Eduardo Basualdo
Eyelids2014


Video, 2’, Courtesy of the artist
Presented by Fundación Proa, Buenos Aires


Eyelids (2014) is part of a research on the nature of limits. In this case, the artist is interested in bringing to light the distinct conditions between the conditions that exist on both sides of a line. A fragile and transparent crystal is enough for two completely different worlds to exist only millimeters away from each other. In artist words: “I use simple methods to create disturbing interventions in space. This video consists of the image of two semi-transparent swathes of fabric hanging on both sides of a window, internal and external. Thus while one curtain hangs inside, as a regular curtain does, the other is placed outside of the glass window facade in the entrance area. It is only when both veils coincidentally lift at the same time that a clear view opens up through the pane.”


Eduardo Basualdo (Buenos Aires, 1977)

He studied Fine Arts at the Instituto Nacional de Artes Visuales in Buenos Aires and has a degree as actor and puppeteer from the Teatro General San Martín, Buenos Aires. He has participated at the Gwangju Biennale, Korea (2014), Biennale de Lyon, France (2011), Bienal del Mercosur, Brazil (2009), Bienal de Pontevedra, Spain (2006). He had a monographic exhibition at the Musée d’Art Contemporain, Rochechouart in 2013. He has participated at the Beca Kuitca programme in Buenos Aires in 2010/11, the Skowhegan residency in Maine, US in 2009 and SAM Art Projects in conjunction with the Palais de Tokyo, in Paris, France in 2014. He works with Galería Ruth Benzacar in Buenos Aires; PSM Gallery in Berlin and Galeria Luisa Strina in São Paulo.
Lives and works in Buenos Aires.

Diego Tonus
Speculative Speeches (Workers of the World – Relax) 
[Discursos especulativos (Trabajadores del mundo - relax)], 2012


 

Speculative Speeches (Workers of the World – Relax) 
[Discursos especulativos (Trabajadores del mundo - relax)], 2012
Film HDV, duración: 22’, cortesía del artista
Presentado por GAMeC, Bérgamo

Speculative Speeches (Workers of the World – Relax) es un film basado en diálogos pronunciados por el artista como ejercicios de entrenamiento. Durante el film, Diego Tonus utiliza su voz para explorar diferentes tonalidades, ritmos, timbres y modalidades, investigando el potencial de la voz, para entender cómo pueden afectar e influenciar a una audiencia en contextos tales como presentaciones, lecciones, discursos públicos o conferencias, etc. La obra muestra grabaciones de estudio en las cuales Tonus entrena su voz a partir del error, la repetición y corrección, utilizando esta estructura como una herramienta para revelar y analizar una situación de especulación que él personalmente experimentó. Con este video, se intenta considerar el punto de conflicto como algo efímero, al igual que la voz, pero capaz de influenciar a la audiencia. Este film considera el discurso como un acto de negociación, un campo de guerra diplomática, donde diferentes estrategias fueron desarrolladas para lograr el resultado. Speculative Speeches (Workers of the World – Relax) es un film basado en llamadas telefónicas reales grabadas por el artista en el curso de 2011.


Diego Tonus (Pordenone, 1984)

Entre sus exposiciones grupales más recientes se encuentran The Disappearance, CCA Singapur (2014), We Have Never Been Modern, Song Eun Art Space, Corea del Sur (2014), The Real Thing?, Palais de Tokyo, Francia (2013) y Add Fire, Furla Art Award, Ex-Ospedale degli Innocenti, Italia (2013). Exhibiciones individuales: Processing Authorities - Act I, Stedelijk Museum Bureau, Holanda (2013), Residenti, FAI - Villa e Collezione Panza, Italia (2013), Hour of the Wolf, Pabellón Danés, Giardini Biennale, Italia (2011). Formó parte de eventos y exhibiciones colectivas tales como Rehearsal of the Real, Kunstverein Nürnberg, Alemania (2013), 5x5Castellò2013, EACC, España (2013), The 338 Hour Cineclub, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Italia (2013), Fuoriclasse, GAM, Galleria d’Arte Moderna, Italia (2012), Out-of-_________, Michael Benevento Gallery, Estados Unidos (2012), Three artists walk into a bar... De Appel Arts Centre, Holanda (2012).En 2014 el artista recibió el premio Werkbijdrage Jong Talent, por parte del Mondriaan Fonds, Amsterdam, y presentó su primer libro titulado Five Cases of Intrusion (Cinco casos de intrusión), publicados por Archive Books, Berlín.

