{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

KAWS
{NOTA_BAJADA}

HOLIDAY SPACE, 2020
El 17 de agosto de 2020, el artista lanzó al espacio esta icónica figura para celebrar el 20º aniversario del personaje. Utilizando un globo aerostático, la escultura KAWS: HOLIDAY SPACE fue enviada a 41,5 km de altura en la estratosfera, y dio un paseo de dos horas en gravedad cero antes de regresar a la Tierra. En 2020 se lanzó una versión en realidad aumentada de HOLIDAY SPACE con una superficie reflectante que responde a su entorno.

KAWs convoca al público más allá de los museos y galerías en los que expone regularmente. Su prolífica producción abarca el mundo del arte y el diseño, e incluye pinturas, murales, diseño gráfico, productos de consumo masivo, arte callejero y esculturas a gran escala. A lo largo de las dos últimas décadas, KAWS se ha forjado una exitosa carrera con obras que muestran constantemente su gran agilidad formal como artista, así como su ingenio subyacente, su irreverencia y su afecto por nuestro tiempo. Su refinado lenguaje gráfico revitaliza la figuración tanto con gestos grandes y audaces como con complejidades lúdicas.

Web oficial: https://kawsone.com/password 

{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

Olafur Eliasson
{NOTA_BAJADA}

WUNDERKAMMER series (2020) 
La serie WUNDERKAMMER es una fascinante colección de elementos naturales, pequeñas obras fruto de experimentos realizados en el estudio del artista, concebidas especialmente para la realidad aumentada. Estas piezas combinan lo conocido con movimientos sorprendentes y acciones inesperadas, desde un sol brillante y un arcoiris resplandeciente, hasta una nube que emite lluvia que invita a la contemplación y a una experiencia inmersiva en la obra.

Las obras del artista Olafur Eliasson (Islandia/Dinamarca, 1967) exploran la relevancia del arte en el mundo en general. Desde 1997, sus variadas exposiciones individuales, con instalaciones, pinturas, esculturas, fotografías y películas, han aparecido en los principales museos del mundo. En 2003, representó a Dinamarca en la 50ª edición de la Bienal de Venecia, y ese mismo año instaló el proyecto The weather en la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. Entre los proyectos de Eliasson en el espacio público destacan The New York City Waterfalls, 2008; Fjordenhus, Vejle, 2018; y Ice Watch, 2014. En 2012, Eliasson fundó la empresa social Little Sun y, en 2014, fundó con Sebastian Behmann Studio Other Spaces, una oficina de arte y arquitectura. Desde 1995 el Studio Olafur Eliasson en Berlín cuenta con un amplio equipo de artesanos, arquitectos, archiveros, investigadores, administradores, cocineros, programadores, historiadores del arte y técnicos especializados que se encargan del desarrollo de cada proyecto.

Web oficial: www.olafureliasson.net

 

{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

Koo Jeong A
{NOTA_BAJADA}

Density | Prerequisites 7 series (2019)
Las obras efímeras de Koo Jeong A suelen destacar objetos cotidianos aparentemente sin importancia, que a menudo rozan lo invisible. Sus imágenes exploran la poética de la vida cotidiana de forma humorística y dentro del medio de la realidad aumentada cobran vida. Density comenzó con dibujos a bolígrafo extraídos de su libro de artista Nomos Alpha (2018) más adelante renderizados en 3D. Mediante el mapeo del entorno, el objeto flotante y translúcido refleja y refracta el entorno de dondequiera que se coloque: desde una ciudad bulliciosa hasta las tranquilas profundidades de un jardín. 

Desde principios de la década de 1990, Koo Jeong A ha realizado obras aparentemente casuales y comunes, pero al mismo tiempo notablemente precisas, deliberadas y consistentes. Sus reflexiones sobre los sentidos y el cuerpo incorporan objetos, imágenes fijas y en movimiento, elementos de audio y aromas. Muchas de sus obras están concebidas en lugares específicos que cuestionan los límites de la realidad, la ficción y el imaginario de nuestro mundo. Koo Jeong A considera la conexión de energías entre un lugar y las personas, confiando en el azar como motor de sus encuentros. La artista fue nombrada artista del año en 2016 por el Centro Cultural Coreano del Reino Unido. Entre las exposiciones individuales y encargos recientes se encuentran: ajeongkoo, Art Sonje Center en Seúl (2017); Enigma of Beginnings, Yuz Project Room en el museo Yuz de Shanghái (2016); Koo Jeong A x Wheelscape: Evertro, en el parque Everton en Liverpool (2015) y Oussser, Fondazione La Raia en Novi Ligure, Italia (2014).

Web oficial: https://www.koojeonga.com

{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

Tomás Saraceno
{NOTA_BAJADA}

Maratus speciosus | Webs of Life series (2020)
Maratus speciosus, de la serie Webs of Life es un experimento de bio y tecnodiversidad, hacia la realidad aumentada por la justicia medioambiental en la era del calentamiento global y la sexta extinción masiva. El proyecto de Saraceno propone nuevas vías especulativas y tecnológicas para cultivar las relaciones afectivas entre las arañas y los humanos, aprovechando las herramientas digitales para fomentar el parentesco multiespecífico en la tecnosfera y la biosfera.

