Escritos elegidos por el artista.
Writing chosen by the artist
Dan Flavin
fluorescentes
polos
se sacuden
titilan
flamean
fuera
opacan
monumentos
de
sobre
y
fuera
del arte
(Este "poema" data del 2 de octubre de 1961)
1965
Hasta ahora, he realizado un considerable intento por equilibrar la silenciosa luz eléctrica en la caja que es una sala, en un crucial concierto punto por punto, y, por otro lado, línea por línea. Esta dramática decoración fue fundada en la joven tradición de la revolución plástica que sacudió al arte ruso hace sólo 40 años. Mi alegría es tratar de construir a partir de esa experiencia "incompleta", de la manera en que creo conveniente.
(de la Sección "The Artists Say" de la edición de la revista Art voices del verano de 1965)
¿Qué ha sido el arte para mí?
En el pasado, lo he conocido (básicamente) como una secuencia de decisiones implícitas para combinar las tradiciones de pintura y escultura en la arquitectura con actos de luz eléctrica definiendo el espacio, y, recientemente, como propuestas estructurales más progresivas sobre éstos instrumentos vibrantes que separaron los reconocimientos del pasado y los aumentaron en insistentes modelos mentales que no debería descuidar. Quiero contar con más lámparas para la ocasión -al menos por el momento-.
(del ensayo autobiográfico "...in daylight or cool white")
1966
El arte es lo que un artista que se reconoce como tal piensa que es. Una generosidad de su comunicable resultado no está igualmente implicada.
1966 - 1973
"algunas observaciones..."
Como he dicho por varios años, creo que el arte se está desprendiendo del excesivo misterio por un sentido común de decoración realizada agudamente. El simbolismo está decayendo -deviniendo futil -. Estamos decayendo hacia un no-arte -un sentido mutuo de decoración psicológicamente indiferente- "un placer neutral de ver" conocido por todos.
Ahora sé que puedo reiterar cualquier parte de mi sistema de luz fluorescente de manera adecuada. Los elementos de las partes de ese sistema simplemente se modifican en la instalación de situación. No tienen la mirada de una historia. No siento ningún desarrollo estilístico o estructural de significados dentro de mi propuesta -sólo desviaciones de un énfasis partitivo- modificable sin cambio intrínseco.
Todos mis diagramas,
incluso los más viejos, parecen continuamente aplicables. Es
como si mi sistema sinonimizara sus estados pasados, presentes y
futuros sin incurrir en una pérdida de relevancia. Es curioso
sentirse autonegado a un desarrollo progresivo, aunque sea por pocos
años.
La luz eléctrica es sólo otro
instrumento. No tengo el deseo de generar fantasías
místicas o sociológicas más allá de
ella. De cualquier modo el arte del futuro y su falta
reducirán seguramente esas especulaciones a tontas
trivialidades...
...las lámparas se irán (como deberían hacerlo sin duda). De algún modo, creo que el cambiante sistema de luces deberá soportar mis ideas dentro suyo. Voy a tratar de mantenerme en este camino. Es necesario trabajar. El medio sostiene al artista...
...mi propia propuesta se ha transformado principalmente en una rutina interna de ubicar tubos fluorescentes. Fue mal llamada escultura por gente que debería saber
más. En el comienzo, y por un cierto lapso de tiempo, yo también fui tomado por fáciles reconocimientos de la luz fluorescente como imagen. Ahora sé que el tubo físico nunca fue disuelto o desaparecido por el campo físico de su propia luz. En una primera mirada parece ocurrir esto pero con una mirada más profunda, se ve que cada tubo mantiene sus contornos a pesar de su acto interno de luz ultravioleta. El hecho físico del tubo como objeto prevalece, sea prendido o apagado. (Todavía siento que el término compuesto "imagen-objeto" es el que mejor describe mi utilización del medio).
Lo que he escrito explica más ampliamente (incluso altera) las nociones contenidas en los últimos parágrafos de "...in daylight or cool white" y niega el interés por un pensamiento metafísico sobre la luz y las actividades visuales relacionadas con ella.
Mi dibujo no es inventivo en sí mismo, es un instrumento, no una resultante.