Vahap Avşar
Road to Arguvan [Camino a Arguvan],2013
Video, duración: 2’ 18”, cortesía del artista
Presentado por Istanbul Modern, Estambul


 

Road to Arguvan [Camino a Arguvan],2013
Video, duración: 2’ 18”, cortesía del artista
Presentado por Istanbul Modern, Estambul

En Road to Arguvan, Vahap Avşar se centra en una grieta gigantesca que se formó en la década del 80 en la única carretera que por generaciones conectaba Arguvan, pueblo natal del artista, con la ciudad de Malatya. La profundidad de las grietas en el asfalto ha hecho el camino inútil, sin embargo, el gobierno ni repara ni construye uno nuevo. Aislada del mundo, privada progresivamente de instalaciones fundamentales, sobre todo del hospital y del juzgado, la ciudad fue abandonada a su suerte. La imagen principal y la metáfora del camino a Arguvan es esta profunda grieta. Filmado con una cámara de mano, este corto, inestable e intensivo, lleno de misterio y asociaciones, se puede leer como un testimonio pasado y reciente de los conflictos sociopolíticos en Turquía. ¿Qué o quién fue la causa de esta fractura? ¿Fue un fenómeno natural como un terremoto que desplazó la tierra, o era "una fuerza desconocida"? ¿Qué ha estado pasando por debajo de la tierra cubierta por el asfalto? ¿Sería posible entender la causa de esta ruptura mirando profundamente en el abismo? Çelenk Bafra, Curador, Istanbul Modern.



 

Vahap Avşar (Malatya, 1965)

Empleando diversas técnicas como la fotografía, la pintura, la instalación, la performance y la imagen en movimiento, las obras de Vahap Avşar están marcadas por la influencia de la historia del arte conceptual. Avşar pretende revelar cuestiones que han permanecido veladas en nuestra región mediante el uso de imágenes que se graban en la memoria, así como objetos de uso cotidiano o la estética de la cultura popular. El estilo del artista, minimalista y en ocasiones sorprendente, esconde una crítica de las relaciones de poder, mecanismos de represión política, así como también de la violencia social y el conflicto. 
Obtuvo su Doctorado en Pintura por la Bilkent University, Turquía (1995). En los últimos años realizó las siguientes exhibiones individuales: Black Album, Rampa, Estambul (2013), iBerlin, TANAS, Berlin (2012), Noneisafe, Charles Bank Gallery, Nueva York (2011). Exhibió de manera grupal en Holanda, Alemania, Turquía y Estados Unidos, entre otros países. 

Vive y trabaja en Nueva York.

Brigid McCaffrey
Paradise Springs, 2013
Video Digital, duración: 28’ 58”, cortesía del artista
Presentado por Ballroom Marfa, Marfa, Texas

Paradise Springs, 2013
Video Digital, duración: 28’ 58”, cortesía del artista
Presentado por Ballroom Marfa, Marfa, Texas

Los films más recientes del artista se sitúan en paisajes que transmiten la precariedad y el cambio continuo. Su acercamiento experimental al documental se enfoca en los entornos y en las personas en transición, además de considerar estos sujetos sobre largos períodos de tiempo. Los films de McCaffrey meditan sobre la tensión entre individualismo y comunidad, en el medio de las inestables realidades económicas y ecológicas. Formados por el proceso del retrato, los films responden a los cambios físicos y emotivos de sus protagonistas, creando documentos que funden representaciones de ellos y sus lugares.

