círculo de Bellas Artes (Fine Arts Circle) under master Guillermo Laborde and José Cúneo.

As from 1943 he was a member of the Torres-García Studio where he took over the responsibility for the painting lessons until 1967. A year later he won the First Prize at the Salón Nacional de Artes Plásticas. In his artwork he combined constructions of plaster and wood, he used porose concrete, brick powder and natural colors and he also experimented with encaustic.

In 1991 he was invited by the Galician Council to exhibit in Santiago de Compostela and to execute a granite sculpture for the garden of the School of Economics. His works were included in the major exhibitions of the Torres- García Studio, outstanding among them was “La Escuela del Sur. El Taller Torres García y su legado” (The School of the South. The Torres-Garcia Studio and its Legacy) held at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991), at the Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas en 1991, at the Museo de Monterrey, México (1992), at the Art Museum of the Americas, OAS, Washington, DC, United States of America (1992), at the The Bronx Museum of the Arts, New York, United States of America (1993) and at the Museo Rufino Tamayo, México DF (1993), as well as at the exhibition “El Taller Torres-García” (The Torres-Garcia Studio) organised by Sala Dalmau, Barcelona (1998). In the 1960s he organised exhibitions in Montevideo at the Jockey Club, Amigos del Arte and at the General Electric Institute.

Among his most important individual exhibitions are “Manuel Pailós” at the Galería de Arte Basifud, Sao Paulo, Brazil and at the Santa Fe Museum, Argentina (1979), “Manuel Pailós” at the City Hall of Montevideo (1985) and “Los Ideogramas de Manuel Pailós” (Manuel Pailós’ ideograms) at the Galería Bruzzone, Montevideo (1987). Nowadays he lives in Montevideo.

 

Emilio PETTORUTI

Nació el 1 de octubre de 1892 en la ciudad de La Plata, provincia de Buenos Aires (Argentina). Estudió en la Escuela de Bellas Artes de La Plata y se ejercitó en el dibujo en sus visitas al Museo de Historia Natural de la misma ciudad. Luego de tomar un curso de perspectiva, comenzó a exhibir sus primeras obras en las vidrieras de la tienda Gath & Chaves y a publicarlas en las revistas La Ciudad y Rayos de Sol.

En junio de 1911 realizó su primera exposición en las salas del desaparecido diario platense Buenos Aires. En 1913 viajó a Florencia, donde frecuentó a la vanguardia futurista, que en ese momento realizaba la primera Esposizione d’Arte Futurista “Lacerba”.

Pettoruti expresó su propia idea de la dinámica de las cosas en movimiento en su serie Armonías. En Italia, participó en numerosas exposiciones y recorrió varias ciudades, estudiando diferentes técnicas artísticas.

Entre 1916 y 1917 vivió en Roma, donde trabó amistad con los artistas del círculo vanguardista de las revistas Cronache d’Attualitá y Valori Plastici, entre ellos, Giacomo Balla, Enrico Prampolini, Giorgio De Chirico, Carlo Carrá y otros artistas que concurrían a los encuentros de los cafés Aragno e Il Greco. Luego se instaló en Milán, donde fue admitido como “socio pittore” en la Famiglia Artistica. En esta época se ganó la vida ilustrando libros, diseñando vitraux y realizando proyectos escenográficos.

En 1920 expuso un paisaje sintético en la XII Biennale Internazionale di Venezia. Al año siguiente, mientras participaba en la Prima Mostra del Paesaggio Italiano y en la Esposizione Nazionale della Citta di Roma, paradójicamente, su envío para el Salón Nacional de Buenos Aires era rechazado por el jurado. Luego viajó a Viena y a varias ciudades alemanas, exponiendo en la galería Der Sturn de Berlín, con gran suceso.

En 1924 Filippo Marinetti le presentó a Léonce Rosenberg, quien se ofreció para ser su marchand y le desaconsejó la muestra que planeaba realizar en Buenos Aires. Efectivamente, las obras de Pettoruti presentadas ese año en el Salón Witcomb de Buenos Aires causaron verdadera conmoción en el ambiente porteño, aunque abrieron cauce a la renovación plástica. Pettoruti fue director del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata entre 1927 y enero de 1932, fecha en que fue dejado cesante, aunque pronto fue restituido en el cargo.

Expuso en el Círculo de Bellas Artes, Montevideo (1939), en Amigos del Arte, Buenos Aires (1940); en el Museum of Art, San Francisco (1944) y en la National Academy, Nueva York (1944). Nuevamente, en 1947 fue alejado de su cargo de Director de Museo. Regresó a Europa, exhibiendo en las galerías del Millione, Milán (1952); Número, Florencia (1952), y San Marco, Roma (1953). Se instaló en París y expuso en la galería Durand-Ruel (1954); Arte Abstracto, Las primeras Generaciones 1910-1939, Musée d’Art de Saint Etienne (1957); 50 Años de Pintura Abstracta, organizada por Michel Seuphor, y en otras muestras individuales que acercaron su obra al público de esa ciudad.

Desde 1959 participó en el Salon des Réalités Nouvelles. En 1960 integró la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno organizada por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

En 1961 compartió con los artistas más importantes de la abstracción internacional la exposición Arte Abstracto Constructivo Internacional, presentada por la Galerie Denise-René, de París. En 1966 viajó a la Argentina y terminó sus memorias publicadas bajo el título Un pintor ante el espejo. Recibió el Premio Continental Guggenheim de las Américas (1956) y el Gran Premio, otorgado por el Fondo Nacional de las Artes (1967). En sus últimos años presentó exposiciones en Bonn, Berlín, Bruselas y Ginebra, entre otras ciudades europeas, y representó a la Argentina en el envío a la XI Bienal de São Paulo, Brasil (1971). A los 79 años, falleció en París el 16 de octubre de 1971.

 

 

Born on October 1st, 1892 in La Plata, province of Buenos Aires (Argentina) he studied at the Escuela de Bellas Artes of La Plata and practised drawing during his visits to the Museum of Natural History of such city. After taking a course on perspective he started to exhibit his early works at the windows of Gath & Chaves and he published them in the magazines La Ciudad and Rayos de Sol.

In June 1911, he organised his first exhibition at the now non-existent premises of the “Buenos Aires” newspaper. In 1913 he travelled to Florence where he kept in contact with the futurist vanguard which was at the moment showing for the first time the “Esposizione d’Arte Futurista “Lacerba” (Exhibition of Futurist Art ‘Lacerba’).

Pettoruti expressed his own idea of the dynamics of moving object in his series “Armonías” (Harmonies). In Italy he took part in many exhibitions and travelled to different cities where he studied different art techniques.

Between 1916 and 1917 he settled in Rome and became a friend to the avant-garde artists of the magazines Cronache d’Attualitá and Valori Plastici like Giacomo Balla, Enrico Prampolini, Giorgio De Chirico, Carlo Carrá among others and other artists who frequented the Aragno and Il Greco cafés. Later he settled in Milan where he was admitted to the Famiglia Artistica as “socio pittore” (painter). In this period he earned his living illustrating books, designing stained glass and executing scenic projects.

In 1920 he exhibited a synthetic landscape in the XII International Biennale of Venice. A year later he took part in the “Prima Mostra del Paesaggio Italiano” (First Exhibition of the Italian Landscape) and in the “Esposizione Nazionale della Citta di Roma” (National Exhibition of the City of Rome), incongruously, his submission to the Salón Nacional of Buenos Aires was rejected by the jury. Later he travelled to Vienna and other cities in Germany and exhibited at the Der Sturn Gallery, in Berlin with great success.

In 1924 Filippo Marinetti introduced him to Léonce Rosenberg, who offered to be his marchand and disuaded him of carrying out the exhibition he was planning to hold in Buenos Aires. In fact, the works by Pettoruti exhibited at the Salón Witcomb de Buenos Aires caused great upheaval in the city though opening the way to a change in visual artmaking. Pettoruti was director of the Museo Provincial de Bellas Artes in La Plata from 1927 to January, 1932, when he was made redundant though he was soon reinstated.

He exhibited at the Círculo de Bellas Artes, Montevideo (1939), at Amigos del Arte, Buenos Aires (1940); at the Museum of Art, San Francisco (1944) and at the National Academy, New York (1944). In 1947, he was again made redundant. He went to Europe, exhibited at the Millione Gallery, Milán (1952); at Número, Florence (1952) and at San Marco, Rome (1953). He settled in París and exhibited at the Durand-Ruel Gallery (1954); “Arte Abstracto, Las primeras Generaciones 1910-1939” (Abstract Art, The first generations 1910-1939) at the Musée d’Art of Saint.Etienne (1957); “50 Años de Pintura Abstracta” (Fifty years of Abstract Painting) organised by Michel Seuphor, and other individual exhibitions showed his work to the publich of that city.