La propuesta de uno desafía aquello en lo que uno cree que el arte se transforma (su existencia). Preguntarse si el arte existe o no después de Duchamp se ha transformado en una pose intelectual. Sólo sirve para agrandar el ego y no vale mucho para el resto de los colegas.
1967
De una carta del 27 de abril de 1967 para Elizabeth C. Baker, editora de ArtNews:
No me parece que el equipo que yo despliego sea ni feo ni lindo.
"No hay
espacio para el misticismo en la denigración de Pepsi", es una cita mía para un estudio de artistas durante el año pasado. Quiero remarcar eso enfáticamente. Mis tubos fluorescentes nunca "se quemaron" deseando un dios.
Prefiero el término "propuesta" y me esfuerzo por usarlo correctamente. No conozco otro "trabajo" que mi arte.
Por algunos años, desarrollé un sistema de
diseño por diagramas para luz fluorescente en
situación. Por supuesto, no me dí cuenta
inmediatamente de esa conveniencia ni de sus fascinantes cambios
inherentes. Asumo que se desarrollaron sin mi reconocimiento
explícito o regular. Por otra parte, tuve que acumular una
cantidad de diagramas antes de poder obtener un tipo de
reciprocidad. Ahora, el sistema no procede, simplemente es aplicado.
Incidentalmente, descubrí que ningún diagrama es
inapropiado para mi archivo. Ninguno necesita ser prevenido,
suspendido o descartado por falta de calidad. Cada uno espera
solamente por coordinación, una y otra vez. A veces, ajustes
y nuevas variantes están implicados. Entonces, y sólo
entonces, pienso yo en mover mi lápiz de nuevo. Estoy
encantado con este entendimiento.
Sí, los equipos de luz fluorescente son poco funcionales para ubicar, particularmente lejos de una superficie lisa. Soy consciente de haber sido excesivamente cuidadoso con eso. Intento constantemente obtener claridad y distinción primero en el molde de los tubos y luego con las estructuras de soporte. Pero, con o sin color, nunca descuidé el diseño.
De una respuesta del
15 de junio de 1967
:
Encontré la invitación para participar en su objetable exhibición sin título sobre "arte minimalista". No disfruto la designación de mi propuesta como algo tan ambiguo, facetado, epitético, protohistórico como ese "movimiento". (Me doy cuenta de que esta contribución crítica no se originó con usted, pero usted la adoptó aparentemente con mucha credulidad).
Repentinas llamas de
Billy ¿Quién?, lasers a través de la noche,
"Luces Cancelando Orbitas", arte inepto de Cuartel, no me
informan acerca de mi esfuerzo. Esta propuesta es enteramente ahora
y lo ha sido. No requiere un embellecimiento tecnológico y
tampoco debe de disfrutar del tecnocrático arte de ciencia
ficción en tanto progreso cultural de realización
constante. Además, no me siento compelido a esperar un
día más maravilloso antes del hecho en la historia
promo-proto-art. No estoy ansioso por ofrecer una
especulación contra la posteridad. Me gusta pensar
aquí y ahora sin cohartadas morales.
Gracias por
perseverar. Yo también estoy exhausto.
Atentamente.
(firmado)
Rápido, disponible comprensión es aplicada por los participantes de mis instalaciones. (No se debería parar al arte más)
De
una respuesta del 17 de junio de 1967 a Jan van der Marck, director del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago:
...No me gusta el término "entorno" asociado a mi propuesta. Me parece que implica condiciones y quizás una invitación a una comfortable residencia. Un uso tal niega un sentido de artificio visual directo y difícil, en el mismo sentido en que confrontar la vibrante luz fluorescente por algún tiempo debería molestar a la mayoría de los participantes.
Igualmente, intento comprehensiones rápidas -entrar y salir de las situaciones-. Creo que uno tiene momentos explícitos con una luz -espacio- tan particular. Ahora, testimonié estos momentos en situaciones lo suficientemente frecuentes como para no ser agobiadas por ellos. Los conozco y los olvido suficientemente. Las instalaciones son completadas, iluminadas y desarmadas. La claridad prevalece en mi mente, después de todo.
... Antes de que me
olvide, por favor no se refiera a mi esfuerzo como escultura y a
mí como escultor. No manejo trabajos estáticos de tres
dimensiones, ni siquiera como los objetos específicos
juddianos de Barbara Rose. Me siento apartado de los problemas de la
pintura y la escultura, pero no hay necesidad de re-rotularme. De
cualquier modo, me di cuenta de que es necesario no ser un
substituto de la vieja ortodoxia.