Cinco años de viajar y vivir en el desierto de Mohave han inculcado, en la geóloga Ren Lallatin, una relación íntima con sus formaciones geológicas. Ella estudia el desierto rastreando sus actividades volcánicas y sísmicas, localizando fuentes de agua y reliquias de sus antiguos habitantes, identificando las características del paisaje que serán su refugio de la vista pública. El film consiste en una sucesión de soliloquios errantes y travesías en el terreno, la geóloga describe sus interacciones con el mundo natural, mientras declara su rechazo a la regularización de las tierras y su privatización. Este retrato contempla la soledad y la formación de una mitología personal frente al tiempo geológico.

Brigid McCaffrey (USA, 1978)

Documentalista y cineasta experimental. Sus films han sido proyectados en distintos eventos, tales como el BAFICI, Bradford International Film Festival, Cinema du Reel, DocLisboa, L’Alternativa, Rotterdam International Film Festival, Torino International Film Festival, Other Cinema en San Francisco, y en Los Angeles Filmforum. Su film Castaic Lake fue premiado como Mejor Película en el Ann Arbor Film Festival (2011). Paradise Springs recibió el Premio Marian McMahon, en el Images Festival (2014). Obtuvo un Master en Bellas Artes, especializado en Film y Video, por parte de CalArts, California, y un Bachelor of Arts, en Fotografía y Cine por parte del Bard College, Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Los Angeles. 

Vive y trabaja en Los Angeles.

Karen Mirza and Dr Brad Butler
The Unreliable Narrator [El narrador no confiable], 2014
Video, duración: 16’ 50’’, cortesía del artista
Presentado por Whitechapel Gallery, Londres

The Unreliable Narrator [El narrador no confiable], 2014
Video, duración: 16’ 50’’, cortesía del artista
Presentado por Whitechapel Gallery, Londres

El film nos narra la historia de los ataques de 2008 en Mumbai, India. Las imágenes grabadas provienen de las grabaciones de CCTV durante el asedio y la cobertura de las conversaciones telefónicas entre los atacantes y sus controladores, quienes orquestaron la violencia desde lejos. El film forma parte del proyecto de Karen Mirza y Brad Butler, The Museum of Non Participation, el cual nació luego de una visita a la recientemente inaugurada National Gallery of Art en Islamabad, donde los artistas participaron en grandes manifestaciones en la ciudad. Este evento les permitió investigar qué es lo que ocurre cuando los actos políticos y artísticos colisionan. 

En el film, las imágenes de archivo de las noticias televisadas y de una reciente película de Bollywood, son empalmadas para dramatizar el evento, enfatizando el complejo y ambiguo rol que la tecnología y los medios jugaron durante los ataques. La voz de una narradora reúne la historia para el espectador, sugiriendo que los actos de violencia fueron armados para las cámaras. Resaltando las discrepancias en la cobertura mediática durante todo el camino, la narradora cuestiona el rol de la obra de arte en sí y su interpretación de un acto de terrorismo al público.

Karen Mirza and Dr Brad Butler (London, 1970)

Karen Mirza estudió en el Royal College of Art y en el Camberwell College of Arts. 
Brad Butler estudió en el Royal College of Art, University College London y la University of the Arts London. 
Entre sus exhibiciones recientes se incluyen: Artes Mundi, Cardiff (2014 - 2015), MIRRORCITY, Hayward Gallery, Londres (2014), Science Fiction: New Death, FACT, Liverpool (2014), Gesture, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart (2014) y The New Deal, Walker Arts Centre, Minneapolis (2013). 
Ambos artistas viven y trabajan en Londres.

Tran Luong
Lập Lòe [Parpadeo], 2012
Video, duración: 10' 23", cortesía del artista
Presentado por Hanói Doclab, Hanói

/Lap Loe/

Los destinos inciertos.

Los relámpagos antes de la tormenta. 

Las luciérnagas o las guerras que fueron vistas desde lejos…

De pronto estallan, como los esfuerzos de las cenizas antes de apagarse.

Y los esfuerzos de las cenizas antes de apagarse.