As from 1959 he participated in the Salon des Réalités Nouvelles. In 1960 he took part in the First International Exhibition of Modern Art organised by the Museo de Arte Moderno (Modern Art Museum) in Buenos Aires.

In 1961 he was included among the most important international abstract artists at the exhibition “Arte Abstracto Constructivo Internacional” (International Abstract Constructive Art) presented at the Galerie Denise-René, of Paris. In 1966 he travelled to Argentina and finished his memoirs, which were published under the title “Un pintor ante el espejo” (A painter before a mirror). He was awarded the Guggenheim Continental Prize of the Americas (1956) and the First Prized by the Fondo Nacional de las Artes (National Art Fund) (1967). In his late years he organised exhibitions in Bonn, Berlin, Brussels and Geneva, among other european cities and represented Argentina with his submission to the XI Sao Paulo Biennale, Brazil (1971). He died in Paris, at 79, on October 16th, 1971.

 

Lidy PRATI

Nació en 1921 en la ciudad de Resistencia, en la provincia argentina de Chaco. Tempranamente, en 1942, realizó su primera exposición en el Salón Peuser de Buenos Aires. Fue la autora de las viñetas para el único número publicado de la revista Arturo en 1944, cuya tapa había sido diseñada por Tomás Maldonado, con quien Lidy contrajo matrimonio.

En noviembre de 1945 integró la Asociación Arte Concreto Invención y firmó el Manifiesto Invencionista publicado en la revista Arte Concreto Nº 1, en agosto de 1946. Su obra, que exploró un amplio repertorio de formas geométricas, bandas de colores y juegos de yuxtaposiciones, despertó el interés del artista concreto Max Bill. Asimismo trabajó como diseñadora, tanto en las artes gráficas como en el diseño textil y de joyas.

Durante los años ’40 participó en las exposiciones de la Asociación Arte Concreto Invención y, en 1950, integró Arte Concreto, muestra realizada en el Instituto de Arte Moderno de Buenos Aires. En 1951 colaboró en la revista cultural Nueva Visión. En 1952 viajó a Europa, visitando varios países en los que tomó contacto, entre otros, con Max Bill y Georges Vantongerloo. A instancias de Aldo Pellegrini, en 1952 integró el Grupo de Artistas Modernos de la Argentina, junto a Maldonado, Hlito, Iommi, Claudio Girola, Fernández Muro y Sarah Grilo, acompañando las exposiciones realizadas en Buenos Aires, Río de Janeiro y Amsterdam.

En 1953 presentó en la II Bienal Internacional de São Paulo trabajos que mostraban su inquietud por la problemática del color.

En 1963 participó en 20 Años de Arte Concreto, organizada por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, exposición para la cual también diseñó el afiche y el logotipo. Su obra fue incluida en la exhibición Latin American Artists of the Twentieth Century, realizada en el Museum of Modern Art, Nueva York (1993) e integró la exposición itinerante Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art, Oxford (1994) y presentada en el Sudwestdeutsche Landesbank, la Royal Academy of Art Galleries, Londres, la Fundação Descobertas en el Centro Cultural de Bellem, Lisboa, y en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995). Recientemente participó en la exposición Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, Nueva York, The Americas Society (2001).

 

 

Born in 1921, in Resistencia, province of Chaco, Argentina, she made her first exhibition in 1942, at the Salón Peuser of Buenos Aires. She authored the strips for the single issue of the Arturo magazine, published in 1944. The cover of this magazine was designed by Tomás Maldonado whom she married.

In November 1945 she joined the members of the Asociación Arte Concreto Invención (Concrete Invention Art Association) and subscribed the Inventionist Manifesto published in the first issue of the Arte Concreto magazine, in August, 1946. Her oeuvre, containing a wide repertoire of geometric forms, colored tracks and superimpositions, attracted the interest of the concrete artist Max Bill. She also worked as a designer in the graphic arts as well as in textile and jewelry design.

During the 1940s she took part in the exhibitions of the Asociación Arte Concreto Invención and in 1950, she participated in “Arte Concreto” (Concrete Art) and exhibition held at the Instituto de Arte Moderno of Buenos Aires. In 1951 she contributed to the cultural magazine Nueva Visión. In 1952 she travelled to Europe and visited several countries where she came into contact with Max Bill and Georges Vantongerloo, among others. At the request of Aldo Pellegrini, in 1952 she took part in the Grupo de Artistas Modernos de la Argentina (Group of Argentine Modern Artists) together with Maldonado, Hlito, Iommi, Claudio Girola, Fernández Muro and Sarah Grilo, accompanying the exhibitions held in Buenos Aires, Río de Janeiro and Amsterdam.

In 1953, at the II Biennale of Sao Paulo, she exhibited works which made apparent her concern for the problem of color.

In 1963 she took part in “20 Años de Arte Concreto” (Twenty years of Concrete Art) organised by the Museo de Arte Moderno of Buenos Aires, exhibition for which she designed the poster and the logotype. Her oeuvre was included in the exhibition “Latin American Artists of the Twentieth Century” held at the Museum of Modern Art, New York (1993). She also took part in the travelling exhibition “Art from Argentina 1920/1994” opened at the Museum of Modern Art, Oxford (1994), and presented in the Sudwestdeutsche Landesbank, the Royal Academy of Art Galleries, London, the Fundação Descobertas at the Centro Cultural de Bellem, Lisbon and in the Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (1995). She participated in the exhibition “Abstract Art from Rio de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53”, held at The Americas Society, New York (2001).

 

Héctor RAGNI

Nació en Buenos Aires en 1897. Llegó a Montevideo en 1915 y, después de pintar sus primeros trabajos, viajó a Barcelona para realizar estudios de perfeccionamiento, donde permaneció un lapso de diez años. Estudió dibujo, grabado y biombo chino en el Círculo Artístico de Saint Lluc, en donde conoció la obra plástica y teórica de Joaquín Torres García. Visitó París y, en 1928, al regresar a América, se estableció en Montevideo.

Integró la E.T.A.R (Escuela-Taller de Artes Plásticas). Cuando Torres García retornó a Uruguay se vinculó a su entorno, trabajó en la Asociación de Arte Constructivo y, desde mayo de 1936, participó en la revista Círculo y Cuadrado.

En 1938 presentó una exposición de su colección de imágenes religiosas catalanas del siglo XV en la Asociación Amigos del Arte, ocasión en la que Torres García pronunció una conferencia sobre esa serie. Sus grabados y diseños gráficos aparecieron en las revista grupales y en 1944 integró el colectivo que participó del proyecto realizado por el Taller Torres García en el Pabellón Martirené de la Colonia Saint Bois, en las afueras de Montevideo, donde creó un mural en el cuarto piso.

Entusiasta promotor de la teoría estética torregarciana, desde 1945 fue colaborador de la revista Removedor. Participó en las principales exhibiciones grupales, entre las que se destacan La Escuela del Sur. El Taller Torres García y su legado, presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991), en la Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas (1991), en el Museo de Monterrey, México (1992), en el Art Museum of the Americas, OAS, Washington, DC, Estados Unidos (1992), en The Bronx Museum of the Arts, Nueva York, Estados Unidos (1993), y en el Museo Rufino Tamayo, México DF (1993), y en Torres-García y 10 Artistas del Taller, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (1997). En 1952 falleció en la ciudad de Montevideo y, en 1961, el Taller Torres-García realizó en Montevideo una Exposición Homenaje.

 

 

Born in 1897, in Buenos Aires, he arrived in Montevideo in 1915 and after producing his early paintings he travelled to Barcelona with the intention to take up courses for improvement and stayed there for ten years. He studied drawing, engraving and Chinese screen-printing at the Círculo Artístico de Saint Lluc Art Circle where he came to know about the art work and theory of Joaquin Torres-García. He visited Paris and in 1928, he setlled in Montevideo.

He participated in the E.T.A.R (Escuela-Taller de Artes Plásticas ). When Torres-García returned to Uruguay, Ragni came in contact with the circle, worked at the Asociación de Arte Constructivo (Constructive Art Association) and, since May 1936, he contributed to the Círculo y Cuadrado magazine.