De una respuesta del
11 de junio de 1967
para Ira Licht, un historiador del arte:
Francamente, siento que no tiene interés plantear el problema de si el arte dentro de la luz eléctrica podría ser también utilitario. De mi parte, no resistiría el "servicio público".
1972
No quiero imponer vaciamientos separados de ego escultural como obras públicas. No quiero rivalizar con la arquitectura y los espacios públicos insistentemente grandiosos. Lo he hecho en el pasado y pretendo continuar, entonces ahora adopten mi arte cuidadosa y públicamente. Pero eso es fácil para mí. Admiro el área de interés. (Incidentalmente, perdí lo que sentí como "el momento justo" para mi propia educación potencial en arquitectura por un tour obligatorio de cuatro años en el Servicio de clima Aéreo dentro de las fuerzas militares de las Naciones Unidas durante la guerra de Corea). Lo que encontré difícil, incluso riesgoso, en el servicio público, es mantener una diferenciación irónica entre lo que podía y lo que debía obtener para mí mismo, y posiblemente para los demás, entre el arte aparte y las soluciones ordinarias de diseño mecánico del trabajo a ser hecho -es decir, un artificio artístico intensamente pensado, sin uso, particularmente modelado y reiluminado, y discretamente balanceado con un establecimiento del número de lámparas suficiente para la iluminación funcional-. Pero el diseño y el arte aparentes deben ser procesados cada uno dentro del otro a la vez. Y finalmente, de la fusión constante, tuve que ser capaz de reconocer al arte porque lo prefiero. De otro modo, el interés y soporte a los artistas para exponer en público es todavía particularmente difícil en este país, pero dentro hay otro ensayo que no puedo perpetrar aquí y ahora.
(Este estatuto fue un aditamento al artículo "Notes on an exposition of cornered installations by Dan Flavin set to celebrate ten years of the Albright-Knox Art Gallery", por James Wood, del staff del mismo museo. Fue publicado en Studio International en diciembre de 1972).
1973
"...sobre dibujar y diagramar"
(del catálogo dibujos y diagramas 1963-1972 por Dan Flavin, Volumen 1, de Emily S. Rauh para una exposición del mismo nombre desde el 26 de enero al 1 de marzo de 1973, en el St. Louis Art Museum).
Llegué a entender que, para mí, dibujar y diagramar son fundamentalmente lo poco que implica mantener un registro de pensamiento, de cualquier modo, para cualquier cosa, en cualquier momento. Dentro de mi sistema recíproco para luz fluorescente, una retención continua tal es constantemente requerida. Uno nunca sabe cuando las anotaciones pasadas serán reasumidas como relativamente pertinentes. El sistema es activo en tanto puedo pensar dentro de él y para él. Ahora, estoy mayormente satisfecho con mi entendimiento.
1974
A mediados de los 60, el arte formal del grabado devino en América principalmente una mímica reductiva de los problemas pictóricos (con reproducciones expresivas mimeo-foto- copiadas esperando ser vistas y reexaminadas en algún momento). Por lo tanto, esos procesos soportados por el color en pantallas de seda, litografías e inclusos litografías de foto offset, etc. tuvieron un uso enfático -y un abuso de la impersonal, no hecha a mano, grande hasta lo "ilimitado", meramente mecánica y comercial reproducción.
El dibujo directamente hacia la pintura a través del drypoint, del grabado, de la litografía, etc. devino relativamente ignorado. Fue como la mayoría de los artistas pensaron que no podían encontrar un uso nuevo para esos simples y rectos significados dispuestos tan bien a través de siglos por Durero, Rembrandt, Goya, Daumier, Whistler, Degas y Toulousse-Lautrec.
Bien, finalmente, después de algunos años de intermitentes consideraciones y hesitaciones sobre la práctica de la pintura, me determiné a dibujar para pintar, también. Y siento que este presente simple bosquejado de litografías "-para una luz fluorescente circular de pared", una vez más promueve la actitud suficientemente-.
(Este estatuto fue preparado para Multiples Newsletter de mayo de 1974.)