La obra de Tomás Saraceno (San Miguel de Tucumán1973) contempla las relaciones éticas con los reinos terrestres, atmosféricos y cósmicos. Su obra profundiza en la comprensión de la justicia medioambiental y la cohabitación entre especies, su producción es llevada a cabo a través de esculturas flotantes e instalaciones inmersivas como Aerocene y Arachnophilia. Aracnofilia es una comunidad interdisciplinar sin ánimo de lucro de investigación sobre arañas y telas de araña. Se basa en las innovaciones surgidas de la investigación colaborativa de Saraceno sobre las arquitecturas, los materiales, los modos de señalización vibracional y el comportamiento de las arañas y las telas de araña. A través de esta comunidad, Arachnophilia explora conceptos e ideas relacionados con los arácnidos y sus ecosistemas a través de múltiples disciplinas artísticas, científicas y teóricas, incluyendo la comunicación vibracional, la biotermodinamica, la arquitectura, la ingeniería, la etología animal, la filosofía no humana, la antropología, la biodiversidad/conservación, los estudios sonoros y la música.

Web oficial: https://studiotomassaraceno.org

{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

Lu Yang
{NOTA_BAJADA}

Gigant DOKU (2020) 

En la primera colaboración de Lu Yang con Acute Art, el avatar digital del artista, DOKU, se apodera del mundo físico en forma de superhéroe gigante danzante. La obra de realidad aumentada, titulada Gigant DOKU, incorpora datos de imágenes de captura de movimiento de Tokio y Bali recopilados durante el BMW Art Journey del artista.
 

Lu Yang (1984) es un artista multimedia graduado del Departamento de Arte de Nuevos Medios de la Academia de Arte de China. Su práctica está profundamente inmersa en las subculturas del anime, los videojuegos y la ciencia-ficción. Su producción artística abarca películas animadas en 3D, instalaciones de videojuegos, hologramas, neón, realidad virtual y manipulación de software, a menudo con claras referencias al manga y al anime japonés. Su obra se ha expuesto en el Kulturforum de Berlín, el Centro Pompidou de París, el M Woods de Pekín, la Bienal de Shanghai y la Bienal de Atenas. Lu Yang fue anunciado como galardonado con el BMW Art Journey durante Art Basel en Basilea en 2019. Actualmente reside en Shanghái.

Web oficial: http://luyang.asia

{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

Nina Chanel Abney
{NOTA_BAJADA}

Imaginary Friend (2020)
Imaginary Friend (Amigo Imaginario) nos cuenta la historia de un personaje con reminiscencia religiosa, un sabio que intenta dar una bendición a un amigo, pero éste la rechaza porque no cree que le vaya a pasar nada bueno. Al final, esta figura nos deja con la frase "a veces creemos que nada bueno puede sucedernos, así que no lo hacemos". Abney se inspiró en las hadas madrinas de los dibujos animados que entran en juego para ofrecer orientación. Esta historia puede interpretarse de múltiples maneras dadas nuestras circunstancias en el mundo contemporáneo. Es el deseo de la artista que esta obra traiga más interrogantes.

Las obras de Nina Chanel Abney combinan la abstracción con la representación para captar el ritmo frenético de la vida contemporánea. Aborda temas tan diversos como la raza, las celebridades, la religión, la política, el sexo y la historia del arte. El efecto es una sobrecarga de información, equilibrada con una especie de orden espontáneo, donde el tiempo y el espacio se comprimen y la identidad es intercambiable. Su estilo, característicamente audaz, aprovecha el flujo y la simultaneidad que han llegado a definir la vida en el siglo XXI. Abney nació en Chicago, actualmente vive y trabaja en Nueva York

Su obra es parte de colecciones de todo el mundo, como el Museo de Brooklyn, la Colección de la Familia Rubell, el Museo del Bronx y la Colección Burger de Hong Kong. Su primera exposición individual en 2017 recorrió los Estados Unidos, desde el Museo de Arte Nasher, en Carolina del Norte, hasta el Centro Cultural de Chicago y luego en Los Ángeles, donde fue presentada conjuntamente por el Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y el Museo Afroamericano de California. La última sede de la exposición fue el Museo de Arte de Neuberger en Purchase, Nueva York.

Web oficial: https://ninachanel.com

 

{NOTA_EPIGRAFE_1}

{NOTA_EPIGRAFE_2}

{NOTA_EPIGRAFE_3}

{NOTA_EPIGRAFE_4}

{NOTA_EPIGRAFE_5}

{NOTA_EPIGRAFE_6}

Julie Curtiss
{NOTA_BAJADA}

Julie Curtiss (1982) es una artista francesa que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Trabaja con pintura, dibujo, escultura y grabados. Recibió su BA y MFA de la Escuela nacional superior de Bellas Artes en París, Francia. Ha realizado exposiciones individuales en White Cube (Londres), Anton Kern Gallery (Nueva York) y Various Small Fires (Los Ángeles), así como ha participado en exposiciones colectivas en el Mass (Tokio), el Nassau County Museum (Nueva York), Clearing (Nueva York), entre otros. Su trabajo se encuentra en la colección de varios museos, incluidos el MCA Chicago, el Museo de Arte de Columbus, el Centro de Arte Walker, LACMA y el Museo del Bronx. Recibió el programa de residencias Sharpe Walentas en 2019 y su trabajo ha sido reseñado y presentado en FT How to gast it, Vogue Magazine, Artnet, Artsy, The Times London, W Magazine y LA Times, por mencionar unos pocos. Julie es representada por Anton Kern Gallery y White Cube.

Web oficial: https://www.juliecurtiss.com