In 1938 he made an exhibition of collection of Catalan religious icons from the XV century at the Asociación Amigos del Arte, Torres García delivering a speech concerning the collection. His engravings and designs were published in group magazines and in 1944 he was included in the group that carried out the project made by the Torres Garcia Studio at the Pabellón Martirené of the Colonia Saint Bois, in the outskirts of Montevideo, creating on that occasion a mural in the fourth floor.

He enthusiastically spread Torres Garcia’s aesthetic theory and was a contributor to the Removedor magazine since 1945. He took part in major collective exhibitions, such as “La Escuela del Sur. El Taller Torres García y su legado” (The School of the South, The Torres-Garcia Studio and its Legacy) held at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991), at the Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas (1991), at the Monterrey Museum, México (1992), at the Art Museum of the Americas, OAS, Washington, DC, United States of America (1992), at The Bronx Museum of the Arts, New York, United States of America (1993) and at the Rufino Tamayo Museum, México DF (1993); “Torres-García y 10 Artistas del Taller” (Torres-Garcia and ten artists from his studio), held at Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (1997). In 1952 he died in Montevideo and in 1961, the Torres-García Studio organised in Montevideo an exhibition in his honor.

 

Rhod ROTHFUSS

Carlos María Rothfuss nació en 1920 en la ciudad de Montevideo (Uruguay). En 1938 ingresó en el Círculo de Bellas Artes -donde fueron sus profesores Guillermo Laborde y José Cúneo- y, a principios de los ‘40 estudió en la Academia de Bellas Artes de Montevideo.

Más tarde se estableció en Buenos Aires y conoció a Gyula Kosice, Tomás Maldonado y Carmelo Arden Quin, con quienes integró el grupo de artistas concretos. En 1944 publicó en el único número de la revista Arturo su artículo EI marco: un problema de la plástica actual. Participó en las exposiciones del grupo Arte Concreto Invención en la casa de Enrique Pichon Rivière en octubre de 1945 y, también, en la muestra del Movimiento Arte Concreto Invención, realizada diciembre en la casa de Grete Stern.

Al año siguiente fue uno de los miembros fundadores del Grupo Madí, junto a Arden Quin, Gyula Kosice y Diyi Laañ, entre otros. Con el grupo participó en la 1ª Exposición MADI, realizada en el Instituto Francés de Estudios Superiores, Buenos Aires (1946), en la que se exhibieron manifiestos, pinturas, esculturas, poemas, maquetas arquitectónicas y se realizaron audiciones de música y espectáculos de danza. Asimismo en 1948, formó parte del grupo que representó a la Argentina en el Salon des Réalités Nouvelles de París.

Entre 1945 y 1950 creó esculturas abstractas con algunos componentes practicables y utilizó rombos y figuras geométricas irregulares en sus pinturas. En Montevideo integró la exposición Arte no figurativo, realizada en la Facultad de Arquitectura de la Universidad (1952), que contó con una sala dedicada a Madí. Luego, Rothfuss presentó sus obras en la Exposición de la Asociación Cristiana de Jóvenes (septiembre de 1952) y en Diecinueve artistas de hoy, realizada en el Subte_ Municipal (1955). _Falleció en Montevideo el 31 de diciembre de 1969. Sus obras formaron parte de Homenaje a la Vanguardia argentina, década del ’40, exposición realizada en la Galería Arte Nuevo, Buenos Aires, en Arte Madí, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1997) y, recientemente en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, Nueva York, The Americas Society (2001).

 

 

Born Carlos María Rothfuss in 1920, in Montevideo (Uruguay), in 1938 he entered the Círculo de Bellas Artes (Fine Arts Circle) —under masters Guillermo Laborde and José Cúneo— and in the early 1940s he studied at the Academia de Bellas Artes (Fine Arts Academy) of Montevideo.

Later, he settled in Buenos Aires and met Gyula Kosice, Tomás Maldonado and Carmelo Ardén-Quin, forming with them the Concrete Art group. In 1944 he published, in the only issue of the Arturo magazine, the article “EI marco: un problema de la plástica actual” (The frame: an issue in current visual arts). He took part in the exhibitions of the group “Arte Concreto Invención” (Concrete Invention Art) in the home of Enrique Pichon Rivière in October 1945 and also in the exhibition of the “Movimiento Arte Concreto Invención” (Concrete Invention Art Movement) held in December in the home of Grete Stern.

A year later he co-founded the Madi Group, together with Ardén-Quin, Gyula Kosice and Diyi Laañ, among others. With the Madi group he took part in the First Madi Exhibition, held at the Instituto Francés de Estudios Superiores, Buenos Aires (1946), which included manifestos, paintings, sculptures, poems, architectural models, music audition and dance. In 1948, he was among the artists representing Argentina at the Salon des Réalités Nouvelles, in Paris.

Between 1945 y 1950, he created abstract sculptures with some with some practicable components and he used rhombuses and irregular geometric figures in his paintings. In Montevideo he took part in the Non Figurativ Art exhibition, held at the University School of Architecture (1952), which included a Madi Art exhibition. Later, Rothfuss exhibited his works at the Asociación Cristiana de Jóvenes (Young Men’s Christian Association) in September, 1952) and the exhibition “Diecinueve artistas de hoy” (Nineteen artists of today) held at the Subte Municipal (1955). He died in Montevideo on December 31st, 1969. His works were included in “Homenaje a la Vanguardia argentina, década del ’40” (Celebration of the Argentine Vanguard of the 1940s) held at the Galería Arte Nuevo, Buenos Aires; in “Arte Madí” (Madi Art) organised by the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1997) and lately, in “Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53” held at The Americas Sociey, New York (2001).

 

Antonio SIBELLINO

Nació en Buenos Aires, Argentina en 1891. Inició sus estudios en los talleres de los escultores Torcuato Tasso y Arturo Dresco al tiempo que estudiaba en la Academia Nacional de Bellas Artes.

En 1909 fue becado por el Congreso Nacional y viajó a Europa, donde frecuentó la Real Academia Albertina de Turín, en Italia. Dos años más tarde, se trasladó a París donde asistió a la Grande Chaumière. A raíz del estallido de la Primera Guerra, debió ser repatriado en 1915. Sus primeros trabajos, realizados en París, mantienen lazos con la tradición escultórica de Bourdelle y Maillol. A principios de los años veinte y hasta fines de los treinta, trabajó sobre una serie de relieves.

Es en 1926, cuando realizó Crepúsculo y Salida del sol, las primeras esculturas “abstractas” llevadas a cabo en la Argentina. No obstante, estos trabajos denotan las fuentes de inspiración provenientes de la naturaleza. A comienzos de los años treinta, junto a su amigo y colega Lino E. Spilimbergo y Luis Falcini firmó el Acta de Fundación del Sindicato de Artistas Plásticos, aunque el proyecto no prosperó.

Hacia 1938 comenzó una serie de trabajos relacionados con la Guerra Civil española, entre los que se destacan La viuda y Dolor de España. La última etapa de su producción escultórica se caracteriza por la ejecución de cabezas y bustos. Entre las obras de este período, realizadas entre 1946 y 1953, cabe destacar La mujer con sombrero de pluma (1950), en la que la cabeza de mujer está modelada a través de una estructura facetada, produciendo un juego de luces y sombras que se recortan en las aristas. Falleció en Buenos Aires en 1960.

 

 

 

Born in 1891, in Buenos Aires, Argentina, he started his studies at the studios of scupturers Torcuato Tasso and Arturo Dresco, attending at the same time the Academia Nacional de Bellas Artes (Fine Arts Academy).

In 1909, on a scholarship awarded by the Congress, he travelled to Europe where he frequented the Real Academia Albertina in Torino, Italy. Two years later, he moved to Paris where he attended the rande Chaumière. In 1915, after World War I broke out, he was repatriated. His early works, executed in Paris, show allegiance to the sculpting tradition of Bourdelle and Maillol. From the early 1920s till the end of the 1930s, he worked on a series of reliefs.

In 1926 he created “Crepúsculo” (Twilight) and “Salida del sol” (Sunrise) which were the first abstract sculptures made in Argentina. Nevertheless, these works betray inspiration in Nature. At the beginning of the 1930s, together with his friends and colleagues, Lino E. Spilimbergo and Luis Falcini, he subscribed the Foundation Proceedings of the Visual Arts Trade Union, thought the project did not thrive.

Among the series of works related to the Spanish Civil War, which he started about 1938, are “La viuda” (The widow) and “Dolor de España” (The Grief of Spain). His latest sculptures are characteristically heads and busts. Among the works of this period are “La mujer con sombrero de pluma (Woman in hat with feather) (1950) which is a female head modelled into a faceted structure which produces a dynamic play of lights and shadows cut out at the edges. He died in 1960, in Buenos Aires.