1975
No soy un diseñador pretensioso tan egoístamente compelido en demostrar el magnífico artificio gráfico, de una aparente infinitud, incluso de infatigable a tedioso, rasgos de lápiz, de lapicera y brocha. No tengo tiempo para eso; no obstante, cuando dejo de registrar una idea (lo cual no sucede siempre), debo poner observaciones resumidas, impetuosas, repentinas abreviaturas en una hoja de un cuaderno de anotaciones, íntimas, idiosincráticas y sinópticas (por ahora, principalmente "mi estilo"). Que un sistema modular y arquitectónico, extensivo e impresivo se proponga de este modo, es sólo otra de esas terribles ironías del arte. Y yo tengo éxito con ellas.
Estos memos míos tan personales no se llevan bien con el desinteresado aislamiento del encuadre exhibicional, pero, cuando podés elegir examinar algunos de ellos, por favor tratá de entender que Franz Meyer y yo podemos difícilmente ofrecer tantos trabajos en papel en su ordinario buen gusto, en su pretensiosa ubicación general en los museos, de cualquier modo.
Y Franz y yo elegimos proveer tanto de un período de tiempo tan relativamente resumido, reciente (principalmente de 1972-1975) para ser exhaustivamente informativos con aquellos de ustedes que podrían querer un estudio así. De cualquier modo, por favor no se abrumen con todo, pásenlos y, disfruten un poco.
Dan Flavin.
(Este estatuto fue preparado para la exposición de dibujos, diagramas, pinturas y posters con dos instalaciones de luz fluorescente por Dan Flavin, Kunstmuseum Basel, del 8 de marzo al 16 deabril de 1975).
fluorescent
poles
shimmer
shiver
flick
out
dim
monuments
of
on
and
off
art
(This "poem" is dated October 2, 1961.)
1965
Thus far, I have made a considered attempt to poise silent electric light in crucial concert point to point, line
by line and otherwise in the box that is a romm. This dramatic decoration has benn founded in the young tradition of a plastic revolution which gripped Russian art only forty years ago. My joy is to try to build from that "incomplete" experience as I see fit.
(from The Artists Say section of the Summer,
1965 edition of art voices magazine)
What has art been for me?
In the past, I have known it (basically)as a sequence of implicit decisions to combine traditions of painting and sculpture in architecture with acts of electric light defining space and, recently, as more progressive structural
proposals about these vibrant instruments which have severalized past recognitions and increased them into almost effortless yet insistent mental patterns which I may not neglect. I want to reckon with more lamps on occasion -at least for the time being.
(from the
autobiographical essay "...in daylight or cool
white")
1966
Art is what a self-recognized artist thinks it to be. A generosity of his communicable result is not even implied.
1966-1973
"some remarks..."
As I have said for several years, I believe that art is shedding its vaunted mystery for a common sense of keenly realized decoration. Symbolizing is dwindling -becoming slight. We are pressing downward toward no art- a mutual sense of psychologically indifferent decoration - a neutral pleasure of seeing known to everyone.
I know now that I can reiterate any part of my fluorescent light system as adequate. Elements of parts of that system simply alter in situation installation. They lack the look of a history. I sense no stylistic or structural development of any significance whitin my proposal -only shifts in partitive emphasis- modifying and addable without intrinsic change.
All my diagrams, even the oldest, seem applicable again and continually. It is as though my system synonymizes its past, present and future states without incurring a loss relevance. It is curious to feel self-denied of a progressing development, if only for a few years.
Electric light is just another instrument. I have no desire to contrive fantasies mediumistically or sociologically over it or beyond it. Future art and the lack of that would surely reduce such squandered speculations to silly trivia anyhow...
... the lamps will go out (as they should, no doubt). Somehow I believe that the changing standard lighting system should support my idea within it. I will try to maintain myself this way. It may work out. The medium bears the artist...
...my own proposal has become mainly an indoor routine of placing strips of fluorescent light. It has benn mislabeled sculpture by people who should know better.
