KAWS | HOLIDAY SPACE, 2020
Augmented reality
En celebración del 20 aniversario del personaje COMPANION, KAWs junto a Acute art lanzó la pieza de realidad aumentada Holiday Space, un nuevo trabajo gratuito del artista, que no sólo reconoce la veintena de años de esta figura icónica sino que se adapta a los tiempos que corren: la tecnología de avanzada y el confinamiento por la pandemia del Covid-19. KAWs sostiene: “Muchos proyectos han sido cancelados este año. Quería crear uno que pudiera experimentarse de forma segura desde casa. Debido a que este año se cumplen 20 años desde que creé COMPANION, traté de encontrar una forma de sortear todas las restricciones y hacer algo especial”. (...) “Cuando me di cuenta de la calidad que se podía lograr y experimentar en AR, inmediatamente me atrajo su potencial. He estado creando objetos y exhibiendo obras en espacios públicos a lo largo de mi carrera, y esto me permite expandirme en un campo completamente nuevo. Las posibilidades de ubicación y escala son infinitas, y estoy emocionado de comenzar un nuevo diálogo en este medio”.
Brian Donnelly (Nueva Jersey, 1974), conocido profesionalmente como KAWs, es un artista y diseñador de ediciones limitadas de juguetes y vestuario. Considerado uno de los grandes exponentes del art toy, el artista produce esculturas o juguetes que se relacionan con dos elementos claves: la nostalgia y la colección. Sus piezas pueden ser adquiridas en un circuito paralelo a los museos y galerías, dado que están a la venta con precios elevados. KAWs convoca al público más allá de los museos y galerías en los que expone regularmente. Su prolífica producción abarca el mundo del arte y el diseño, e incluye pinturas, murales, diseño gráfico, productos de consumo masivo, arte callejero, grafitis y esculturas a gran escala. A lo largo de las dos últimas décadas, KAWs lleva adelante una carrera con obras que muestran su gran agilidad formal como artista e ingenio subyacente, su irreverencia y su afecto por nuestro tiempo. Los art toys se centran en reproducciones de Mickey Mouse, Pinocho, Astro Boy, Bob Esponja, el Hombre Michelín, los Pitufos, entre otros, figuras mundialmente conocidas a las que les agrega su sello característico: ojos simulados por un par de tachaduras y rostro y cuerpo alargados.
Web oficial: https://kawsone.com/password
Olafur Eliasson | WUNDERKAMMER series, 2020
Augmented reality
La serie WUNDERKAMMER es una colección de elementos naturales, pequeñas obras fruto de experimentos realizados en el estudio del artista, concebidas especialmente para la realidad aumentada. Estas piezas combinan lo conocido con movimientos sorprendentes y acciones inesperadas, desde un sol brillante hasta una nube que emite lluvia que invita a la contemplación y a una experiencia inmersiva en la obra.
En una de las salas de exposición, se encuentra una nube lluviosa que riega un pequeño cantero con flores, donde podemos identificar bignonias, Consolida regalis o “espuelas de caballero” y flores silvestres con una profusa vegetación, llamada Courageous flowers and uncertain cloud. Al enfocar con el teléfono sólo la nube, se pueden observar relámpagos y una tormenta que se avecina.
Por otro lado, Solar Friend, 2020 un vibrante sol amarillo es el protagonista de la pieza de realidad aumentada que se encuentra en la librería. “Iluminando” una gran sala de libros y pensamientos varios, se ubica este sol flotante que obliga a los espectadores a elevar la cabeza sobre la gran claraboya de Proa consiguiendo un punto de fuga que dirige la mirada hacia el cielo.
Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) es un artista danés que vive y trabaja entre Copenhague y Berlín. Estudió de 1989 a 1995 en la Real Academia Danesa de Bellas Artes y en 1995 se trasladó a Berlín y fundó Studio Olafur Eliasson, hoy en día integrado por un gran equipo de artesanos, arquitectos, archiveros, investigadores, administradores, cocineros, programadores, historiadores del arte y técnicos especializados. Sus obras, esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones a gran escala, están realizadas a partir de reflexiones y materiales como la luz y el agua, y juegos con elementos como la temperatura del aire que sorprenden a espectadores de todo el mundo. En 2003, representó a Dinamarca en la 50a edición de la Bienal de Venecia, y ese mismo año instaló el proyecto The weather en la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. Entre sus proyectos en el espacio público, se destacan The New York City Waterfalls, 2008; Fjordenhus, Vejle, 2018; y Ice Watch, 2014. En 2012, Eliasson fundó la empresa social Little Sun, que ha producido y distribuido lámparas y cargadores solares para usar en comunidades sin conexión a la red, y ha trabajado para crear conciencia sobre la necesidad de ampliar el acceso a energía limpia y sostenible. En 2014, junto a Sebastian Behmann creó Studio Other Spaces, una oficina de arte y arquitectura. Como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín, dirigió el Institut für Raumexperimente (Instituto de Experimentos Espaciales; 2009–14), un programa experimental de cinco años en educación artística. En 2019, Eliasson fue nombrado Embajador de Buena Voluntad para las energías renovables y la acción climática por el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo.
Web oficial: www.olafureliasson.net
Tomás Saraceno | Maratus speciosus | Webs of Life series, 2020
Augmented reality
Es un experimento de bio y tecnodiversidad, hacia la realidad aumentada por la justicia medioambiental en la era del calentamiento global y la sexta extinción masiva. Destruir la telaraña destruye la araña. El proyecto de Saraceno propone nuevas vías especulativas y tecnológicas para cultivar las relaciones afectivas entre las arañas y los humanos, aprovechando las herramientas digitales para fomentar el parentesco multiespecífico en la tecnósfera y la biósfera.
La obra de Tomás Saraceno (San Miguel de Tucumán, 1973) contempla las relaciones éticas con los reinos terrestres, atmosféricos y cósmicos. Su obra profundiza en la comprensión de la justicia medioambiental y la cohabitación entre especies, llevada a cabo a través de esculturas flotantes e instalaciones inmersivas. Sus obras alrededor del mundo reflexionan sobre conceptos que vinculan el arte, las ciencias de la vida y las ciencias sociales. Enredado en la unión de diferentes cosmos, sus esculturas flotantes, proyectos comunitarios e instalaciones inmersivas proponen una solidaridad sensorial con el planeta a través de una ecología de práctica social, mental y ambiental. Desde hace más de una década, imagina un mundo libre de carbono, extractivismo, capitalismo, patriarcado y combustibles fósiles que inflaman algunas formas de vida. En una colaboración poco ortodoxa con las telas cósmicas, el aire, las telarañas y las comunidades indígenas, las energías convergen en una nueva práctica de solidaridad. En nuestra era de emergencia climática, cuando los ecosistemas están en riesgo, el trabajo de Saraceno se lleva a cabo a través de los proyectos iniciados por el artista, Aerocene y Arachnophilia. Aracnofilia es una comunidad interdisciplinar sin ánimo de lucro de investigación sobre arañas y telas de araña. Se basa en las innovaciones surgidas de la investigación colaborativa de Saraceno sobre las arquitecturas, los materiales, los modos de señalización vibracional y el comportamiento de las arañas y las telas de araña. A través de esta comunidad, Arachnophilia explora conceptos e ideas relacionados con los arácnidos y sus ecosistemas a través de múltiples disciplinas artísticas, científicas y teóricas, incluyendo la comunicación vibracional, la biotermodinamica, la arquitectura, la ingeniería, la etología animal, la filosofía no humana, la antropología, la biodiversidad/ conservación, los estudios sonoros y la música.
Durante más de dos décadas, ha activado proyectos encaminados a una colaboración ética con la atmósfera, entre ellos el Museo Aero Solar (2007-) y la Fundación Aerocene (2015-), una organización sin fines de lucro dedicada a la construcción de comunidades, investigación científica, experiencia artística y educación.