Jorge SOUZA

Nació en Buenos Aires el 6 de febrero de 1919. Cursó las Escuelas de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y Prilidiano Pueyrredón, interrumpiendo sus estudios para adherir a la Asociación Arte Concreto Invención. Si bien se integró al Movimiento como pintor, encontró su vía expresiva definitiva en la escultura.

Expuso en la Galería Van Riel en la muestra Tres estructuras (1972). Luego, en la exposición Hemisferios violados-tres estructuras (1974) –también realizada en la Galería Van Riel– presentó hemisferios de más de un metro de diámetro, reunidos en pares, en los que trabajó con metales, cemento y laca, obteniendo una terminación pulida con cobertura marmórea. Su obra concreta integró las principales exposiciones grupales, entre ellas, Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40, realizada en la Galería Arte Nuevo (1976) y Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo, Museo Sívori de Buenos Aires (1980).

 

 

was born on February 6th, 1919, in Buenos Aires, attended the “Manuel Belgrano” and “Prilidiano Pueyrredón” schools of fine arts but abandoned school to join the Asociación Arte Concreto Invención (Concrete Invention Art Association). Though he joined the movement as a painter he definitely found his way of expression through sculpture.

He exhibited at the Galería Van Riel taking part in the “Tres estructuras” (Three structures) exhibition (1972). Later, in the exhibition called “Hemisferios violados-tres estructuras” (Violated hemispheres-three structures) held in 1974 —also at the Galería Van Riel– he presented hemispheres more than a metre across, united in pairs, on which he worked with metals, concrete and lacquer obtaining a polished surface with a marble like finish. His concrete works were included in the most important collective exhibitions, among which are “Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40” (Celebration of the Argentine Vanguard of the 1940s) held at the Galería Arte Nuevo (1976) and “Vanguardia de la década del ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguard of the 1940s. Concrete Invention Art. Madi Art. Perceptism) held at the Museo Sívori in Buenos Aires (1980).

 

Grete STERN

Nació en Wuppertal – Elberfeld (Alemania) en 1904. Entre 1923 y 1925 estudió artes gráficas en la Kunstgewerbeschule, en Stuttgart. Luego estudió fotografía con Walter Peterhans y, con su amiga Ellen Auerbach, instalaron un estudio de diseño gráfico y fotografía en Berlín, al que llamaron ringl + pit. En 1932 cursó dos semestres en el taller de fotografía de la Bauhaus de Dessau, interrumpidos por el cierre de la institución al asumir el poder Adolf Hitler y, en ese contexto político, decidió emigrar a Inglaterra.

En 1935 se casó con el fotógrafo argentino Horacio Coppola y realizó su primer viaje a Buenos Aires, donde ambos presentaron una exposición en la redacción de la revista Sur. Al año siguiente nació su hija Silvia y luego la familia se estableció en la Argentina. Grete Stern comenzó a realizar retratos de intelectuales y artistas y, desde 1940 –año en el que nació su hijo Andrés–, trabajó para importantes editoriales y agencias de publicidad.

En 1943 realizó su primera exposición individual en la Galería Müller y se divorció de Coppola. Los artistas concretos organizaron en 1945 la exposición Movimiento de Arte Concreto Invención, en la casa que Grete poseía en Ramos Mejía. En este período realizó fotografías del Monumento a Sarmiento, de Auguste Rodin, de los Patios de Buenos Aires –serie que continuó hasta mediados de los ‘60 – y fotomontajes semanales para la revista Idilio.

En 1956, Jorge Romero Brest la convocó para organizar y dirigir el taller de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, cargo que desempeñó hasta 1970. En 1958 adoptó la nacionalidad argentina y, al año siguiente, enseñó fotografía en la Escuela de Humanidades de la Universidad Nacional del Nordeste (Chaco), mientras documentó los temas regionales y las ruinas jesuíticas de Misiones. Recorrió casi todas las provincias argentinas, realizando series fotográficas.

En 1964 obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes para trabajar sobre las costumbres y el hábitat de los aborígenes del Gran Chaco.

En 1972 viajó a Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Grecia, Israel y Francia, donde retrató a los artistas plásticos y escritores parisinos. En 1975 presentó en Alemania su primera exposición fotográfica realizada después de la guerra, en el Bauhaus-Archiv, Berlín y, en 1978, participó en La fotografía experimental en Alemania, de 1918 a 1940, Galería del Levante, Munich, que inició la recuperación de la memoria fotográfica prefascista. En 1985 decidió abandonar la práctica de la fotografía y regaló los equipos a sus alumnos y colaboradores.

Entre las exposiciones individuales más destacadas merecen citarse Grete Stern. Fotografías 1927-1980, Fundación San Telmo, Buenos Aires (1981); Grete Stern, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1988); Grete Stern. Portraits 1930-1950, Galerie Viviane Esders, París (1989); Sueños. Grete Stern, Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia (1995); Grete Stern. Obra fotográfica en Argentina, presentada por el Goethe Institut en Argentina, Brasil, Venezuela, Alemania, Colombia y Ecuador (1997/8) y Grete Stern. Los sueños, Staaliche Galerie Moritzburg, Halle y Suermondt Ludwing Museum, Azchen (1999). Luego de una incesante labor fotográfica en la Argentina, falleció a los 95 años de edad en Buenos Aires, el 24 de diciembre de 1999.

 

 

Born in 1904, in Wuppertal –Elberfeld (Germany), between 1923 and 1925 she studied graphics at the Kunstgewerbeschule, in Stuttgart. Then she studied photography under Walter Peterhans and, together with her friend Ellen Auerbach, she set a studio of graphic design and photography in Berlin, which was dubbed “ringl + pit”. In 1932 she took a two semesters’ course on photography at the Bauhaus of Dessau, which was interrupted when the school was shut down when Adolf Hitler came to power, and faced by such political context she decided to emigrate to England.

In 1935 she married Argentine photographer Horacio Coppola and travelled to Buenos Aires, where they made an exhibition at the editorial office of the Sur magazine. A year later, her daughter Silvia was born and the family setlled in Argentina. Grete Stern started to portray intellectuals and artists and since 1940 –when her son Andres was born— she worked for major publishing and advertising agencies.

In 1943 she held her first individual exhibition at the Galería Müller and divorced Coppola. In 1945 the concrete artists organised the exhibition “Movimiento de Arte Concreto Invención” (Concrete Invention Art Movement) in her home of Ramos Mejía. During this period she made photographs of the monument to Sarmiento by Auguste Rodin, the series “Patios de Buenos Aires” (Buenos Aires patios) —which she continued untill the middle of the 1960s— and weekly photomontages for the Idilio magazine.

In 1956, Jorge Romero Brest invited her to organise and direct the photography studio of the Museo Nacional de Bellas Artes, and kept this office until 1970. In 1958, she became Argentinian and a year later she taught photography at the School of Humanities of the University of the North East (Chaco), while she photographed regional themes and the Jesuit ruins in the province of Misiones. She travelled through almost all the Argentine provinces making photographic series.

In 1964 she was awarded a sholarhip by the National Art Fund to take photographs of the aboriginal habitat and customs of the Gran Chaco.

In 1972 she travelled to the United States of America, England, Germany, Greece, Israel and France, where she photographed Parisian artists and writers. In 1975 she made in Germany her first post-war photographic exhibition at the Bauhaus-Archiv, in Berlín and , in 1978, she took part in the exhibition “La fotografía experimental en Alemania, de 1918 a 1940” (Experimental Photography in Germany, from 1918 to 1940) held at the Galería del Levante, Munich, which initiated the recovery of the prefascist photographic memory. In 1985 she decided to abandon photography and gave her photographic equipment away to her disciples and collaborators.

Outstanding exhibitions are “Grete Stern. Fotografías 1927-1980” (Grete Stern. Photographs 1927-1980), Fundación San Telmo, Buenos Aires (1981); “Grete Stern”, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1988); “Grete Stern. Portraits 1930-1950”, Galerie Viviane Esders, Paris (1989); “Sueños. Grete Stern” (Dreams. Grete Stern), Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia (1995); “Grete Stern. Obra fotográfica en Argentina” (Grete Stern. Photographic oeuvre in Argentina), presented by the Goethe Institut in Argentina, Brazil, Venezuela, Germany, Colombia and Ecuador (1997/8) and “Grete Stern. Los sueños” (Grete Stern. Dreams), Staaliche Galerie Moritzburg, Halle and Suermondt Ludwing Museum, Azchen (1999). After incessant photographic labour she died on December 24th, 1999, in Buenos Aires, at the age of 95.