Tran Luong (Hanói, 1960)

La experiencia artística de Luong abarca pintura, instalación y performance. El artista formó parte de un grupo de artistas denominado Gang of Five, con el cual obtuvo su fama internacional, además de ser respondable de liderar el desarrollo del arte contemporáneo en Vietnam a finales de los 80’s y principios de los 90’s. Su videoinstalación Lập Lòe (2012), emplea la bufanda roja – un elemento cargado de significado histórico y político asociado al comunismo – ondeando, flotando, golpeando contra el cuerpo del artista. 
Vive y trabaja en Hanói.

Lee Kai Chung
The History of Riot (The DJ) [La historia del disturbio (El DJ)], 2013
Video, duración: 9’ 14”, cortesía del artista
Presentado por Para/Site, Hong Kong

The History of Riot (The DJ) [La historia del disturbio (El DJ)], 2013
Video, duración: 9’ 14”, cortesía del artista
Presentado por Para/Site, Hong Kong

The History of Riot (The DJ) forma parte de un proyecto de investigación más extenso, titulado Archive of the People [Archivo de la gente]. Esta investigación actúa como marco para estudiar problemas históricos y socio-políticos contemporáneos a través ya sea de performances, documentación e instalaciones. En el caso de The History of Riot (The DJ), Lee hace referencia a las protestas de izquierda previas a la entrega de Hong-Kong en 1967. En medio de los disturbios, Lee resalta un hecho clave – el asesinato brutal del radiocomentarista y crítico del comunismo Lam Bun (1929-1967) en manos de manifestantes pro-comunistas, lo que simbolizaría el derrame de ideologías e identidades del territorio presente aún en Hong Kong. El video de Lee es un tributo a Lam, quien fuera conocido como figura a favor de la libertad de expresión.

Lee Kai Chung (Hong Kong, 1985)

Chung realizó un Master en Bellas Artes, en la School of Creative Media, City University of Hong Kong. Algunas de sus exhibiciones pasadas son: Archive of the People, Para Site Booth, Art Basel Hong Kong (2013), Hong Kong Contemporary Art Awards 2012, Hong Kong Museum of Art (2011), New Trend 2008, Cattle Depot, Hong Kong y The Unrealized, Ching Ming Building, Chinese University of Hong Kong (2008). 

Vive y trabaja en Hong Kong.

Srdjan Keča
Museum of the Revolution [Museo de la Revolución], 2014
Video, duración: 25’, cortesía del artista
Presentado por Belgrade Cultural Center, Belgrado

Museum of the Revolution [Museo de la Revolución], 2014
Video, duración: 25’, cortesía del artista
Presentado por Belgrade Cultural Center, Belgrado

En 1961, un atrevido diseño del artista y arquitecto Vjenceslav Richter fue seleccionado para lo que sería uno de los más destacados edificios socialistas en Yugoslavia: El Museo de la Revolución en Nuevo Belgrado. El proyecto presentado por Richter comenzaba con estas palabras:

“El propósito e idea de este museo es salvaguardar la verdad sobre nosotros. De él se desprende su extraordinaria importancia, que encuentra su confirmación en el lugar asignado.

Por lo tanto, es imposible acercarse a la solución de este problema con un arsenal de nociones convencionales sobre museos, no importa cuán válidas sean las soluciones que de ellos se desprendan.

La realización del Museo de la Revolución tiene que expresar una idea general y grandiosa.

Nuestra idea, y la idea de nosotros.

Es tan nuestro, como nuevo y auténtico.”

Estas seis oraciones son leídas como un poema, e inmediatamente aceleran el corazón de quienes conocen el destino del Museo y de su edificio. Para alguien nacido y criado en Yugoslavia, tiene bastante sentido que semejante proyecto nunca llegara a su máxima expresión. Los hechos sugieren que durante décadas, los cambios de sitio, de financiamiento y legislación, permitieron el eventual abandono de tan ambicioso proyecto. 