Web oficial: https://studiotomassaraceno.org
Julie Curtiss | Lune, 2020 augmented reality
“Lune”, la primera pieza de realidad aumentada de Curtiss presenta a un personaje femenino y desnudo de espaldas, a la que nunca podemos conocerle el rostro. Cada vez que el espectador/a se acerca con su teléfono para rodearla, ella gira su cabeza y cambia de posición, de manera de darnos siempre la espalda. Mujeres mujeres sin rostro e inclusive Mamuschkas, las tradicionales muñecas dentro de muñecas, son algunas de las piezas en las que está trabajando actualmente la artista con un gran componente de humor e ironía, para cuestionar prejuicios y mandatos sobre género e identidad.
Julie Curtiss (Brooklyn, Nueva York, 1982) estudió en l'Ėcole des Beaux-Arts antes de mudarse primero a Japón y luego a Nueva York, donde ahora vive y trabaja. Sus obras combinan pintura, dibujo, escultura y grabado. Recibió su BA y MFA de la Escuela nacional superior de Bellas Artes en París. Ha realizado exposiciones individuales en White Cube (Londres), Anton Kern Gallery (Nueva York) y Various Small Fires (Los Ángeles), y numerosas exposiciones colectivas. Recibió el programa de residencias Sharpe Walentas en 2019 y su trabajo ha sido reseñado y presentado en FT How to gast it, Vogue Magazine, Artnet, Artsy, The Times London, W Magazine y LA Times, entre otras. Curtiss es representada por Anton Kern Gallery y White Cube.
Empleando un lenguaje visual muy estilizado, se basa en una historia de la pintura figurativa que incluye la pintura francesa de los siglos XVIII y XIX, así como los Imagists de Chicago y las imágenes "pop" de los cómics, el manga y la ilustración. Su tema se centra en el cuerpo femenino, a través de detalles deconstruidos y fragmentados como cabezas o piernas, o de los símbolos de la "feminidad" estereotipada como uñas largas, el cabello suelto o los tacones altos. De manera similar a los pintores postimpresionistas, Curtiss extrae sus temas de la vida cotidiana contemporánea, representando pequeños detalles en composiciones recortadas con fuerte carga erótica y una sensación cinematográfico-onírica de poses precisas e inquietantes. A través del uso de yuxtaposiciones inesperadas, de sujeto con objeto, de lo visto y lo implícito, sus obras están imbuidas de un humor directo e inexpresivo, que revela lo siniestro del comportamiento humano con matices surrealistas. “En mis imágenes, -sostiene- disfruto de la complementariedad del humor y la oscuridad, lo extraño y lo mundano, las formas grotescas y los colores vivos”.
Web oficial: https://www.juliecurtiss.com
Koo Jeong A. | Density | Prerequisites 7 series, 2019
Augmented reality
Las obras efímeras de Koo Jeong A suelen destacar objetos cotidianos aparentemente sin importancia, que a menudo rozan lo invisible. Sus imágenes exploran la poética de la vida cotidiana de forma humorística y dentro del medio de la realidad aumentada, cobran vida. Density comenzó con dibujos a bolígrafo extraídos de su libro de artista Nomos Alpha (2018) más adelante renderizados en 3D. Mediante el mapeo del entorno, el objeto flotante y translúcido refleja y refracta el entorno de dondequiera que se coloque: desde una ciudad bulliciosa hasta las tranquilas profundidades de un jardín.