 

Augusto TORRES

Augusto, segundo hijo de Joaquín Torres García, nació en 1913 en la ciudad catalana de Tarrasa. Siendo niño residió junto a su familia en Nueva York y en Italia. Más tarde los Torres García se instalaron en Villefranche-sur-Mer y compartieron la casa con el pintor Jean Helión en París. Este artista despertó su interés por el arte africano y, en 1928, Augusto comenzó a catalogar piezas precolombinas peruanas en el Musée de l’Homme. En esa ciudad también estudió dibujo con Amadée Ozenfant y, hacia 1930, trabajó como asistente de Julio González.

En 1933, durante la estancia de la familia en Madrid, tomó clases de pintura con su padre. En 1934 se trasladó a Uruguay, donde integró la Asociación de Arte Constructivo y, luego, el Taller Torres García (TTG).

Junto a algunos de los integrantes de estas agrupaciones recorrió Perú y Bolivia, con el propósito de realizar investigaciones sobre el arte precolombino. Entre 1943 y 1950 colaboró con la enseñanza de dibujo y pintura en el TTG. Luego de la muerte de su padre alternó la tarea de dirección del Taller con sus viajes por Europa y América, exponiendo en Nueva York, París, Buenos Aires, Venecia y Madrid.

En 1962 se estableció en Nueva York, donde recibió la Beca de la New School para Investigaciones Sociales, desde donde aprovechó para visitar las reservas aborígenes de América del Norte. Junto a Gonzalo Fonseca organizó una exposición del TTG en Estados Unidos. Promediando la década del ’70 viajó a España, donde vivió hasta 1980.

Luego alternó su lugar de residencia entre Barcelona y Montevideo. Entre sus principales exposiciones individuales se pueden citar las realizadas por la Galería Montevideo (1962), la Galería Dau al Set, de Barcelona (1975-79) Galería Palatina, Buenos Aires (1979), el Santa Barbara Museum of Art, California (1987) y el Center for Inter-American Relations, Nueva York (1988). Participó en las exposiciones grupales del Taller Torres García, destacándose La Escuela del Sur. El Taller Torres-García y su legado presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991), en la Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas en 1991, en el Museo de Monterrey, México en 1992, en el Art Museum of the Americas, OAS, Washington, DC, Estados Unidos (1992), en The Bronx Museum of the Arts, Nueva York, Estados Unidos (1993), en el Museo Rufino Tamayo, México DF (1993), y en Torres-García y 10 Artistas del Taller, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (1997). Asimismo, su obra incluyó la realización de numerosos murales, entre ellos: los dos realizados en 1944 en el Hospital Saint Bois, Montevideo, el mural constructivo del Sindicato Médico de Montevideo (1953), el mural en relieve del Liceo Miranda, Montevideo –obra en la que trabajó junto a su hermano Horacio en 1958–, la decoración en madera realizada en una residencia de Buenos Aires (1962), y el mural en cerámica policromada, realizado por encargo del Arq. Antonio Bonet para una construcción privada en Barcelona en 1979. Tras su muerte, ocurrida en 1992, se realizó La consecuencia extrema. Muestra antológica 1936/91, presentada en el Museo Torres García y el Cabildo de Montevideo (1994).

 

 

was born second son to Joaquin Torres-García, in 1913, in Tarrasa, Catalonia, Spain. In his early childhood he lived with his family in New York and Italy. Later the Torres García settled in Villefranche-sur-Mer and shared a house in Paris with painter Jean Helión who awakened his interest in the African art. In 1928, Augusto started cataloguing Peruvian Pre-Columbian pieces at the Musée de l’Homme. In the same city he studied drawing under Amadée Ozenfant and, by 1930, he worked as assistant to Julio González.

In 1933, while his family was living in Madrid, he took painting lessons under his father. In 1934 he moved to Uruguay where he joined the Asociación de Arte Constructivo (Constructive Art Association) first, and the Torres García Studio (TTG), later.

Together with some members of these groups he travelled to Peru and Bolivia to carry out research work concerning Pre-Columbian art. Between 1943 and 1950 he was assistant teacher of drawing and painting at the TTG. After his father’s death he alternated his work as head of the Studio with his trips to Europe and America, exhibiting in New York, Paris, Buenos Aires, Venice and Madrid.

In 1962 he settled in New York where he was awarded the New School scholarship for Social Investigations, on which occasion he visited the aboriginal reservations of North America. Together with Gonzalo Fonseca he organised an exhibition of TTG in the United States. At the end of the 1970s he travelled to Spain where he settled until 1980.

Later he lived between Barcelona and Montevideo. Among his outstanding inidividual exhibitions are the ones held by the Galería Montevideo (1962), the Galería Dau al Set, of Barcelona (1975-79), the Galería Palatina, Buenos Aires (1979), the Santa Barbara Museum of Art, California (1987) and the Center for Inter-American Relations, New York (1988). He took part in collective exhibitions of the Torres-García studio among which are outstanding “La Escuela del Sur. El Taller Torres-García y su legado” (The School of the South. The Torres-García Studio and its Legacy) held at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991), at the Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas en 1991, at the Monterrey Museum, México en 1992, at the Art Museum of the Americas, OAS, Washington, DC, United States of America (1992), at the The Bronx Museum of the Arts, Nueva York, United States of America (1993) and at the Museo Rufino Tamayo, México DF (1993) and “Torres-García y 10 Artistas del Taller” (Torres-Garcia and Ten artists of the Studio) held at the Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (1997). His oeuvre includes many murals like those executed in 1944 at the Saint Bois Hospital, Montevideo, the constructive mural at the Sindicato Médico of Montevideo (1953), the relief mural at the Liceo Miranda, Montevideo, –work shared with his brother Horacio in 1958– the decoration in wood executed in a home of Buenos Aires (1962) and the policromed ceramic mural execute at the request of Architect Antonio Bonet for a private property in Barcelona in 1979. After his death, in 1992, the exhibition “La consecuencia extrema. Muestra antológica 1936/91” (The extreme consequence. Prospective Exhibition 1936/91) was presented at the Museo Torres García and the Cabildo of Montevideo (1994)

 

Joaquín TORRES GARCÍA

Nació el 28 de julio de 1874 en Montevideo (Uruguay) en el seno de una familia integrada por un comerciante catalán y una uruguaya.

En 1891 su padre regresó a su pueblo natal, Mataró, donde Joaquín inició sus estudios de pintura con Joseph Vinardell. Años más tarde, la familia se afincó en Barcelona, ciudad en la que continuó su formación en la Academia de Bellas Artes y en la Academia Baixas. Sus contactos con Cercle Artístic Sant Lluc le permitieron trabajar como ilustrador para revistas católicas y participar en las exposiciones de esa agrupación.

Entre 1904 y 1905 trabajó con Antonio Gaudí en los vitrales de la Catedral de Palma de Mallorca y de la Sagrada Familia de Barcelona. Se interesó por la obra de los primitivos italianos y por el arte helenístico.

Desde 1908 realizó grandes lienzos para la iglesia de San Agustín en Barcelona, el ábside de la Divina Pastora, en Sarriá y los plafones del Ayuntamiento de Barcelona, obras que corrieron una suerte diversa y, en más de un caso, provocaron encendidas discusiones al no coincidir con el gusto de sus comitentes. En 1909 contrajo matrimonio con Manolita Piña de Rubiés. Viajó a París, donde pudo apreciar los murales que Puvis de Chavannes realizó en el Panteón y, luego, se trasladó a Bruselas para decorar el techo del Pabellón uruguayo de la Exposición Universal de 1910.

Visitó Roma y Florencia con la intención de estudiar la pintura al fresco, conocimientos que aprovechó en los planteos para el Salón Saint Jordí del Palau de la Generalitat, nuevamente recibidos en medio de una acalorada polémica. Su envío a la Exposición Internacional realizada en 1911 en Barcelona orientó a la crítica, especialmente a Eugenio D’Ors, a vincularlo con el noucentisme.

En estos años nacieron sus hijos Olimpia, Augusto e Yfigenia y comenzó a crear sus primeros juguetes de madera. En 1917 creó composiciones vibracionistas, expuso con su amigo y compatriota Rafael Barradas en la Galería Dalmau y publicó sus ideas en favor del arte moderno en el manifiesto Art-Evolució.