In the beginning, and for some time thereafter, I, too, was taken with easy, almost exclusive recognitions of fluorescent light as image. Now I Know that the physical fluorescent light tube has never dissolved or disappeared by entering the physical field of its own light as you have stated. At first sight, it appeared to do that, especially when massed tightly with reciprocal glass reflections resulting as within "the nominal three" but then, with a harder look, one saw that each tube maintained steady and distinct contours despite its internal act of ultra-violet light which caused the inner fluorescent coating of its glass container to emit the visible light. The physical fact of the tube as object in place prevailed whether switched on or off. (In spite of my emphasis here on the actuality of fluorescent light, I still feel that the composite term "image-object" best describes my use of the medium.)
What I have written further explains (it even alters) notions contained in the last paragraphs of "...in daylight or cool white" and denies current interest on my part in what appears to be metaphysical thought about light and related visual activity.
My drawing is not at all inventive about itself, it is an instrument not a resultant.
One's proposal challenges what one thinks art might become (even its existence). Asking out about whether or not art exists has developed into an intellectual pose after Duchamp's lead. It is gilding the ego and not worth much to one's colleagues.
1967
From a letter of April 27, 1967 to Miss Elizabeth C. Baker, Managing Editor of Art News:
The equipment which I deploy seems to me to be neither ugly nor handsome.
"There is no room for mysticism in the Pepsi denigration", is a quote of mine for a survey (of artists) during the last year. I mean tha remark emphatically. My fluorescent tubes never "burn out" desiring a god.
I prefer the term
"proposal" and endeavor to use it accurately. I know no "work" as my art.
For a few years, I have deployed a system of diagramming designs for fluorescent light in situations. Of course, I was not immediately aware of that convenience and its inherently fascinating changes. I assume that it "developed" without my explicit or regular recognition. Also, a number of diagrams had to accumulate before a kind of reciprocity could obtain. Now, the system does not proceed; it is simply applied. Incidentally, I have discovered that no diagram is inappropriate for my file. None need be prevented, suspended or discarded for lack of quality. Each one merely awaits coordination again and again. Sometimes, adjustments or new variants are implied. Then, and only then, do I think to move my pencil once more. I am delighted by this understanding.
Yes, fluorescent light fixtures are unwieldy to place, particularly away from a flat surface. I am conscious about being exceedingly careful with that part. I aim constantly for clarity and distinction first in the pattern of the tubes and then with that of the supporting pans. But, with or without color, I never neglect the design.
From a reply of June 15,
1967
:
I find the invitation to participate in your untitled "minimal art" exhibition objectionable. I do not enjoy the designation of my proposal as that of some dubious, facetious, epithetical, proto-historic "movement". (I realize that this critical contrivance did not originate with you, but you have adopted it with such apparent gullibility.)
Impromptu flickers from Billy Who?, lasers through the night, "Lights Cancelling Orbits", numbered avenings of inept art on technotivity in the Armory do not inform me about my effort. That proposal is whole now and has been so. It requires no technological embellishment nor must it join the technocratic, "sci-fic" art as progress cult for continuing realization. Moreover, I do not feel compelled to hope for a more wonderful day before the fact in promo-proto-art history. I am not anxious to prefer to speculate against posterity. I like thinking here and now without sententious alibis.
Thank you for persevering. I am exhausted, too.
Best wishes and best regards to you.
(signed)
Quick, available comprehension is intended for participants in my installations. (One should not have to pause aver art any longer.)
From a reply of June 17,
1967
to Jan van der Marck, director of the Museum of Contemporary Art in Chicago:
...I do not like the term "environment" associated with my proposal. It seems to me to imply conditions and perhaps an invitation to comfortable residence. Such usage would denu a sense of direct and difficult visual artifice in the same sense that to confront vibrating fluorescent light for some time ought to be disturbing for most participants.
Also, I intend rapid comprehensions - get in and out situations. I think that one has explicit moments with such particular light - space. Now, I have witnessed these moments in situations frequently enough not to be burdened by them. I know them and forget sufficiently. The installations are completed, lighted and disassembled. Clarity obtains in my mind, after all.
...Before I forget, please do not refer to my effort as sculpture and to me as sculptor. I do not handle and fashion three-dimensioned still works, even as to Barbara Rose's Juddianed "specific objects". I feel apart from problems of sculpture and painting but, there is no need to re-tag me and my part. I have realized that there need not be a substitute for old orthodoxy anyhow.
From a reply of June 11, 1967
to Ira Licht, an art historian:
Frankly, I feel that there is no interest in posing a problem as to whether art within electric light could also be utilitarian. For myself, I would not resist "public service".