Koo Jeong A. (Korea, 1984) pero "vive y trabaja en todas partes". Su obra incorpora fenómenos intersubjetivos, rasgos digitales e imaginarios con la capacidad de transformarse en esculturas y pinturas a gran escala. El cine, la animación, el sonido y los olores se combinan con sus piezas para reinventar el espacio arquitectónico. Las reconfiguraciones site specific del artista abren portales narrativos, donde los diversos medios se combinan con elementos naturales como el viento o la gravedad y el campo electromagnético. De esta manera, se conjuran realidades alternativas no solo geográficamente sino también en sentido astral, rastreando la poesía que impregna su universo único. Muchas de sus obras están concebidas en lugares específicos que cuestionan los límites de la realidad, la ficción y el imaginario de nuestro mundo. Koo Jeong A considera la conexión de energías entre un lugar y las personas, confiando en el azar como motor de sus encuentros. Entre sus exposiciones individuales y encargos recientes se encuentran: ajeongkoo, Art Sonje Center en Seúl (2017); Enigma of Beginnings, Yuz Project Room en el museo Yuz de Shanghái (2016); Koo Jeong A x Wheelscape: Evertro, en el parque Everton en Liverpool (2015) y Oussser, Fondazione La Raia en Novi Ligure, Italia (2014). Su interés por el concepto del vacío juega un papel fundamental: instaladas en sitios sin la interacción de los seres humanos, y afectadas solo por la luz cambiante del día y la noche, las esculturas a gran escala todavía tienen un significado profundo, como si fueran personajes en el tiempo y el espacio. El arte es visto por Koo Jeong A como una convergencia con el conocimiento colectivo y con las actividades naturales de la vida. Para el artista, el arte es un acto de reverencia que incita constantemente a la sorpresa del descubrimiento, extendiendo hacia un estado de dinamismo imparable un devenir perpetuo que siempre oscila, tiembla y vibra.
Web oficial: https://www.koojeonga.com
Lu Yang | Gigant DOKU, 2020 augmented reality
En la primera colaboración de Lu Yang con Acute Art, el avatar digital del artista, DOKU, se apodera del mundo físico en forma de superhéroe gigante danzante. La obra de realidad aumentada, titulada Gigant DOKU, incorpora datos de imágenes de captura de movimiento de Tokio y Bali recopilados durante el BMW Art Journey del artista.
Lu Yang (Shanghai, 1984) es un artista multimedia graduado del Departamento de Arte de Nuevos Medios de la Academia de Arte de China. Su práctica está profundamente inmersa en las subculturas del anime, los videojuegos y la ciencia-ficción. Su producción artística abarca películas animadas en 3D, instalaciones, videojuegos, hologramas, neón, realidad virtual y manipulación de software, a menudo con claras referencias al manga y al anime japonés. Su obra se ha expuesto en el Kulturforum de Berlín, el Centro Pompidou de París, el M Woods de Pekín, la Bienal de Shanghai y la Bienal de Atenas. Lu Yang fue anunciado como galardonado con el BMW Art Journey durante Art Basel en Basilea en 2019. Actualmente reside en Shanghái.
Web oficial: http://luyang.asia
Nina Chanel Abney | Imaginary Friend, 2020
Augmented reality
Cuenta la historia de un personaje con reminiscencia religiosa, un sabio que intenta dar una bendición a un amigo, pero éste la rechaza porque no cree que le vaya a pasar nada bueno. Al final, esta figura nos deja con la frase "a veces creemos que nada bueno puede sucedernos, así que no lo hacemos". Abney se inspiró en las hadas madrinas de los dibujos animados que entran en juego para ofrecer orientación. Esta historia puede interpretarse de múltiples maneras dadas nuestras circunstancias en el mundo contemporáneo. Es el deseo de la artista que esta obra traiga más interrogantes.
Las obras de Nina Chanel Abney (Illinois, 1982) combinan la abstracción con la representación para captar el ritmo frenético de la vida contemporánea. La artista aborda temas tan diversos como la raza, las celebridades, la religión, la política, el sexo y la historia del arte. El efecto es una sobrecarga de información equilibrada, con una especie de orden espontáneo, donde el tiempo y el espacio se comprimen y la identidad es intercambiable. Su estilo audaz, aprovecha el flujo y la simultaneidad que han llegado a definir la vida en el siglo XXI. Forma parte de diversas colecciones de todo el mundo, como el Museo de Brooklyn, la Colección de la Familia Rubell, el Museo del Bronx y la Colección Burger de Hong Kong. Su primera exposición individual en 2017 recorrió Estados Unidos, desde el Museo de Arte Nasher, en Carolina del Norte, hasta el Centro Cultural de Chicago y luego en Los Ángeles, donde fue presentada conjuntamente por el Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y el Museo Afroamericano de California.
Web oficial: https://ninachanel.com