Hacia 1920 viajó a París, Bruselas y, finalmente, a Nueva York, ciudad en la que vivió dos años tratando inútilmente de lograr encargos o de vender juguetes. Luego decidió regresar a Europa. A los dos años de haberse establecido en Italia, nació su hijo Horacio y, en 1925, expuso en París, ciudad en la que se había radicado. El contacto con la vanguardia parisina provocó la incorporación de ciertos rasgos cubistas. Sin embargo, al frecuentar una exposición de arte precolombino, surgieron sus primeras telas constructivas.

En 1930, junto a Michel Seuphor, fundó Cercle et Carré, agrupación en la que también intervinieron Piet Mondrian, Hans Arp, Luigi Russolo y Pere Daura. Si bien el grupo se disolvió luego de realizar la primera exposición, llegaron a editar tres números de una revista con el mismo nombre, en la que Torres García publicó una veintena de artículos sobre sus nuevas ideas. Su reflexión teórica, íntimamente vinculada con sus planteos plásticos, se había iniciado con su temprana obra Notes sobre art (1913), seguida por Dialegs (1915) y El descubrimiento de sí mismo (1917). En 1934, luego de 43 años de ausencia, volvió a radicarse en Montevideo, donde trabajó en la creación de un lenguaje visual a partir de la síntesis de la estructura geométrica y la recuperación de los símbolos de las culturas americanas.

Este “arte nuevo”, basado en el orden y la medida, aspiraba a convertirse en la fuente de unidad social y cultural del pueblo. La mirada sobre la función del arte en las culturas pretéritas y el aliento al trabajo colectivo impulsaban la utopía de reinserción de las prácticas artísticas en la vida cotidiana. Asimismo, en su país desarrolló una activa tarea docente, dictando conferencias, formando artistas y publicando artículos.

En 1935 creó la Asociación Arte Constructivo, agrupación que editó diez números de Círculo y Cuadrado, revista inspirada en su homónima francesa.

Entre la abundante producción teórica de este período, se destacan la publicación de su autobiografía Historia de mi vida (1934), Estructura (1935) y Universalismo constructivo. Contribución a la unificación del arte y la cultura de América (1944), libro que resume su ideario estético. Entre las obras más importantes que realizó en Montevideo se encuentra el Monumento cósmico constructivo (1938), ubicado en el Parque Rodó.

En 1944, junto a los integrantes del Taller Torres García, realizó una serie de murales en el Hospital Saint Bois, hoy destruidos. Este Taller había sido creado ese mismo año como un espacio de enseñanza y trabajo colectivo que difundió sus ideas en el periódico Removedor, publicado hasta 1958. Trabajador incansable, Joaquín Torres García falleció en Montevideo el 8 de julio de 1949. Entre las últimas exposiciones más importantes cabe destacar Torres García, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid – IVAM Centro Julio González, Valencia (1991) y Joaquín Torres García. Un monde construit, presentada en el Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg (2002).

 

 

was born on July 28th, 1874 in Montevideo (Uruguay) to a Catalan father (a merchant) and a Uruguayan mother.

In 1891 his father returned to town, Mataró, where Joaquín started his studies in painting under Joseph Vinardell. Years later, his family settled in Barcelona, where he continued his education at the Fine Arts Academy and at the Baixas Academy. His contact with the Cercle Artístic Sant Lluc (Sant Lluc Art Circle) allowed him to work as illustration in catholic magazines and take part in exhibitions of that group.

Between 1904 and 1905 he worked under Antonio Gaudí in the execution of the stained-glass windows for the Palma de Mallorca Cathedral and the Sagrada Familia Cathedral. He became interested in the works of the early Italians and the Hellenistic art.

As from 1908 he made big canvases for the San Agustin Church in Barcelona, the presbytery for the Divina Pastora, in Sarriá and the soffits for the y Ayuntamiento (City Hall) of Barcelona, works which were not altogether successful, and in many occasions inflamed debate due to their failure to satisfy the patrons’ criteria. In 1909 he married Manolita Piña de Rubiés. He travelled to Paris where he could appreciate Puvis de Chavannes’ murals at the Pantheon and later he moved to Brussels to decorate the ceiling of the Uruguayan Pavilion at the “Exposición Universal” (Universal Exhibition) of 1910.

He visited Rome and Florence with the intention to study fresco painting, knowledge he exploited in the drafts for the Salón Saint Jordí del Palau de la Generalitat, again received in the middle of a great controversy. The works exhibited at the International Exhibition held in 1911 in Barcelona biased the critics, especially Eugenio D’Ors, towards his relationship with noucentisme.

In these years his children Olimpia, Augusto and Yfigenia were born and he started to create his first wooden toys. In 1917 he created vibrationist compositions, exhibited with his friend and co-national Rafael Barradas at the Dalmau Gallery and published his ideas in favor of modern art in the manifesto of Art-Evolució.

By about 1920 he travelled to Paris, Brussels and, finally to New York, where he lived two years trying to obtain orders or to sell toys. Later he decided to return to Europe. Within two years of his settlement in Italy his son Horacio was born and, in 1925, he exhibited in Paris, where he settled. His contact with the Parisian vanguard resulted in the introduction of certain cubist features. However, on frequenting an exhibition of Pre-Columbian art, his first constructive canvases emerged.

In 1930, together with Michel Seuphor, he founded Cercle et Carré (Circle and Square) a group that also included Piet Mondrian, Hans Arp, Luigi Russolo and Pere Daura. Though the group broke away after the first exhibition they managed to publish, under the same name, three issues of the group magazine, to which Torres-García contributed about twenty articles concerning his new ideas. His theoretical reflexion, intimately linked to his aesthetics first appeard in his early “Notes sobre art” (Notes about Art) (1913), followed by “Dialegs” (Dialogues) (1915) and “El descubrimiento de sí mismo” (The discovery of the self)(1917). In 1934, after living 43 abroad he settled in Montevideo, where he worked on the creation of a visual language emerging from the synthesis of the geometric structure and the symbols of the Latin American cultures.

This “new art” based on order and measure was meant to become the source of social and cultural unity. The focus on the function of art in the cultures of the past and the encouragement to collective work gave impulse to the utopia of a re-introduction of art in everyday life. In his country he carried out an intense teaching activity, delivering speeches, forming artists and publishing articles.

In 1935 he founded the Asociación Arte Constructivo (Constructive Art Association) which published ten issues of the Círculo y Cuadrado (Circle and square) magazine, inspired in the French Cercle e Carré magazine.

Outstanding among his theoretical works of this period are his autobiography “Historia de mi vida” (The story of my life) (1934), “Estructura” (Structure) (1935) and “Universalismo constructivo. Contribución a la unificación del arte y la cultura de América” (Constructive Universalism. A contribution to the unification of art and culture in America) (1944), the latter containing his aesthetic theory. Among the most important works he executed in Montevideo are the “Monumento cósmico constructivo” (Constructive Cosmic Monument) (1938), located in Rodó Park.

In 1944, together with the members of the Torres-García Studio, he executed a series of murals at the Saint Bois Hospital, now demolished. This studio had been created that same year as a space devoted to teaching and collective work which spread his ideas in the Removedor magazine, published until 1958. Indefatigable worker, Joaquín Torres García died on July 8th, 1949 in Montevideo. Recent outstanding exhibitions are “Torres-García”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid –IVAM Centro Julio González, Valencia (1991) and “Joaquín Torres-García. Un monde construit” presented at the Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg (2002).

 

Virgilio VILLALBA

Nació en Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, en 1925. Se radicó en la Argentina en 1929 y luego adoptó la ciudadanía. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Formó parte de la Asociación Arte Concreto Invención desde su fundación. Con sus obras concretas participó en las principales muestras grupales, entre ellas las realizadas en la Galería Peuser, el Salón Nuevas Realidades, Galería Van Riel (1948/9) y Del arte concreto a la nueva tendencia, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1963).

Sus trabajos de este período emplearon la curva, los ángulos y las formas ritmadas que sugerían un espacio ilimitado. Más tarde se instaló en París, donde continuó sus búsquedas plásticas, llegando a abandonar su pintura geométrica por otra de tendencia figurativa. En Francia expuso en la muestra de Artistas latinoamericanos de París, Museo de Arte Moderno de París (1965), participó en Grands et jeunes d’aujourd’hui, exhibición organizada por el mismo museo en los años 1968, 1973 y 1975 y en 1974 intervino en Latino-americains de París, presentada en la Maison de l’Artiste de París.

En 1995 integró la exposición itinerante Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art, Oxford (1994) y presentada en el Sudwestdeutsche Landesbank, la Royal Academy of Art Galleries, Londres, la Fundação Descobertas en el Centro Cultural de Bellem, Lisboa, y en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Actualmente vive en París.