1972
I don't want to impose separate sculptural ego dumps as public works. I don't want to rival architecture and public spaces insistently grandiosely. I have in the past and do intend to continue so now adapt my art carefully and complementary publicly. But that's easy for me. I admire the area of interest. (Incidentally, I lost what I sensed was "the right time" for my own potential education in architecture to a four-year tour of duty, mainly with the Air Weather Service within United Nations military forces during the past Korean War.)
What I have found to be difficult, even risky, in public service, and what may continue to be, is maintaining an ironic differentiation between what I must and might have for myself, and possibly for others, as art apart and the ordinary mechanical design solutions of the job to be done - say, useless, intensely thought artifice of art, particularly patterned and lighted once more, and discreetly balanced with an arrangement of sufficient numbers of lamps for useful illumination. But apparently art and design must be processed within each other at once. And finally, from the constant fusion, I have to be able to recognize art because I prefer it. Otherwise, broad concern and support for artists to perform in public is still principally waining in this country, but therein is another essay which I cannot perpetrate here and now.
(This statement was an addendum to an article "Notes on an exposition of cornered installations by Dan Flavin set to celebrate ten years of the Albright-Knox Art Gallery" by James Wood of the staff of that museum. It was published in Studio International in December, 1972.)
1973
"...on drawing and diagramming"
(From the catalogue drawings and diagrams 1963-1972 by Dan Flavin, Volume 1, of Emily S Rauh for an exposition of the same name from January 26 through March 1, 1973 in the St. Louis Art Museum.)
I have come to understand that, for me, drawing and diagramming are mainly what little it takes to keep a record of thought however to whatever use whenever. Within my reciprocating system for fluorescent light, such continuous retention is constantly required. One never knows when former notations will become reassumed as relatively pertinent. The system is as active as I can think within and for it. Now, I am mostly satisfied with my understanding.
1974
By the mid 1960's, formal artistry of printmaking in America had become principally a reductive mimicry of painting problems (with wordy, reproductive mimeo-photo-copying remaining to be seen and re examined thensome thereafter) therefore, those painterly colour bearing processes of silkscreen, lithography and even photo-offset lithography, etc. got emphatic use - and abuse for impersonal, non-handmade, big to "unlimited" editioning as though merely mechanical commercial reproduction.
Drawing directly toward printing through drypoint, etching, crayoned lithography, etc. became relatively neglected. It was as though most artists could find no further use for those simply straight forward means disposed so well through centuries past by Dûrer, Rembrandt, Goya, Daumier, Whistler, Degas, and Toulouse-Lautrec.
Well, finally, after some years of intermittent consideration and hesitation about practicing printing at all, I've determined to draw to print, too. And I sense that this present simply sketched set of lithographs, "-for one walled circular fluorescent light", once again advances the attitude sufficiently.
(This statement was
prepared for the Multiples Newsletter, May 1974.)
1975
I
am just not that pretentious draughtsman so egotistically compelled to demonstrate the masterly artifice of a would be great graphic craft, of seemingly endless, even tireless to tiresome, flourishes of pencil, pen and brush. I haven't time for that; for, when I stop to record an idea (which isn't always), I must put brief, impetuous marks, sudden summary jottings within 3 x 5 inches of a ringed back notebook page, those of a kind of intimate idiosyncratic, synoptic shorthand (by now, mainly my "style"). That an extensive and impressive modular-architectural system of circular fluorescent light may become proposed thusly is just another of those terrific ironies of art. And I thrive on them.
These so personal memos of mine don't take well to the detached isolation of exhibitional framing, but, when you might choose to examine some of them, please try to understand that Franz Meyer and I can hardly offer so much paper work to you in his ordinarily tasteful, pretentious, general museum setting otherwise.
And Franz and I have elected to provide so much from such a relatively brief, recent period of time (principally form 1972-1975) in order to be exhaustively informative for those of you who might want such study. Nevertheless, please don't be overwhelmed with all, pass them by and, hopefully, enjoy yourself a bit.
Best regards, Dan Flavin
(This
statement was prepared for the exposition of drawings, diagrams,
prints and posters with two installations in fluorescent light by
Dan Flavin, Kunstmuseum Basel, March 8 to April 16, 1975.)