Sin embargo, aún hay vida debajo de estas cenizas. El gran nivel subterráneo construido en 1978-79 subsiste, ahora es un laberinto, hogar compartido por vagabundos, personas rechazadas por sus familias, veteranos de guerra y rumanos. Está oculto en algún lugar entre los edificios del gobierno y el centro comercial más grande en los Balcanes.


 

Srdjan Keča (Serbia)

Director de cine documental y artista visual. Estudió Física en la Universidad de Belgrado y realización de cine documental en los Ateliers Varan, en París. En 2011 obtuvo su Master of Arts de la UK National Film and Television School (NFTS). Sus proyectos incluyen: Mirage, un documental experimental que explora las marcas de los desplazamientos y la nostalgia en la ciudad de Dubai, A Letter to Dad, ensayo sobre la familia, la guerra y el olvido, y Museum of the Revolution. Sus films fueron exhibidos en distintos festivales internacionales de documentales. Mirage, su film de graduación en la NFTS, ganó el premio Best Central and Eastern European Documentary en 2012, entre otros. Recientemente, Museum of the Revolution abrió la edición 2014 de la Bienal de Arquitectura de Venecia. 

Vive en Serbia.

Yama Rahimi
Creation Song [Canción de creación], 2014
Video, duración: 7’ 17”, cortesía del artista 
Presentado por Centre for Contemporary Arts Afghanistan (CCAA), Kabul

Creation Song [Canción de creación], 2014
Video, duración: 7’ 17”, cortesía del artista 
Presentado por Centre for Contemporary Arts Afghanistan (CCAA), Kabul

En este cortometraje, las mujeres son representadas como “piedras tranquilas”, sin emociones y silenciosas, quienes toman su forma basadas en la relación que el hombre mantiene para con ellas. Sin embargo, su voz interior no coincide con su apariencia externa y el hecho de que incluso hoy sus vidas son regidas por otros es obvio.

Yama Rahimi (Kabul, 1992)

Graduado en Cine de la Universidad de Kabul. Durante sus estudios, Rahimi realizó tres cortos, incluyendo Creation Song. Ha cooperado con el Centro de Artes Contemporáneas en Afganistan en el desarrollo del programa educativo en artes visuales. En sus películas, el artista se centra en los derechos y restricciones que la mujer encara cada día en Afganistán, así como también en temas vinculados a la violencia y discriminación.

Pallavi Paul
Long Hair, Short Ideas [Cabello largo, ideas cortas], 2014
Video, duración: 24’ 39”, cortesía del artista
Presentado por PROJECT 88, Mumbai

Long Hair, Short Ideas [Cabello largo, ideas cortas], 2014
Video, duración: 24’ 39”, cortesía del artista
Presentado por PROJECT 88, Mumbai

En su trilogía de ensayos fílmicos: Nayi Kheti (2013), Shabdkosh (2013) y su más reciente Long Hair, Short Ideas (2014), el artista crea tres conversaciones inviables. El film Long Hair, Short Ideas, intenta crear una conversación entre las presiones al excavar un momento político y la elasticidad de la forma documental. Partiendo del deseo de mirar el movimiento de mujeres, el artista se ve inmerso en la viscocidad de las luchas. La falta de habilidad para encontrar una perspectiva estable comienza a convertirse en el lugar desde el cual las posibilidades podrían brotar. El film se construye en torno a la esposa de Vidrohi (poeta revolucionario). Su relación con el movimiento radical está delineada por la turbulenta historia política de India en los 70’s (emergencia y amordazamiento de la libertad de prensa y libertades civiles) y sus experiencias íntimas vinculadas a la vida doméstica, la sexualidad y el trabajo. Revisitando el abandono por parte de su marido y las elecciones que tuvo que hacer como resultado, no sólo reformula la tradicional figura de ‘la esposa de revolucionario’, sino también nos induce a repensar los órdenes de ‘silencio’, ‘conflicto’ y ‘ausencia’ dentro de los nuevos contextos.