 

 

Born in 1925, in Tenerife, Islas Canarias, settled in Argentina in 1929 and later naturalized in this country, he studied at the Escuela Nacional de Bellas Artes (National School of Fine Arts), joined the Asociación Arte Concreto Invención (Concrete Invention Art Association) since its foundation. His concrete works were included in the major collective exhibitions like the ones held at the Galería Peuser, the Salón Nuevas Realidades, the Galería Van Riel (1948/9) and “Del arte concreto a la nueva tendencia,” (From Concrete Art to the New Trend) at the Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1963).

In the works of this period he uses curves, angles and rhymic forms suggesting an infinite space. Later he settled in Paris, where he continued his artistic search, abandoning his geometric painting for an art with figurative tendency. In France he was included in the exhibition of Latinoamerican Artists in Paris, at the Museo de Arte Moderno, in Paris(1965), he took part in Grands et jeunes d’aujourd’hui, organised by the same museum in 1968, 1973 and 1975 and in 1974 he took part in the exhibition “Latino-americains de París”, held at the Maison de l’Artiste, in Paris.

In 1995 he participated in the travelling exhibition “Art from Argentina 1920/1994” opened at the Museum of Modern Art, Oxford (1994) and presented at the Sudwestdeutsche Landesbank, the Royal Academy of Art Galleries, London, at the Fundação Descobertas in the Centro Cultural of Bellem, Lisbon and at the Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Nowadays he lives in Paris.


Rodolfo Ian URICCHIO

Nació en Montevideo, Uruguay, en 1919. Fue miembro de la Academia de Bellas Artes de Uruguay. Desde sus orígenes, formó parte del movimiento Madí.

En 1948 expuso en la Primera Exposición Internacional Madí realizada en el Salón A.I.A.P.E. de Montevideo. Ese mismo año, participó con el grupo Madí en el Salon des Realités Nouvelles de París.

En 1952 expuso sus obras en la Facultad de Arquitectura de Montevideo y en la muestra Arte no-figurativo llevada a cabo en la Asociación Cristiana de Jóvenes de Montevideo. Asimismo formó parte de la Expo Arte Madí Internacional que realizó la galería Bonino de Buenos Aires en 1956. Expuso sus obras en la muestra homenaje que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires llevó a cabo al cumplirse 15 años de la creación del Movimiento Madí y en la exposición colectiva Vanguardias de la década de los ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo llevada a cabo en 1980 en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires.

En 1994, presentó una importante muestra individual bajo el título Uricchio & Troncone en el Museo Municipal de Bellas Artes “Juan Manuel Blanes” de Montevideo. Recientemente participó de la exposición Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, Nueva York, The Americas Society (2001).

 

 

Born in 1919, in Montevideo, Uruguay, member of the Ademaia Bellas Artes de Uruguay, he adhered to the Madi movement from the beginning.

His first exhibition was the “Primera Exposición Internacional Madí” (First International Madi Exhibition) held at the Salón A.I.A.P.E. in Montevideo. In the same year, he took part, with the Madi Group, in the Salon des Realités Nouvelles of Paris.

In 1952 his works were exhibited at the School of Architecture of Montevideo and at the exhibition “Arte no-figurativ” (Non figurative Art) held at the Asociación Cristiana de Jóvenes (Young Men’s Christian Association) of Montevideo. He also took part in the “Expo Arte Madí Internacional” organised by the Bonino Gallery of Buenos Aires, in 1956. His works were shown in the exhibition held at the Museo de Arte Moderno of Buenos Aires, on the 15th anniversary of the creation of the Madi movement and at the collective exhibition “Vanguardias de la década de los ’40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo” (Vanguards of the 1940s. Concrete Invention Art. Mari Art. Perceptism) held in 1980 at the Museo Eduardo Sívori of Buenos Aires.

In 1994, he presented an important one man show under the title “Uricchio & Troncone” at the Museo Municipal de Bellas Artes “Juan Manuel Blanes” of Montevideo. Recently, he took part in the exhibition “Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53”, New York, The Americas Society (2001).


Gregorio VARDANEGA

Nació el 21 de marzo de 1923 en Passagno, Treviso (Italia). Siendo muy pequeño su familia se radicó en la Argentina.

En 1939 comenzó su formación artística en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, graduándose en 1946 como profesor de dibujo. Integró la Asociación Arte Concreto Invención, participando en las exposiciones presentadas en las galerías Peuser y Kraft.

Dos años más tarde viajó a Europa en compañía de Carmelo Arden Quin y, en 1949, expuso en el Salon de Amérique Latine, de París, ciudad en la que tomó contacto con Michel Seuphor, Denise René, Georges Vantongerloo, Antoine Pevsner, Sonia Delaunay, Max Bill y otros importantes artistas de la vanguardia parisina.

En 1950 regresó a la Argentina y presentó sus obras en la exposición Joven Pintura, organizada por la Galería Peuser. En sus primeras obras utilizó vidrio y plexiglás con formas geométricas planas o semiesféricas. Más tarde, su interés por las búsquedas cinéticas lo llevaron a idear mecanismos móviles y, hacia los años ’60, las esferas de plexiglás presentaron la particularidad de contener otras esferas más pequeñas o de recibir proyecciones de luces coloreadas. A partir de este escaso repertorio, Vardanega logró crear múltiples variaciones con juegos de luces y movimientos.

Fue uno de los miembros fundadores de la Asociación Arte Nuevo y del grupo Artistas no Figurativos Argentinos (ANFA). En 1957 integró el envío presentado en la IV Bienal Internacional de São Paulo y, al año siguiente, participó en la Exposición Internacional de Bruselas, donde obtuvo la Medalla de Oro.

En 1959 decidió establecerse en París, ciudad en la que presentó sus obras con regularidad, mereciendo citarse el Salón de France-Amérique (1959); Realités Nouvelles (1961); Structures, Galerie René Denise (1961); Trente Argentins de la Nouvelle Génération, Galerie Creuze (1962); Art d’Amérique Latine, Musée d’Art Moderne (1962); Esquisse d’un Salon, Galerie René Denise (1963); Art Argentin Actuel, Musée d’Art Moderne de la Ville de París (1964); Structure et mouvement, Galerie René Denise (1966) y la Biennale de Paris (1967), presentada en el Musée d’Art Moderne, entre otras importantes exhibiciones. También participó en Nouvelles Tendences, Zagreb y Venecia (1963); Mouvement, Zurich (1964); Kinetik II, Dusseldorf (1964); Lumière, mouvement et optique, Bruselas (1965), Instituto Di Tella, Buenos Aires (1966), La luce, Roma (1967) y Kunstnernes Hus, Oslo (1968). Entre las exposiciones más recientes integró Grands et jeunes d’aujourd’hui, Grand Palais, París (1978-82); Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, Nueva York, 1990, Latin American Artists of the Twentieth Century, Museum of Art Modern, Nueva York (1993) y Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, Nueva York, The Americas Society (2001). Actualmente vive y trabaja en París.

 

 

was born on March 21st, 1923, in Passagno, Treviso (Italy) and while he was a small child his family settled in Argentina.

In 1939, he began his education in arts at the Academia Nacional de Bellas Artes (National Academy of Fine Arts) of Buenos Aires, where he graduated in 1946 as a Master of drawing. He joined the Asociación Arte Concreto Invención, (Concrete Invention Art Association) and took part in the group´s exhibitions held at the Peuser and Kraft Gallery.

Two years later he travelled to Europe together with Carmelo Ardén Quin and, in 1949, he exhibited at the Salon de Amérique Latine, of Paris where he came in contact with Michel Michel Seuphor, Denise René, Georges Vantongerloo, Antoine Pevsner, Sonia Delaunay, Max Bill and other important artists of the Parisian vanguard.

In 1950, back in Argentina, he showed his works in the exhibition “Joven Pintura” (Young painting) held at the Galería Peuser. In his early works he used glass and plexiglass in flat or semi-spherical geometric forms. Later, his interest in the search for movement led him to create mobiles and, by about the 1960s, the spheres made from plexiglass had the characteristic of containing smaller spheres or colored light projections. With such sparse resources, Vardanega managed to create many varied light and movement structures.

He was among the founders of the Asociación Arte Nuevo (New Art Association) and of Artistas no Figurativos Argentinos (ANFA) (Non figurative Argentine artists). In 1957 he was included in the IV International Sao Paulo Biennale and then he won the Gold Medal at the International Exhibition of Brussels.