 

Pallavi Paul (New Delhi)

El trabajo de Paul está profundamente involucrado en las tecnologías de la poesía y el viaje en el tiempo. Ella trabaja principalmente con video e instalación para proponer lugares de tensión que habitan el material no ficcional. Utilizando la disrupción entre ‘imagen de realidad’ y ‘documental’ como punto de partida, la artista intenta crear un laboratorio de posibilidades, los cuales ponen a prueba los límites de la fantasía, la resistencia, la política y la historia. Sus obras fueron exhibidas en la Tate Modern Gallery, Londres, Edinburgh Art Festival, Edimburgo, Hundred Years of Experimentation (1913- 2013) Retrospective of Indian Cinema and Video, Experimenta Film Festival, Bangalore, y Mumbai Film Festival, Mumbai. 

Vive y trabaja en Nueva Delhi.

Piotr Wysocki & Dominik Jałowiński
Run Free [Corrida libre], 2013
Video, duración: 14’ 44”, cortesía del artista
Presentado por Museum of Modern Art, Varsovia

Run Free [Corrida libre], 2013
Video, duración: 14’ 44”, cortesía del artista
Presentado por Museum of Modern Art, Varsovia

El film proviene de la documentación de un workshop coordinado por los artistas en el sitio de la fábrica Łucznik y el estadio deportivo Radomiak. Los artistas situaron las actividades en el contexto de las revueltas laborales en Random, en 1976, las cuales fueron brutalmente reprimidas por la policía. Invitaron a dos grupos antagónicos a participar en el proyecto: policías y hombres jóvenes que practican free running - una versión acrobática del parkour -, práctica que frecuentemente los lleva a ser perseguidos por la policía. Los artistas transformaron una confrontación potencial entre enemigos en una actividad creativa comunal, la cual de manera positiva trasciende los eventos de 1976.
 

Piotr Wysocki & Dominik Jałowiński

Piotr Wysocki (Dębno Lubuskie, 1976)  es creador de films documentales, videoinstalaciones, workshops, acciones al aire libre y happenings. Vive y trabaja en Varsovia.

Dominik Jałowiński (Lublin, 1981) es pintor y performer. Vive y trabaja en Varsovia.

Tanya Busse & Emilija Skarnulyte
Hollow Earth [Tierra hueca], 2014 
Video, duración: 22’ 27”, cortesía del artista
Presentado por Tromsø Kunstforening, Tromsø

Hollow Earth [Tierra hueca], 2014 
Video, duración: 22’ 27”, cortesía del artista
Presentado por Tromsø Kunstforening, Tromsø 

Hollow Earth es el resultado de una amistad y colaboración entre Emilija Skarnulyte y Tanya Busse, la cual se extendió por varios meses y aún continúa. Es también una meditación visual y examinación de las condiciones de recursos contemporáneos dentro de las áreas circumpolares del Norte. Con el crecimiento de los avances tecnológicos, como las herramientas sísmicas y otros instrumentos de imagen, mundos oscuros fueron revelados, los cuales van más allá de lo que podemos ver a simple vista, modificando en última instancia, la manera en la que observamos y leemos el paisaje. Mediante un tipo de antropología visual, las artistas exploran el marco a través del cual el Paisaje del Norte ha sido visualmente construido: como símbolo de romanticismo nacional, frontera del ártico, naturaleza indomable, expedición polar, destino turístico, y el tan disputado territorio geopolítico actualmente en la vanguardia de los debates sobre los recursos y el cambio climático. Combinando material de investigación, fotografías de paisaje y material de archivo, Hollow Earth busca reflexionar sobre la imagen cambiante del norte, como un sitio donde la violencia, el deseo, la codicia y las emociones se juegan.

Tanya Busse & Emilija Skarnulyte

Tanya Busse (Moncton, 1982) obtuvo su Bachellor of Fine Arts en la Nova Scotia College of Art and Design, en Halifax, y su Master of Fine Arts en Tromsø Art Academy. Actualmente vive y trabaja en Tromsø.

Emilija Skarnulyte (Vilnius, 1987) se graduó de la National school of Fine Arts, en Vilnius, y obtuvo su Bachelor degree en escultura por parte de la Accademia di Brera, en Milán.