In 1959 he settled in Paris, where he exhibited his works regularly at the Salón de France-Amérique (1959); Realités Nouvelles (1961); Structures, Galerie René Denise (1961); Trente Argentins de la Nouvelle Génération, Galerie Creuze (1962); Art d’Amérique Latine, Musée d’Art Moderne (1962); Esquisse d’un Salon, Galerie René Denise (1963); Art Argentin Actuel, Musée d’Art Moderne de la Ville de París (1964); Structure et mouvement, Galerie René Denise (1966) and the Paris Biennale (1967), held at the Musée d’Art Moderne, among other important exhibitions. He also took part in the Nouvelles Tendences, Zagreb and Venice (1963); Mouvement, Zurich (1964); Kinetik II, Dusseldorf (1964); Lumière, mouvement et optique, Brussels (1965), Instituto Di Tella, Buenos Aires (1966), La luce, Rome (1967) y Kunstnernes Hus, Oslo (1968). Among the most recent exhibitions: Grands et jeunes d’aujourd’hui, Grand Palais, París (1978-82); Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946, Rachel Adler Gallery, New York, 1990, Latin American Artists of the Twentieth Century, Museum of Modern Art, New York (1993) and Abstract art from the Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53, New York, The Americas Society (2001). At present, he lives and works in Paris.

 

XUL SOLAR

Oscar Alejandro Agustín Schultz Solari nació el 14 de diciembre de 1887 en San Fernando, en la provincia de Buenos Aires (Argentina). Comenzó la carrera de arquitectura, aunque pronto la abandonó para dedicarse a escribir poesía y prosa.

En 1912 se embarcó en el buque England Carrier rumbo a Inglaterra. Visitó Londres, París y Turín. En este período realizó, sobre pequeños cartones, paisajes a la témpera y al óleo.

Hacia 1916, viajó a Florencia, donde conoció a Emilio Pettoruti. En esta época, su obra se alejó de los elementos simbolistas, adoptando una geometría libre con la que dio forma a objetos y seres antropomorfos y a sus primeras “arquitecturas fantásticas”. Asimismo, comenzó a incluir algunas palabras en neocreol o neocriollo, lenguaje que inventó para facilitar la comunicación entre los países de América.

En 1920 presentó en Milán acuarelas, témperas y óleos en la que fue su primera exposición, cuyo catálogo contó con un prólogo de Pettoruti. En 1924, participó en la exposición de artistas latinoamericanos organizada por la Maison de l’Amérique Latine y la Académie Internationale des Beaux-Arts, en el Musée Gallièra en París. Ese mismo año, junto a su amigo Pettoruti, regresó a Buenos Aires y expuso cuatro pinturas en el Salón Libre.

Frecuentó el círculo de intelectuales nucleado en torno a la revista Martín Fierro, entre los que se contaban Norah Lange, Victoria Ocampo, Oliverio Girondo, Macedonio Fernández y Jorge Luis Borges. Participó en la Exposición de Pintores Modernos organizada por la Asociación Amigos del Arte en ocasión de la visita de Filippo Marinetti a Buenos Aires. Continuó realizando investigaciones lingüísticas y traducciones al neocreol.

En 1928 ilustró El idioma de los argentinos de Jorge L. Borges y realizó una serie de trabajos que combinaban los hexagramas del I Ching y el neocreol. Al año siguiente, realizó su primera exposición individual en Buenos Aires en los salones de Amigos del Arte, la que comenzó a despertar el interés del público y la crítica. Durante los años ’30 intensificó sus estudios sobre astrología, filosofía y las conexiones entre los planetas.

Comenzó a trabajar en la creación de la panlingua –lengua de base numérica– y en 1935 pintó su primera Grafía. Al año siguiente, conoció a Micaela Cárdenas, con quien contrajo matrimonio diez años más tarde. Entre 1937 y 1939 inventó un juego de ajedrez de base astrológica y desarrolló su idea del Pan Klub como un club universal. A su vez, difundió sus estudios sobre los astros, dictando cursos y pronunciando conferencias.

En 1953, en el catálogo de su muestra individual realizada en la galería Van Riel, publicó una clasificación astrológica de las escuelas pictóricas. En ese período realizó títeres para adultos, altares, monumentos cabalísticos y los 24 naipes de su Tarot. En 1954 instaló su taller sobre el río Luján, en el Delta del Tigre, provincia de Buenos Aires. Allí, pintó una serie de arquitecturas con letras y realizó dibujos arquitectónicos de pequeño formato.

En este período finalizó la serie de Grafías –verdaderas escrituras pictóricas– y los retratos-textos. Participó en importantes exposiciones presentadas en el Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1960); Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro (1961) y Musée Nationale d’Art Moderne, París (1962). Publicó sus escritos en las revistas Imán, editada en París, Azul, El Hogar, Revista Multicolor (suplemento del diario Crítica), Martín Fierro, Destiempo, Los anales de Buenos Aires, Lyra, Mirador y Publicidad Argentina, entre otras publicaciones argentinas.

El 9 de abril de 1963 falleció en su casa del Delta, ubicada en la localidad de Tigre, provincia de Buenos Aires. En 1993 se inauguró el Museo Xul Solar en la que fuera su casa en la ciudad de Buenos Aires. Entre las exposiciones más recientes se destaca Xul Solar, presentada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid (2002).

 

 

Born Oscar Alejandro Agustín Schultz Solar on December 14th, 1887, in San Fernando, Province of Buenos Aires (Argentina), he began to study architecture which he soon abandoned to write poetry and prose.

In 1912 he went to England on board of the England Carrier and visited London, Paris and Torino. In this period he made small cartoons, tempera and oil landscapes.

By about 1916, he travelled to Florence, where he met Emilio Pettoruti. In this period he abandoned symbolism and adopted free geometry to create anthropomorphic figures and objects and his first “fantastic architectural structures”. He also began to include some wording in neocreole, a language he invented to make communication between Latin American carriers easier.

In 1920, he exhibited in Milano water-colours, tempera and oil paintings, this being his first exhibition, prologued by Emilio Pettoruti. In 1924, he took part in the exhibition of Latinamerican artists organised by the Maison de l’Amérique Latine y la Académie Internationale des Beaux-Arts, in the Musée Gallièra in Paris. In that same year, together with his friend Pettoruti, he returned to Buenos Aires and exhibited four paintings at the Salón Libre.

He frequently contacted the intellectuals who contributed to the Martin Fierro magazine, among them, Norah Lange, Victoria Ocampo, Oliverio Girondo, Macedonio Fernández and Jorge Luis Borges. He took part in the “Exposición de Pintores Modernos” (Exhibition of Modern Painters) organised by the Asociación Amigos del Arte on the occasion of Filippo Marinetti’s visit to Buenos Aires. He continued doing linguistic research and translations in neocreole.

In 1928 he illustrated “El idioma de los argentinos” (The language of the Argentinians) by Jorge L. Borges and created a series of works combining the I Ching hexagrams and neocreole. A year later, he organised his first individual exhibition in Buenos Aires at the premises of Amigos del Arte, which began to interest the public and the critics. During the 1930s he intensified his studies on Astrology, Philosophy and the connections between the planets.

He started to work on the creation of the panlingua —a number based language— and in 1935 he painted his first “Grafía”. A year later, he met Micaela Cárdenas, who became his wife ten years later. Between 1937 and 1939, he invented a chess game based on Astrology and developed his idea of the “Pan Klub” as a universal club. At the same time he spread his studies about the planets by means of lectures and conferences.

In 1953, in the catalogue on his one-man show held at the Van Riel Gallery, he published an Astrological classification of the schools of painting. In this period he made puppets for adults, altars, cabalistic monuments and his own tarot of 24 cards. In 1954 he established his studio on the Luján river, in the Tigre Delta, Province of Buenos Aires. Here he painted a series of architectural structures with letters and made some small-sized architectural drawings.

In this period, he finished the series of “Grafías” –pictorial writings– and the text portraits. He took part in important exhibitions held at the National Museum of Fine Arts, Buenos Aires (1960); Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro (1961) and Musée Nationale d’Art Moderne, Paris (1962). He published his writings in different magazines like Imán, in Paris, Azul, El Hogar, Revista Multicolor (suplement to the Crítica newspaper), Martín Fierro, Destiempo, Los anales de Buenos Aires, Lyra, Mirador and Publicidad Argentina, among other Argentine magazines.

He died on April 9th, 1963, in his Delta home, in Tigre, province of Buenos Aires. In 1993, his home in Buenos Aires was turned into a museum. The most recent exhibitions is “Xul Solar”, presented by the National Museum, Reina Sofía Art Center in Madrid (2002).

     
     
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